Erscheinungsjahr 1974 | Streaming | Art-Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

TAKING TIGER MOUNTAIN (BY STRATEGY) ist das zweite Soloalbum von Brian Eno und erschien im Herbst 1974 bei Island Records. Im Unterschied zum Debüt arbeitete Eno hier mit einer festen Kernbesetzung: Eno selbst (Vocals, Keyboards, Electronics, Guitar), Phil Manzanera (Guitar), Brian Turrington (Bass Guitar, Piano), Freddie Smith (Drums) und Robert Wyatt (Percussion, Backing Vocals).

Aufgenommen wurde das Album im selben Studio, in dem Genesis zu dieser Zeit THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY fertigstellten. Dadurch kam es zu einer Zusammenarbeit zwischen Eno und Peter Gabriel: Gabriel bat ihn, für das Genesis-Album einige Effekte beizusteuern. Im Gegenzug stellte er Eno Phil Collins für eine Session zur Verfügung, was Collins zunächst wenig gefiel. Er ist auf dem Stück Mother Whale Eyeless zu hören.

Musikalisch bewegt sich TAKING TIGER MOUNTAIN (BY STRATEGY) zwischen Avant-Pop, Art-Rock und frühen elektronischen Klangexperimenten. Charakteristisch sind die experimentelle Gitarrenarbeit Manzaneras, verfremdete Keyboard- und Elektroniksounds sowie eine spielerisch-melancholische Grundstimmung.

Das Album hat mich überrascht. Brian Eno ist für mich eng mit ambientartiger Musik verbunden, doch sein Frühwerk klingt völlig anders, als ich es erwartet hatte. TAKING TIGER MOUNTAIN wirkt zudem wie ein Album außerhalb seiner Zeit. Anstatt nach 1974 zu klingen, erinnert es in vielem eher an die späten 70er oder frühen 80er und weist bereits deutlich in Richtung New Wave und Post Punk.

Eine Reihe von Eno-Alben sind mittlerweile in Dolby Atmos abgemischt. Dazu gehört auch dieses Album, welches auf Streaming-Portalen abrufbar ist.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

1 Burning Airlines Give You So Much More – 3:15
2 Back in Judy’s Jungle – 5:14
3 The Fat Lady of Limbourg – 5:05
4 Mother Whale Eyeless – 6:00
5 The Great Pretender – 5:10
6 Third Uncle – 5:01
7 Put a Straw under Baby – 3:28
8 The True Wheel – 5:20
9 China My China – 5:45
10 Taking Tiger Mountain – 6:00

Gesamtdauer: 48:14

Der Dolby Atmos Mix:

Das Album ist teils komplex arrangiert, über weite Strecken aber klar melodisch und voller interessanter Klangideen. Damit eignet es sich hervorragend für eine Umsetzung in Dolby Atmos – und der Mix nutzt diese Möglichkeiten konsequent.

Der gesamte Raum wird einbezogen, mit zahlreichen diskret verteilten Klängen. Oft ist kaum zu identifizieren, welches Instrument gerade zu hören ist, da Eno viele Sounds elektronisch verfremdete. Über das ganze Album hinweg entsteht so eine regelrechte Rundumbeschallung, die auch die Höhenkanäle intensiv einbindet. Synthesizer, Gitarren, Chorgesang und Percussion sind häufig nach oben verlagert. Passend zu den experimentellen Klangeffekten treten zudem immer wieder subtile Bewegungen einzelner Elemente im Raum auf.

Interessant ist der Mixverlauf: Das Album beginnt im ersten Stück vergleichsweise frontlastig, doch nach kurzer Zeit öffnen sich die Rears und der gesamte Hörraum entfaltet sich. Dieses immersive Klangbild bleibt bis zum Ende erhalten, selbst im letzten, eher spärlich instrumentierten Stück.

Der Gesamtsound ist dabei bemerkenswert klar und detailreich. Kleinste Nuancen treten deutlich hervor, sodass man kaum glauben mag, ein über 50 Jahre altes Album zu hören. Bei jedem erneuten Hören lassen sich neue Feinheiten entdecken, was den Mix besonders reizvoll macht.

Anspieltipp:

The Great Pretender, The True Wheel

Fazit:

Prädikat: Sehr schön!

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 96 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von TAKING TIGER MOUNTAIN (BY STRATEGY) gibt es bei entsprechendem Abo bei Apple Music, Amazon Music Unlimited und Tidal zu hören.

Stand: 08.10.2025

Links:

Offizielle Webseite von Brian Eno

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Erscheinungsjahr 1975 | Blu-ray Disc / Streaming | Glam-Rock

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Nummer 42 der exklusiven Surround Sound Series der Webseite superdeluxeedition.com widmet sich einem Werk, das heute fast in Vergessenheit geraten ist. Das Album THE BEST YEARS OF OUR LIVES von Steve Harley & Cockney Rebel erschien 1975 und feiert in diesem Jahr sein 50-jähriges Jubiläum.

Steve Harley war ursprünglich als Journalist tätig, gab diesen Beruf jedoch auf, weil er keine Krawatte tragen wollte, und gründete stattdessen die Band Cockney Rebel. Unter diesem Namen veröffentlichte er zwei Alben. Auffällig war dabei, dass die Gruppe bewusst auf einen Leadgitarristen verzichtete. Nach dem zweiten Album kam es jedoch zu Spannungen, ausgelöst durch Harleys dominante Bandführung. In der Folge stellte er die Band fast vollständig neu zusammen und trat fortan unter dem Namen Steve Harley & Cockney Rebel auf.

THE BEST YEARS OF OUR LIVES war das erste Album in dieser neuen Besetzung. Es erwies sich als erfolgreich, erreichte in Großbritannien Platz 4 der Charts und verkaufte sich dort rund 100.000 Mal. Entscheidenden Anteil daran hatte die Single Make Me Smile, die Platz 1 belegte. Produziert wurde das Album damals von Alan Parsons, der nun auch den Dolby-Atmos-Mix erstellt hat.

Auch diese Bandformation war nicht von langer Dauer. Das letzte Album erschien 1979. In den 80er-Jahren hatte Steve Harley zusammen mit Sarah Brightman noch einen Hit mit The Phantom of the Opera. Im vergangenen Jahr verstarb Harley an den Folgen einer Krebserkrankung.

Tracklist:

 1 Introducing „The Best Years“ – 1:07
2 The Mad, Mad Moonlight – 4:30
3 Mr. Raffles – 4:33
4 It Wasn’t Me – 6:02
5 Panorama – 5:38
6 Make Me Smile (Come Up and See Me) – 4:00
7 Back to the Farm – 5:53
8 49th Parallel – 3:13
9 The Best Years of Our Lives – 5:45

Gesamtdauer: 40:45

Die Musik:

Musikalisch bewegte sich Cockney Rebel zwischen Glam-Rock, Art-Pop und Progressive Rock, wobei sie durch ihre theatralischen Bühnenshows und schrillen Outfits auffielen. Auch auf THE BEST YEARS OF OUR LIVES sind diese Elemente weiterhin vorhanden. Im Vergleich zu den ersten beiden Alben klingt dieses Album etwas anders, statt einer Violine hört man nun häufiger eine E-Gitarre. Dadurch klingt eine Großzahl der Stücke rockiger und direkter.

Für mich klingt das Album, als hätten vor 50 Jahren David Bowie und Bob Dylan ein gemeinsames Album aufgenommen. Musikalisch erinnert es an Bowie, gesanglich und auch textlich etwas an Bob Dylan. Auffallend ist dabei der melodramatische Gesangsstil von Steve Harley, der nicht jedem gefallen dürfte. Verglichen wurde dieser auch gerne mit dem Gesang von Peter Gabriel während seiner Genesis-Zeit und seinen ersten beiden Solo-Alben.

Insgesamt ist THE BEST YEARS OF OUR LIVES ein richtig schönes Album mit tollen Melodien und gelungenen Arrangements geworden, das man unbedingt wiederentdecken sollte.

Wertung: 83 %

Besetzung:

 Steve Harley – vocals
Jim Cregan – electric guitar, acoustic guitar, backing vocals
George Ford – bass guitar, string bass, backing vocals
Duncan Mackay – electric piano, grand piano, elka, clavinet, synthesizer, Hammond organ
Stuart Elliott – drums, percussion, marimba

 Tina Charles – backing vocals
Martin Jay – backing vocals
Yvonne Keeley – backing vocals
Linda Lewis – backing vocals
Liza Strike – backing vocals
Andrew Powell – horn and brass arrangement

Der Surroundmix:

Alan Parsons hat hier ein gutes Händchen bewiesen. Die Surroundmixe seiner letzten beiden Soloalben fand ich nicht immer gelungen, doch diesmal zeigt er, dass er die Musik immer noch sehr überzeugend im gesamten Raum verteilen kann. Dass er dazu in der Lage ist, hatte er bereits vor einigen Monaten mit der Dolby-Atmos-Veröffentlichung von PYRAMID vom Alan Parsons Project unter Beweis gestellt. Diese Blu-ray sollte ich mir bei Gelegenheit auch noch einmal genauer vornehmen.

Zurück zu Steve Harley. Parsons setzt die Höhenkanäle recht häufig ein, vor allem bei den Synthesizern. Diese werden fast durchgehend nach oben gelegt, was sehr wirkungsvoll klingt – besonders dann, wenn sie als Farbtupfer innerhalb der Arrangements auftauchen. Auch Gitarren sind immer wieder erhöht zu hören. Das betrifft vor allem akustische Gitarren, doch auch einzelne Leadgitarren erscheinen über dem Kopf.

Weitere Gitarren sowie Keyboards wie Klavier und Orgel sind sehr schön im gesamten Raum verteilt – mal seitlich, mal im Rear-Bereich, aber auch immer wieder vorne, wo sich hauptsächlich Leadgesang, Schlagzeug und Bass befinden.

Besonders gelungen ist auch der Einsatz der häufigen Chorgesänge. Diese sind überwiegend hinten in einem breiten Panorama platziert und häufig zusätzlich in der Höhe gestaffelt. Am beeindruckendsten ist das am Ende von Back to The Farm. Dort sind im ganzen Raum zahlreiche Stimmen verteilt, die sich einzeln heraushören lassen.

Insgesamt hat Alan Parsons hier ganze Arbeit geleistet. Nur in wenigen Momenten wirkt der Mix etwas weniger räumlich, meist in Passagen, in denen es ohnehin wenig zu verteilen gibt. Auch klanglich macht das Album Freude, auch wenn man an manchen Stellen das Alter der Produktion hört.

Wertung: 92 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master Audio 5.1

LPCM 2.0

Album starten:

Das Album kann ohne Zuschalten des Fernsehers per Enter-Taste in Dolby Atmos gestartet werden.

Bonusmaterial:

Es gibt auch noch die B-Seite Another Journey in Dolby Atmos zu hören, die allerdings separat aufgerufen werden muss. Ebenfalls auf der Blu-ray enthalten ist ein Konzert-Mitschnitt aus dem Hammersmith Odeon (in Stereo). Außerdem gibt es noch den originalen Stereo Mix. Wie so häufig bei der SDE-Serie ist das Album auch hier als Instrumental-Version zu hören (für alle, die mit Harley Gesang nichts anfangen können)

Aufwertung: + 1,5 %

Anspieltipp:

Back To The Farm, The Best Years Of Our Lifes

Fazit:

Ein schöner Mix in Dolby Atmos eines schönen Albums.

Pros / Cons:
+ sehr guter Mix in Dolby Atmos
+ High Resolution (+1 %)
+ viel Bonus-Material auf Blu-ray  (+1,5 %)

GESAMTWERTUNG: 92 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Die Ausgabe ist noch im Shop von Superdeluxeedition.com zu bekommen, was in letzter Zeit immer häufiger passiert. Inklusive Versand zahlt man um die 40 Euro dafür.

Streaming: THE BEST YEARS OF OUR LIVES sollte auch im Streaming bei Apple Music, Amazon Music und Tidal in Dolby Atmos verfügbar sein.

Stand: 11.09.2025

Links:

Offizielle Seite von Steve Harley

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Erscheinungsjahr 2002 | Blu-ray / Streaming | Psychedelic Rock

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YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS ist das zehnte Studioalbum der amerikanischen Alternative Rockband The Flaming Lips und wurde im Juli 2002 veröffentlicht. Es markiert eine Phase, in der sich die Band endgültig von ihren Garagenrock-Wurzeln verabschiedete und eine experimentellere, elektronisch geprägte Richtung einschlug. Dabei blieb die Band ihrem Hang zu ungewöhnlichen Klanglandschaften treu, setzte aber verstärkt auf akustische Elemente, die durch elektronische Beats und Synthesizer ergänzt wurden. Besonders auffällig sind die Einflüsse von Hip-Hop und Mainstream-Pop, die den Arrangements eine moderne, fast zeitlose Note verleihen.

Das Album wurde inspiriert von Yoshimi P-We, einer japanischen Musikerin, deren Gesang als Ausgangspunkt für die titelgebenden pinkfarbenen Roboter diente. Yoshimi selbst ist auch auf dem Album zu hören, was die Verbindung zur fiktiven Welt unterstreicht, die The Flaming Lips hier erschaffen. Trotz der Science-Fiction-Anklänge, die vor allem in den ersten Tracks wie Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 1 zu spüren sind, ist das Album kein reines Konzeptwerk. Statt einer durchgehenden Handlung behandelt es Themen wie Liebe, Sterblichkeit und den Umgang mit Emotionen in einer zunehmend künstlichen Welt.

Diese Mischung aus warmen, akustischen Momenten und synthetischen Experimenten machte das Album zu einem kommerziellen Erfolg und einem Meilenstein für die Flaming Lips. Mit Goldstatus und einer späteren Musical-Adaption wurde YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS nicht nur ihr meistverkauftes Album, sondern auch eines ihrer einflussreichsten Werke.

Bereits 2004 ist das Album auf DVD-Audio in einem 5.1-Mix erschienen. 20 Jahre später hat man einen Dolby Atmos Mix erstellt. Dafür verantwortlich ist Dave Friedman, der auch das Album produziert hat.

Tracklist:

1 Fight Test – 4:14
2 One More Robot/Sympathy 3000-21 – 4:59
3 Yoshimi Battles the Pink Robots Pt. 1 – 4:45
4 Yoshimi Battles the Pink Robots Pt. 2 – 2:57
5 In the Morning of the Magicians – 6:19
6 Ego Tripping at the Gates of Hell – 4:33
7 Are You a Hypnotist?? – 4:44
8 It’s Summertime – 5:45
9 Do You Realize?? – 3:32
10 All We Have Is Now – 3:53
11 Approaching Pavonis Mons by Balloon (Utopia Planitia) – 3:12

Gesamtdauer: 47:25

Die Musik:

Musikalisch ist YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS eines der vielseitigsten Alben der Band. Balladeske Stücke stehen neben verspielten, elektronisch dominierten Tracks. Songs wie Do You Realize?? sind eingängig und emotional, während andere wie Are You a Hypnotist?? mit ungewöhnlichen Arrangements überraschen.

Der Einsatz von Synthesizern, Drumcomputern und verzerrten Gitarren erzeugt eine futuristische und zugleich warme Klanglandschaft. Die Stimme von Frontmann Wayne Coyne, oft mit Hall und Effekten versehen, trägt zur verträumten und psychedelischen Atmosphäre des Albums bei. Trotz der vielen elektronischen Spielereien sind aber weiterhin die Songs im Mittelpunkt, die oft durch starke Melodien zu beeindrucken wissen.

Wertung: 80 %

Besetzung:

  Wayne Coyne – vocals, guitars,
Steven Drozd – drums, guitars, keyboards, electronics, bass, vocals
Michael Ivins – bass, keyboards, backing vocals

  Yoshimi P-We – vocals
Dave Fridmann – programming

Der Surroundmix:

Bei diesem Album handelt es sich um einen Dolby-Atmos-Mix, den ich als akustisches Wimmelbild bezeichnen würde. Überall im Raum passiert etwas, und bei jedem neuen Hördurchgang entdeckt man garantiert Sounds, die einem zuvor entgangen sind. Das Album besteht aus unzähligen Soundeffekten, Synthies, Beats, Vocalspuren und entsprechenden Effekten sowie ebenso vielen Gitarrenspuren, die buchstäblich überall im Raum verteilt wurden. Zudem sind die Arrangements ziemlich außergewöhnlich, was eine unkonventionelle und offensive Verteilung im Raum ermöglicht.

So werden nicht nur die üblichen Keyboard- und Gitarrensounds in alle Richtungen verteilt – nach vorne, zur Seite, nach hinten oder oben –, sondern auch Beats, Bässe und sogar der Leadgesang tauchen zeitweise hinter dem Hörplatz auf. Zudem gibt es immer wieder Sounds, die durch den Raum schwirren.

Insgesamt also ein außergewöhnlicher Mix in Dolby Atmos, den ich allerdings nur eingeschränkt als Vorführmix empfehlen würde. Ungeübte Ohren könnten ihn schnell als zu viel oder zu effekthascherisch empfinden. Auch mir ging es stellenweise so, dass ich den Mix als etwas überladen wahrnahm. Muss im ersten Stück Fight Test das Schlagzeug wirklich plötzlich eine Runde durch den Raum drehen? Was ist der Sinn dahinter – nur weil es technisch möglich ist? Bei In the Morning of the Magicians beispielsweise befinden sich der Gesang und eine Akustikgitarre zunächst hinten links und bewegen sich dann getrennt voneinander in den hinteren rechten Kanal. Das sind Momente, in denen der Mix von der eigentlich sehr schönen Musik ablenkt. Und auch bei Dolby Atmos sollte die Musik im Vordergrund stehen.

Nichtsdestotrotz: Wenn es ein Album gibt, bei dem solche ungewöhnlichen und experimentellen Mix-Ansätze funktionieren, dann ist es sicherlich dieses. Insgesamt also ein wirklich guter Dolby-Atmos-Mix – mit ganz leichten Abzügen in der B-Note.

Wertung: 95 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master 5.1

PCM Stereo

Album starten:

Das Album startet in Dolby Atmos, wenn man im Menü die Enter Taste drückt. Perfekt.

Bonusmaterial:

Auf der Blu-ray gibt es noch fünf Musikvideos.

Aufwertung: + 1 %

Anspieltipp:

Ego Tripping at the Gates of Hell, Do You Realize??

Fazit:

Ein außergewöhnlicher Dolby Atmos Mix!

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ Musikvideos als Bonus (+ 1 %)
+ High-Res (+1%)

GESAMTWERTUNG: 93 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Die Blu-ray gibt es nicht mehr überall zu erwerben. Die Preise liegen zwischen 18 Euro (imusic) und 30 Euro (Amazon)

Streaming: Den Dolby Atmos Mix gibt es auch bei entsprechendem Abo bei Apple Music und wahrscheinlich auch bei Amazon zu hören. Bei Tidal habe ich es nicht gefunden.

Stand: 24.03.2025

Links:

Offizielle Webseite von The Flaming Lips

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Erscheinungsjahr 2014 | Blu-ray / Streaming | Alternative Rock

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Die Entstehung des Albums UNREPENTANT GERALDINES von Tori Amos, das am 9. Mai 2014 veröffentlicht wurde, markiert eine Rückkehr zu ihren Wurzeln nach einer Reihe klassisch inspirierter Projekte. Vor der Arbeit an diesem Album hatte Amos zwei Alben für die Deutsche Grammophon veröffentlicht, die sich stark von ihrem charakteristischen Pop- und Rocksound unterschieden. Diese Phase wurde von vielen Fans als experimentell und weniger zugänglich wahrgenommen. Der Titel des Albums bezieht sich auf eine Radierung des irischen Malers Daniel Maclise, die eine büßende Frau namens Geraldine darstellt. Dies spiegelt das zentrale Thema des Albums wider: die Auseinandersetzung mit weiblicher Identität und der Ablehnung von gesellschaftlichen Erwartungen.

Amos arbeitete bei UNREPENTANT GERALDINES mit ihrem Ehemann Mark Hawley und dem Produzenten Marcel van Limbeek zusammen. Die Aufnahmen fanden in ihrem eigenen Studio in Cornwall statt, was ihr die kreative Freiheit gab, den Sound und die Arrangements nach ihren Vorstellungen zu gestalten. Der Fokus lag auf ihrer Stimme und dem Klavier, was zu einem reduzierten, aber kraftvollen Klang führte. Die Texte wurden durch Kunstwerke und Fotografien inspiriert, was dem Album eine visuelle Dimension verleiht, die Amos‘ poetische Erzählweise ergänzt. Somit ist es ein weiteres Album in Tori Amos Diskografie, welches man gut und gerne als Konzeptalbum klassifizieren könnte.

UNREPENTANT GERALDINES war in den Charts durchaus erfolgreich und erreichte in mehreren Ländern die Top 20. In Deutschland stieg es auf Platz 15 der Albumcharts ein und wurde von der Kritik überwiegend positiv aufgenommen. Viele Rezensenten lobten die Rückkehr zu ihrem ursprünglichen Stil und das Gefühl von Authentizität, das das Album vermittelt.

Zehn Jahre später wurde dieses Album in Dolby Atmos abgemischt. Es ist nach OCEAN TO OCEAN von 2021 das zweite Album von Tori Amos, welches diese Ehre erlangt. Und das erste, welches auch in Dolby Atmos auf einem Datenträger veröffentlicht wurde. UNREPENTANT GERALDINES ist Teil 25 der SDE Surround Series und wurde in kleiner Auflage auf Blu-ray veröffentlicht.

Tracklist:

1 America – 4:12
2 Trouble’s Lament – 3:44
3 Wild Way – 2:55
4 Wedding Day – 3:44
5 Weatherman – 4:41
6 16 Shades of Blue – 3:52
7 Maids of Elfen-Mere – 2:53
8 Promise – 4:04
9 Giant’s Rolling Pin – 4:11
10 Selkie – 4:05
11 Unrepentant Geraldines – 6:57
12 Oysters – 5:14
13 Rose Dover – 3:55
14 Invisible Boy – 4:57
15 Dixie – 3:46
16 Telephone – 2:25
17 Forest – 5:08

Gesamtdauer: 70:45

Die Musik:

Musikalisch ist UNREPENTANT GERALDINES eine Mischung aus Pianopop und Singer-Songwriter-Elementen, die an ihre frühen Werke erinnert. Die Arrangements sind oft minimalistisch gehalten, wobei das Klavier im Mittelpunkt steht und von akustischen Instrumenten wie Gitarre und Schlagzeug begleitet wird. Songs wie America, Trouble’s Lament und Wedding Day zeigen eine Rückkehr zu den melodischen, emotionalen Klängen, für die Amos bekannt ist, während sie gleichzeitig neue Themen wie Alterung und gesellschaftliche Herausforderungen anspricht.

Im Vergleich zu ihren vorherigen Alben zeigt UNREPENTANT GERALDINES eine klare Rückkehr zu den Wurzeln des klassischen Tori-Amos-Sounds, der in den 90er Jahren populär wurde. Während Alben wie NIGHT OF HUNTERS und GOLD DUST stark von klassischer Musik geprägt waren, kehrt dieses Werk zu einem direkteren, emotionaleren Ansatz zurück. Die Songs sind oft introspektiv, was für viele Fans eine willkommene Abwechslung darstellt.

Insgesamt war UNREPENTANT GERALDINES ein gelungenes Comeback für Tori Amos, das sowohl ihre künstlerische Entwicklung als auch ihre Fähigkeit zeigt, relevante Themen in eingängige Melodien zu verwandeln. Das Album wird häufig als eines ihrer stärksten Werke seit Jahren angesehen und beweist ihre anhaltende Relevanz in der Musiklandschaft. Ich lernte dieses Album erst mit dem neuen Dolby Atmos Mix kennen, nachdem ich Tori Amos Mitte der 2000er Jahre etwas aus den Augen verloren hatte. Mit UNREPENTANT GERALDINES hat sie mich wieder eingefangen.

Wertung: 91 %

Besetzung:

  Tori Amos – vocals, Bösendorfer piano, Hammond organ, Wurlitzer electric piano, Mellotron, Fender Rhodes
Mac Aladdin – guitars
Mark Hawley – additional instrumentation
Natashya Hawley – vocals on „Promise“

Der Surroundmix:

Außergewöhnlich geschmackvoll – so könnte man den Dolby Atmos Mix dieses Albums bezeichnen. Hier wird kein durchgängig immersiv-diskretes Feuerwerk abgebrannt, da es auf dem Album viele eher sparsam instrumentierte Klavierballaden gibt, die naturgemäß etwas weniger in Surround auf sich aufmerksam machen.

Doch auch diese ruhigen Balladen sind räumlicher als so mancher Atmos-Mix von Musik, bei der eine ganze Kapelle musiziert. Bei den klavierbasierten Stücken ist das Instrument meist weit im Raum platziert, oft auch in den oberen Lautsprechern zu hören. Tori Amos nutzt auf dem Album zudem häufig mehrstimmigen Gesang, den sie mit einem Choruseffekt im Raum breiter gemacht hat. Dieser Chorus wird meist an der Decke platziert, sodass sich eine schöne Räumlichkeit ergibt – insbesondere in den Refrains. Auf diese Weise werden selbst dezent arrangierte Klavierballaden sehr immersiv wiedergegeben.

Auch weitere Stimm-Effekte kommen auf dem Album zum Einsatz. Diese werden mal oben, mal hinten im Raum platziert. Besonders schön ist, dass bei den Lead-Vocals oft ein leichter Hall mitschwingt, der im Raum davonzuschweben scheint.

Es gibt jedoch nicht nur die besagten Klavierballaden auf dem Album, sondern auch schnellere Stücke mit umfangreicheren Arrangements. Gitarren werden dabei gerne von Song zu Song unterschiedlich positioniert – mal hinten, mal oben, mal seitlich. Auch Einsätze von Drumcomputern finden sich immer wieder, oft weiter hinten oder seitlich im Raum platziert.

Highlights im Mix sind die Stücke 16 Shades of Blue und Giants Rolling Pin. Letzteres baut sich mit zunehmender Dauer weiter auf, sodass im Raum immer mehr Instrumente und Klänge wahrnehmbar werden. Ein wenig erinnert der Song an die Beatles. Auch 16 Shades of Blue ist im Atmos-Mix besonders gut gelungen – zahlreiche Soundeffekte aus den hinteren Lautsprechern unterstützen die Lyrics auf eindrucksvolle Weise.

Was den Gesamtsound angeht, gibt es nichts auszusetzen: Alles ist kristallklar und sauber abgemischt, und es gibt keine Probleme, sich beim Hören auf kleinste Nuancen zu konzentrieren. So entdeckt man bei jedem neuen Durchgang neue Facetten – sei es in den Arrangements oder im Klavierspiel und Gesang von Tori Amos.

Der normale 5.1-Mix ist gegenüber dem Atmos-Mix etwas dezenter, was naturgemäß daran liegt, dass die Ausbreitung der Musik in die Höhe fehlt. Besonders bei den ruhigen Klavierballaden führt dies zu einer weniger immersiven Wiedergabe. Außerdem fehlt mir im 5.1-Mix der Chorgesang über dem Kopf, der im Atmos-Mix das gewisse Etwas ausmacht.

Wertung: 92 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master 5.1

PCM Stereo

Album starten:

Das Album startet in Dolby Atmos, wenn man im Menü die Enter Taste drückt. Perfekt.

Bonusmaterial:

Die letzten drei Songs des Albums sind Bonusstücke, die ursprünglich an verschiedenen Orten veröffentlicht wurden. Einer war auf einer Deluxe Edition erhältlich, ein weiterer ausschließlich über iTunes, und der dritte nur bei Amazon.

Zusätzlich enthält die Blu-ray Instrumentalversionen der Songs, die in Stereo vorliegen. Dabei wurde überwiegend nur der Leadgesang entfernt, während Teile des Hintergrundgesangs erhalten blieben. Dies wirkt mitunter etwas merkwürdig – vermutlich wurden beim Export nicht alle Vocalspuren deaktiviert, und das Ergebnis scheint nicht noch einmal überprüft worden zu sein.

Aufwertung: + 0,5 %

Anspieltipp:

16 Shades of Grey, Giant’s Rolling Pin

Fazit:

Tolles Album und toller Atmos Mix!

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ etwas Bonuscontent (+ 0,5 %)
+ High-Res (+1%)

GESAMTWERTUNG: 93 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Diese Ausgabe ist Bestandteil der SDE-Series und war nur im Shop von Superdeluxeeditions.com für etwa 40 Euro inkl. Versand zu bestellen. Mittlerweile dürften die Preise bei Ebay und Co. beim doppelten Preis liegen.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix gibt es auch bei entsprechendem Abo bei Apple Music und wahrscheinlich auch bei Amazon und Tidal zu hören.

Stand: 02.02.2025

Links:

Offizielle Webseite von Tori Amos

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Erscheinungsjahr 2023 | Download / Streaming | Art Pop

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Von Mike W. K.

Aus aktuellem Anlass kommt hier eine kleine Rezension des bereits 2023 veröffentlichten Weihnachtslieds, DECEMBER SKIES, das Steven Wilson mit Hilfe von ChatGPT geschrieben hat. Da ich hier nicht die Liner Notes der vermutlich Vinyl oder CD Edition wiedergeben bzw. übersetzen möchte, nur kurz: Es ging um ein Experiment. Mit dabei, bzw. beitragend: Randy McStine, der mit Porcupine Tree auf deren letzter Tour unterwegs war.

Es gibt eine 5.1 und Atmos Mischung von dem Steven Wilson Weihnachtslied als Download zu kaufen, allerdings nur bis zum 6.1.2025. Ob es diese Version im Streaming Angebot gibt, weiß ich nicht, da ich kein derartiges Abo habe. (Anmerkung von Robert: Ja, die gibt es auch da.) Falls ja, dann wie üblich nicht in verlustfreier Qualität.

Tracklist:

1. December Skies 3:38
Text: ChatGPT / Musik: Steven Wilson
Musiker: Randy McStine – Lead Guitar, Guitar Solo, Backing Vocals
Steven Wilson – Vocals, Instrumente

Die Musik:

Es ist ein Weihnachtslied, aber das Wort Christmas kommt nicht im Text vor. Es ist kunstvoller Pop, erinnert mich am ehesten noch vom Stil entfernt an Blackfield oder No-Man. Oder auch irgendwie stilistisch dazwischen. Es gibt auch die für Weihnachtslieder typischen „Bells“ (Glocken), aber sie nerven nicht, wie meistens. Ich habe das Lied unter dem Genre „Art Pop“ bei mir in der Datenbank eingruppiert.

Der Mix:

Es startet mit akustischen Garten und Glocken um einen herum, zunächst in der unteren Ebene. Stevens Lead Vocal ist relativ isoliert im Center, aber auch auf den anderen Lautsprechern hörbar. Die Instrumente sind verteilt, ebenso die Backing Vocals. Das Gitarrensolo von Randy ist vorne platziert, die kleine Trommel links, die Röhrenglocken rechts.

Insgesamt klingt die Produktion üppig arrangiert, wobei sich „üppige Teile“ mit sparsamen abwechseln und dadurch angenehm wirkt. Es ist nicht derart extrem diskret, sodass jedes Instrument einen eigenen Lautsprecher bekommt, sondern gerade so, dass es passt.

Es ist ein rundum gelungener 5.1 bzw. Atmos Mix, so wie wir das von Steven Wilson kennen und erwarten. Sehr gut gemacht. Ebenfalls ist der Klang, wie erwartet, hervorragend. 

Vorhandene Tonformate:

4824, Atmos Dolby TrueHD

9624, 5.1 FLAC

Verfügbarkeit:

Download: Verfügbar bis zum 6.1.2025 bei Immersive Audio Album. 5.1 als FLAC für 1.99$. Zusätzlich Atmos MKV (verlustfrei) plus Atmos MP4 (verlustbehaftet) dazu: für 2.99$

Streaming: Den Dolby Atmos Mix gibt es auch im Streaming bei Apple Music, Amazon Unlimited und Tidal zu hören.

Stand: 24.12.2024

Links:

Webseite von Steven Wilson

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Erscheinungsjahr 2024 | STREAMING | Art Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Die erst 22 Jahre junge Billie Eilish hat mit HIT ME HARD AND SOFT im Mai ihr bereits drittes Studioalbum veröffentlicht. Das Album hat sie gemeinsam mit ihrem Bruder Finneas O’Connell wieder nahezu im Alleingang geschrieben und produziert.

HIT ME HARD AND SOFT wurde von Kritikern hoch gelobt und erreichte in über 20 Ländern die Spitzenposition. Spätestens jetzt dürften viele, die mit aktueller Musik wenig am Hut haben – und dazu zähle ich mich selber auch – bemerken, dass die junge Dame ein ziemliches Phänomen ist. Wer hat sonst in so jungen Jahren bereits 2 Oskars für den besten Titelsong eines Films in der Vitrine stehen?

Mein Interesse in dieser Künstlerin wuchs, als ich die Coverversion zu ihrem Song Bury A Friend auf dem aktuellen Album DANSE MACABRE von Duran Duran gehört habe. Ich war etwas erstaunt, dass die Band einen Song gecovert hat, welches sie meinem Vorurteilsvermögen nach bestimmt nur aus dem Kinderzimmer der eigenen Enkel kennen würde. Dennoch begann ich mich interessehalber etwas mit der Musik von Billie Eilish zu beschäftigen, deren gesamte Diskographie in Dolby Atmos gehört werden kann. So auch das neue Album HIT ME HARD AND SOFT.

Man erkennt doch recht schnell, dass sie sich vom normalen Pop der heutigen Zeit unterscheidet. Da ist nichts auf Einheitsbrei getrimmt, Billie Eilish und ihr Bruder produzieren doch recht eigenwillige Musik. Ich würde sogar so weit gehen, dass ich in ihr eine Art moderne Kate Bush sehe. Nicht im musikalischen Stil, sondern in der Art und Weise wie sie mit jungen Jahren einfach ihr Ding durchzieht.

So ist das neue Album HIT ME HARD AND SOFT alles andere als eine Ansammlung belangloser Popliedchen, die ins eine Ohr rein gehen und zum anderen Ohr wieder raus. Zwischen ruhigen Balladen, auf denen sie fast nur mit akustischer Gitarre begleitet wird, folgen elektronische Exzesse und tanzbare Nummern und immer wieder auch mutige abrupte Stilwechsel innerhalb eines Liedes, sodass man nie wirklich weiß, was einen im Laufe des Albums erwartet. Und dennoch ist das Werk in sich geschlossen und bildet eine Einheit. Gerade die zweite Hälfte von HIT ME HARD AND SOFT strotzt nur so von verschiedenen Ideen und ist fast schon wie eine kleine Suite aufgebaut. Der Beweis, dass man nicht nur im Prog nach ungewöhnlichen Songstrukturen suchen kann.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

1 Skinny – 3:39
2 Lunch – 2:59
3 Chihiro – 5:03
4 Birds of a Feather – 3:30
5 Wildflower – 4:21
6 The Greatest – 4:53
7 L’amour De Ma Vie – 5:33
8 The Diner – 3:06
9 Bittersuite – 4:58
10 Blue – 5:43

Gesamtdauer: 43:55

Der Dolby Atmos Mix:

Von Billie Eilish gibt es wie erwähnt so gut wie alles in Dolby Atmos. Ihr erstes Album (mit dem Song Bury A Friend) habe ich bereits in Atmos angespielt, was sehr räumlich abgemischt ist. Ihr aktuelles Album HIT ME HARD AND SOFT ist dagegen etwas zurückhaltender in der räumlichen Verteilung, was vermutlich am etwas geänderten Musikstil liegt.

Während frühere Veröffentlichungen stärker auf Elektronik setzten und reichlich Soundeffekte enthielten, die sich wirkungsvoll im Raum verteilen ließen, sind einige Stücke auf diesem Album zurückhaltender arrangiert. So gibt es die erwähnten Stücke mit akustischer Gitarre. Auch bei diesen Songs gibt es produktionstechnische Effekte, die jedoch dezenter ausfallen. Der Sound spielt sich daher meist vorne und seitlich in mehreren vertikalen Ebenen ab.

Der Gesang auf dem gesamten Album ist reich mit Effekten versehen und hier liegt der Schwerpunkt des Dolby Atmos Mixes. Billie Eilish singt viele Gesangsspuren ein, die im Raum verteilt werden, oft auch oben. Manche dieser Spuren sind sehr dezent angelegt, sodass man genau hinhören muss, um sie wahrzunehmen.

Generell gibt es auch auf diesem Album viele Sounds und Soundeffekte zu entdecken, die jedoch etwas subtiler im Mix platziert sind. Das macht es spannend, das Album immer wieder zu hören und neue Details zu entdecken. Highlights im Mix sind die Lieder, die wieder elektronischer klingen und bei denen im Raum deutlich mehr passiert. Das dritte Stück Chihiro ist so ein Highlight, bei dem ein Synthesizer-Leadsound zunehmend den Song übernimmt und den Gesang fast aus dem Raum drängt. Auch die Songs L‘amour de Ma Vie, Bittersuite und Blue klingen im Atmos Mix sehr gut, weil diese Stücke zahlreiche Wechsel haben und insgesamt viel im Raum passiert. Es ist beeindruckend, wie innerhalb von vier Minuten diverse Stilwechsel vorgenommen werden, die die Musik in unterschiedliche Richtungen bringt.

Im Mix wird zudem viel mit Hall gearbeitet. Im Gesang klingt das durchweg sehr schön, etwa wenn der Hall effektvoll von hinten nach vorne oder von unten nach oben schwebt. Manchmal wird der Halleinsatz, vor allem bei den elektronischen Sounds, etwas übertrieben, sodass der Klang etwas unpräzise wird.

Anspieltipp:

Chihiro, Bittersuite

Fazit:

Ein gelungender Mix in Dolby Atmos.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 87 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von HIT ME HARD AND SOFT gibt es bei entsprechendem Abo bei Apple Music und wahrscheinlich auch bei Amazon und Tidal zu hören (es sei denn, diese wählten stattdessen 360 Reality Audio als immersives Audioformat).

Stand: 29.06.2024

Der Beitrag Billie Eilish – Hit Me Hard And Soft erschien zuerst auf surroundmixe.de.

Erscheinungsjahr 2023 | Blu-ray | Electronica / Art Rock / Progressive Rock / uvm.

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Von Mike W. K.

THE HARMONY CODEX – THC. THC bedeutet auch Tetrahydrocannabinol. Das ist aber etwas anderes. Hier geht es um das neue Album von Steven Wilson. Er hat bereits in seiner Autobiografie „Limited Edition of One“ durchblicken lassen, wie das kommende Album heißen könnte. Das Buch liegt bei mir aber noch auf dem „zu lesen“ Stapel.

Zum Album: Es begann mit einem Hindernis bei mir. Der Player wollte nicht starten. Klappe auf, Blu-ray rein, auf das Sofa gesetzt und mit dem Zappomat das Laufwerk schließen. Nichts. Es passierte einfach nichts. Dabei hatte ich letzte Woche noch eine DVD geguckt (Robert Reed – Sancturary live, sehr schön, sollten wir auch einmal rezensieren). Was war die Ursache? Batterien in der Fernbedienung! Die waren gerade dabei auszulaufen. Ich konnte sie noch rechtzeitig wechseln, bevor sie die Kontakte korrodieren. Gab es nicht einmal Werbung für Batterien, die nicht auslaufen? Das ist bestimmt lange her.

Also Start: Menu, Play. DolbyTrueHD Multi (Atmos ist vorausgewählt), das bedeutet downmix (oder downfold) auf 5.1 bei mir. Funktioniert ausgezeichnet als Vorgriff.

Tracklist und Mitwirkende:

1. Inclination 7:15
Steven Wilson (SW) – Vocals, Piano, Synthesizer ARP 2600, Programming
Ninet Tayeb – Backing Vocals
Pat Mastelotto – Drums, Percussion
Adam Holzman – Electric Piano, Modular Synth
Theo Travis – Flute
Nate Navarro – Fretless Bass (er war bei Porcupine Tree live mit auf Tour 2022)
Niko Tsonev – Additional Guitar
David Kollar – Guitar and Solo
David Kosten – Additional Production & Programming
Nils Petter Molvær – Trumpet
Jack Dangers – Vocoder, Synth, Drum Machine

2. What Life Brings 3:40
Steven Wilson – Vocals, Piano, Acoustic Guitar, Synthesizers Moog Sub 37/Solina Strings, Hammond Organ, Percussion, Electric Guitar and Solo
Backing Vocals – Ninet Tayeb
Guy Pratt – Bass (Schwiegersohn von Richard Wright, hat Pink Floyd ’87 … ’94 auf Tour begleitet)
Craig Blundell – Drums

3. Economies Of Scale 4:17
Steven Wilson – Vocals, Piano, Acoustic Guitar, Bass, Strings, Voice, Voice Sample, Programming
Adam Holzman – Synth

4. Impossible Tightrope 10:42
Steven Wilson – Vocals, Piano, Acoustic Guitar, Bass, Strings, Synthesizers Moog Sub 37/ARP 2600/Cobalt 8/Solina Strings, Electric Guitar, Harp, Electric Piano, Hammond Organ, Programming
Nate Wood – Drums
Niko Tsonev – Electric Guitar
Adam Holzman – Electric Piano, Soloist
David Kollar – Ambient Guitar
Lee Harris – Psychedelic Guitar
Theo Travis – Saxophone
Ben Coleman – Violin (war bei No-Man mit dabei)

5. Rock Bottom 4:25
Steven Wilson – Vocals, Piano, Strings, Electric Guitar, Horns, Synthesizers: Moog Sub 37/Prophet VI/Cobalt 8
Craig Blundell – Drums
Adam Holzman – Electric Organ, Wurlitzer
Niko Tsonev – Guitar Solo
David Kosten – Producer/Additional Production
Josef E-Shine – Additional Production & Sounds
Ninet Tayeb – Vocals, Guitar

6. Beautiful Scarecrow 5:21
Steven Wilson – Vocals, Piano, Strings, Electric Guitar, Electric Piano, Synthesizers Moog Sub 37/Solina Strings, Hand Percussion, Programming
Nick Beggs – Chapman Stick
Craig Blundell – Drums & Drum Programming
Theo Travis – Duduk
David Kosten – Additional Production
Jack Dangers – Additional Sounds & Beats
Jason Cooper – Toms
Adam Holzman – Modular Synth Loop

7. The Harmony Codex 9:50
Steven Wilson – Strings, Synthesizers Moog Sub 37/ARP 2600/Prophet VI//Cobalt 8, Plucked Piano, Bass
Rotem Wilson – Voice
Adam Holzman – Electric Piano

8. Time Is Running Out 3:57
Steven Wilson – Vocals, Piano, Synthesizers Moog Sub 37/Solina Strings/Prophet VI, Celesta, Acoustic Guitar, Bass, Programming
Niko Tsonev – Guitar Solo
David Kosten – Additional Production

9. Actual Brutal Facts 5:05
Steven Wilson – Vocals, Electric Guitar, Electric Piano, Mellotron, Synthesizers Moog Sub 37/Solina Strings, Sounds, Programming
Nate Navarro – Bass
David Kollar – Guitar Solo
Craig Blundell – Hihat, Percussion
Adam Holzman – Piano
Jack Dangers – Reverse Piano Chord, Programming
David Kosten – Additional Production

10. Staircase 9:26
Steven Wilson – Vocals, Piano, Strings, Synthesizers Moog Arpeggiator/Solina Strings/Cobalt 8, Hammond Organ, Horns, Bass, Programming
Nick Beggs – Chapman Stick
Craig Blundell – Drums
Samuel Fogarino – Drums
Niko Tsonev – Electric Guitar & Solo
David Kosten – Additional Production & Programming
Adam Holzman – Synthesizer, Loops, Moog Solo
Rotem Wilson – Voice

Die Musik:

Dieses Album ist bezüglich seiner Songs sehr, sehr unterschiedlich. Es gibt alles. Electronica, Jazz, Pop, Rock, Instrumentales sowie einen Song (Rock Bottom), bei dem gehen die Credits an Ninet Tayeb. Hut ab Herr Wilson, der diesmal unglaublich viele Leute involviert hat und denen auch ziemlich viel Einflussnahme gewährte. War er nicht als Kontrollfreak bekannt bzw. betitelte sich in früheren Interviews selbst so? Mit Sicherheit hat dies auch zu dieser fast überbordenden Vielfalt beigetragen. Es kann sein, dass dieses Album deswegen ebenfalls zu Kontroversen führt. Egal. Daher gehe ich bei der Beschreibung etwas anders vor als sonst. Ich versuche die Songs den verschiedenen Genres zuzuordnen. Das gelingt nicht immer.

1. Inclination – Abgedrehte Electronica

2. What Life Brings – Art Pop/Art Rock vom Feinsten, Schlagzeug ist vorne bis mittig.

3. Economies of Scale – Electronica, irgendwie höre ich Grace for Drowning und The Future Bites durch, beim Gesang aber auch Hand Cannot Erase; es gibt ein recht schönes Tanzvideo dazu, auf dem Steven Wilson einen Cameoauftritt hat.

4. Impossible Tightrope – Progressive Rock? Hier wirken bekannte und neue Musiker mit, z.B. Niko Tsonev, den ich live bei meinem ersten SW Konzert 2012 in Köln gesehen habe, Adam Holzman, Theo Travis, Ben Coleman (No-Man!), aber auch Nate Wood, Lee Harris und David Collar, die ich im Zusammenhang mit SW noch nicht kannte.

5. Rock Bottom – Ninet singt die Lead Vocals und spielt Gitarre, d.h. sie singen zu zweit. Eine schöne Soft-Rock-Nummer.

6. Beautiful Scarecrow – Eine schöne Vogelscheuche? Fette Synthies zu Beginn in den Rears. Neben Elektronik gibt es Streicher, echtes Schlagzeug, Duduk und Nick Beggs Chapman Stick. Vom Genre für mich recht schwer einzuordnen, was SW bestimmt freuen wird.

7. The Harmony Codex – ist ein raffiniertes elektronisches Stück, ev. dem Genre Drone zuzuordnen. Am ehesten könnte ich das zu Bass Communion einordnen, aber sehr melodisch wie seine Bass Communion Drugged Part 1, 2 und 3 Stücke. Die Akkorde/Arpeggios ändern sich laufend etwas und wiederholen sich nicht, immer ist etwas ein wenig anders. Am Anfang mag das dem einen oder anderen langweilig vorkommen, ist es aber nicht. Einfach genau hinhören. Und dabei Chillen. Der Text wird von seiner Ehefrau Rotem gesprochen.

8. Time Is Running Out – Electronic Pop? Auch dieser Song ist wieder schwer, einem Genre zuzuordnen. Das ist, wie nicht anders erwartet, typisch für Wilson.

9. Actual Brutal Facts – Sprechgesang, Rap? Nein, das nicht. Eher erzählend: „And when you turn the shit to gold it’s not appreciated“. Bei dem Song werde ich an sein erstes Soloalbum Insurgentes erinnert. Alternative Rock als Genre?

10. Staircase – Auffallend sind für mich die elektronischen Drums in den Rears. Die „richtigen Drums“ sind – wie SW sie oft mischt – so, dass man den Eindruck hat, mitten drin zu sitzen. Ich ordne diesen Song dem Prog-Rock zu.

Zur Musik: das Album wächst und gewinnt mit jedem Hören. Es wird jedes Mal interessanter. Zwar ist es nicht mein Lieblings-SW-Album, aber das ist nur Jammern auf hohem Niveau. Die Wertung wird sich wahrscheinlich nach weiteren Hördurchgängen noch erhöhen können.

Wertung:  92 %

Surroundmix und Sound:

Zum Mix: ich habe jetzt den Atmos „downfold“ zu 5.1 gehört (ich habe kein Atmos), es gibt aber auch eine dedizierte 5.1 Spur. Im Vergleich ist der 5.1 Mix schon ähnlich, etwas lauter als der 7.1.4 Atmos Mix. Welcher besser von den beiden auf einer 5.1 Anlage klingt? Beide!

Ich glaube, nur wenige seiner Mixes sind noch besser. Vielseitig, diskret, unglaublich gut klingend. Auch ist mein Subwoofer beschäftigt. Wilson nutzt ihn wie üblich als LFE = low frequency extension und nicht für effects. Er mischt im Gegensatz zu James Guthrie (diverse Pink Floyd Surround Alben) auf kleineren Lautsprecherboxen, die eben nicht so weit herab reichen. Es ist ordentlich Bass da, gerade bei elektronischen Beats kann das oft zu unangenehmen Dröhnen führen, hier aber nicht. SW hat den Subwoofer sehr gut unter Kontrolle.

Auch hat das Album sehr viel Dynamik, also wieder ordentlich aufdrehen! Das macht Spaß und ermüdet in keinster Weise. Es ist nur noch die Frage zu klären, ob ich 95%, 98% oder 100% vergebe. Steven ist ein Meister seines Fachs. Definitiv High End! Und hat mindestens eine Grammy-Nominierung verdient für seinen immersiven Mix.

Wertung:  100 %

Dolby Atmos:

Einschub von Robert Schlegel

Mike hat mich gebeten, ein paar Worte zum Dolby Atmos Mix zu schreiben. Wie er bereits schrieb, ist das Album auch schon in 5.1 sehr immersiv und diskret ausgefallen. Bei Dolby Atmos kommt nun die Kirsche auf die Torte drauf. Steven Wilson setzt die Höhenlautsprecher wieder sehr intensiv ein. Bei ihm hat schlichtweg jeder Kanal den gleichen Stellenwert und nichts ist einfach nur zur Unterstützung da. Musikalisch macht sich das bemerkbar, indem diverse perkussive Elemente und Beats immer wieder auch von oben erklingen. Auch Synthesizer, Padsounds, Gitarren sind immer wieder mal nicht nur in der Sitzebene platziert, sondern höher. Besonders eindrucksvoll sind hierbei einige Chöre (ob aus Mündern oder Keyboards), die sich bei einigen Stücken über den Raum legen.

Es fällt auf, dass gerade der Hintergrundgesang in den Rears oftmals den Eindruck erweckt, als wären die hinteren Lautsprecher riesige Schallwände, da der Gesang hier in einem breiten Panorama angesiedelt ist. Als Beispiel dient hier das Duett mit Ninet Tayeb in Rock Bottom. Hier kommt Wilsons Zweitgesang von hinten, während die Lead Vocals von Ninet vorne erklingen. Eine ähnliche Aufteilung gibt es auch bei einem Stück auf dem neuen Stones Album HACKNEY DIAMONDS. Hier ist es Lady Gaga, die hinten zu hören ist. Dies klingt zwar auch gut, die Abmischung Wilsons ist auf Rock Bottom aber um einiges beeindruckender, da er hier eben weitaus mehr mit den Höhenlautsprechern macht.

Die Deluxe Edition:

Das Album gibt es in verschiedenen Ausführungen neben Vinyl und CD Versionen in Surround als Blu-ray oder limitiertes Deluxe-Book mit zwei CDs und einer Blu-ray, die jedoch zusätzlich instrumentale 5.1 und Atmosmixe beinhaltet. Diese habe ich direkt in England bestellen müssen, was gerade zeitlich so geklappt hat, denn kurz nach meiner Bestellung war alles restlos ausverkauft. Warum in England? Weil sich das Label dazu entschieden hat, diese Version nur in UK anzubieten. Justforkicks z.B. ist leer ausgegangen. Ärgerlich. Aber das ist Steven Wilson nicht persönlich anzulasten. Immerhin waren in den 65 € die MwSt. enthalten, der offizielle Store ist glücklicherweise an das IOSS System angeschlossen. Das üppige Porto von 20 € kam allerdings noch dazu.

Das Buch selbst ist ganz ähnlich in der Aufmachung wie z.B. The Raven oder Hand Cannot Erease und damit anders als die Deluxe Edition von The Future Bites, welche mir nicht zugesagt hat. Deshalb habe ich damals auch nur die einzelne Blu-ray bestellt. Die neue Deluxe Edition beinhaltet Grafiken von Hajo Müller, Credits, Liedtexte und eine Geschichte von den Geschwistern Jamie und seiner Schwester Harmony in London. Mit Hajo Müller hat SW schon mehrfach zusammengearbeitet. Das Design ist wie üblich von Carl Glover.

Die Blu-ray zeigt während des Abspielens ein Standbild (Grafik von Hajo Müller) sowie den Titel des Songs. Was ist denn auf den beiden CDs drauf?
CD1: das Album in Stereo
CD2: ein etwas anders Album, es heißt Harmonic Distortion und enthält alternative Versionen sowie Remixes, unter anderem auch einen Beitrag von Mikael Akerfeldt (von Opeth).

Vorhandene Tonformate:

DTS-HD Master Audio 96/24 2.0

DTS-HD Master Audio 96/24 5.1

Dolby Atmos

Instrumental DTS-HD Master Audio 96/24 2.0 (nur Deluxe-Edition)

Instrumental DTS-HD Master Audio 96/24 5.1 (nur Deluxe-Edition)

Instrumental Dolby Atmos (nur Deluxe-Edition)

Albumstart:

Einlegen, kurz warten, Play drücken und Atmos spielt. So soll das sein.

Bonusmaterial:

Videos: Economies of Scale und The Harmony Codex (beide in Stereo)

Instrumentale Versionen in Stereo, 5.1 und Atmos

Aufwertung: +3 %

Anspieltipp:

Impossible Tightrope, Staircase

Fazit:

Kaufen, unbedingt. Gut, dass es eine Einzel-Blu-ray zu einem echt fairen Preis gibt und nicht wie bei diesen völlig überteuerten Kiss- und Rush Boxen, die auch noch allerlei unnötigen Plunder enthalten. Die Deluxe Edition ist wunderschön, sie hat meine Erwartung erfüllt, ist jedoch leider vergriffen. Sie ist empfehlenswert, wenn der Preis stimmt und in etwa dem Ausgabepreis entspricht.

GESAMTWERTUNG: 100 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Deluxe-Box mit Blu-ray: Vergriffen, nur noch bei Wucherern zu haben (z.B. bei discogs für aktuell idiotische 376.-€)

Einzel-Blu-ray:  ca. 20 €.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix gibt es auch im Streaming bei Apple Music, Amazon Unlimited und Tidal zu hören.

Stand: 09.11.2023

Links:

Webseite von Steven Wilson

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Erscheinungsjahr 2023 | Blu-ray | Electronic Pop

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Das englische Duo Everything But The Girl dürfte man in erster Linie durch ihren Hit Missing kennen, der 1995 in Deutschland auf Platz 1 der Single Charts kletterte. Erfolgreich wurde das Lied allerdings erst durch einen Remix von Todd Terry, der aus dem entspannten Original einen Dance-Track machte, der in Zeiten des Eurodance fast zwangsläufig zum Hit werden musste.

Gegründet wurde die Band bereits 1982. Den Namen entnahm man von einem Werbeslogan eines Schlafzimmer-Möbel-Ladens. Die ersten Jahre war Everything But The Girl ein Geheimtipp im Genre des Sophisti-Pop, man mischte Soul, Jazz und Pop zu gefälligen Nummern. Doch der Bekanntheitsgrad verließ nie die britische Insel. Bis schließlich 1995 Missing kam.

Das letzte Album veröffentlichte man 1999 und dann war es für lange Zeit sehr still um die Band, bis schließlich im November 2022 ein Album für dieses Jahr angekündigt wurde. FUSE heißt dieses und erschien am 21. April und ist das mittlerweile elfte Album von Everything But The Girl. Erfreulich: Von diesem Album wurde ein Dolby Atmos Mix erstellt, der nicht nur im Streaming gehört, sondern auch für kleines Geld als CD/Blu-Ray-Ausgabe erworben werden kann.

Tracklist:

1 Nothing Left to Lose – 3:44
2 Run a Red Light – 3:39
3 Caution to the Wind – 4:06
4 When You Mess Up – 3:48
5 Time and Time Again – 2:51
6 No One Knows We’re Dancing – 4:09
7 Lost – 3:25
8 Forever – 3:41
9 Interior Space – 2:24
10 Karaoke – 3:51

Gesamtdauer: 35:38

Die Musik:

Mit 35 Minuten ist FUSE ein recht kurzes Album. Es enthält insgesamt zehn Stücke, die überwiegend elektronisch sind. Die Band macht also da weiter, wo sie sich aufgrund des internationallen Erfolges mit ihrem remixten Hit in der zweiten Hälfte der 90er-Jahre sah. Zuvor hatte die Musik von Everything But The Girl deutlich akustischeren Charakter.

Die schnelleren, auch tanzbaren Nummern werden immer wieder von ruhigeren Stücken unterbrochen, die eindeutig experimentelleren Charakter aufweisen. Zum großen Teil bestehen diese Stücke aus improvisierten Pianoballaden. Es dauert einige Durchläufe, bis auch diese langsamen Songs zünden. Die anderen gehen eigentlich sofort ins Ohr und wissen durchaus zu gefallen. Ein Album, das je öfter ich es höre, mir immer besser gefällt.

Wertung: 76 %

Besetzung:

 Tracey Thorn – vocals, background vocals
Ben Watt – background vocals, drums, electric guitar, piano, programming, synthesizer programming

Bruno Ellingham – mixing, programming
Ewan Pearson – programming

Der Surroundmix:

Sowohl der Dolby Atmos Mix als auch der auf alten Verstärkern herunterskalierte 5.1-Mix machen eine überaus gute Figur. Dabei sind es von Natur aus die eher schnelleren Stücke mit ihren kleinen elektronischen Spielereien, die in Surround Spaß bereiten. Die ruhigen Balladen sind dagegen recht sparsam instrumentiert. Auch hier kommen alle Lautsprecher zur Geltung, aber es ist letztendlich weniger im Raum los.

Die generelle Klangqualität bei FUSE ist richtig gut und ausgewogen. Bereits im ersten Stück wird der Körper mit sehr tiefen Sounds befeuert, ohne dass es irgendwann störend wirkt. Diverse elektronische Sounds finden sich oft links und rechts vom Hörplatz. Flächensounds nimmt man häufig aus dem hinteren Raum war, diese werden also häufig über die hinteren Lautsprecher ausgegeben. Dort gibt es auch immer wieder zusätzliche Gesangstimmen zu hören.

Auch die Deckenlautsprecher kommen im Dolby Atmos Mix immer wieder zur Geltung. Mir sind hier Percussionsounds aufgefallen, außerdem verzerrte, umherschwirrende Gesangssequenzen (Caution To The Wind), aber auch der ein oder andere Synthie-Leadsound. Im Vergleich zu anderen Produktionen aus dem Bereich der Elektronik ist die Verteilung der Sounds und das Hin- und Hergeschiebe im Raum etwas verhaltener, im großen Ganzen hat man es aber mit einem am Ende doch recht immersiven Mix zu tun.

Meine persönlichen Highlights sind No One Knows We‘re Dancing und Forever, die beide eine sehr schöne Räumlichkeit bieten und auch musikalisch zu meinen Favoriten gehören. Interessanterweise hat mir die Ballade Lost im heruntergerechneten 5.1 besser gefallen als im Original Dolby Atmos Mix, wo ich den Eindruck hatte, dass hier der Mix etwas mit angezogener Handbremse daherkommt.

Wertung: 95 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

PCM (48 kHz / 24 bit) Stereo

Album starten:

Vorbildlich: Das Album startet per Enter-Taste aus dem Menü direkt in Dolby Atmos.

Bonusmaterial:

Es gibt kein Bonusmaterial.

Anspieltipp:

No One Knows We’re Dancing, Forever

Fazit:

Ein Comeback bei dem Everything But The Girl nicht nur durch einen Dolby Atmos Mix auf sich aufmerksam macht.

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ High-Res (+1 %)
+ Dolby Atmos Mix auf Blu-ray günstig zu bekommen

GESAMTWERTUNG: 90 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Limited Deluxe Edition: Diese Ausgabe als CD/Blu-ray gibt es für knapp über 20 Euro.

Streaming: Der Dolby Atmos Mix kann auch auf Apple Music, Amazon und Tidal gehört werden.

Stand: 06.09.2022

Links:

Offizielle Webseite von Everything But The Girl

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Special: Peter Gabriels In-Side-Mixe zu I/O

Dieses Mal gibt es keine Albumrezension, denn das betreffende Album ist noch nicht veröffentlicht. Dennoch wollte ich etwas über die neuen Songs von Peter Gabriel schreiben, die er seit Anfang des Jahres jeweils zum Vollmond veröffentlicht. Diese Songs sollen alle irgendwann das Album I/O bilden.

Gabriel hat kurz nach der Veröffentlichung von UP erzählt, dass sein kommendes Album fast fertig ist, den Titel I/O tragen wird und spätestens 2004 herauskommt. Knapp 20 Jahre später und 10 Kilo schwerer (was nicht nur für Peter Gabriel gilt) ist I/O nun so gut wie fertig. So genau weiß noch keiner, wann denn das neue Album erscheint.

Peter Gabriel veröffentlicht die I/O-Stücke in drei verschiedenen Version. In Stereo gibt es von jedem Lied den Bright-Side-Mix und den Dark-Side-Mix. Jeweils einer davon zum Vollmond, der andere dann bei Neumond. Ebenfalls zu Neumond erscheint dann auch der In-Side-Mix und dieser ist in Dolby Atmos.

Da auch UP damals in Surround remixt und auf SACD veröffentlicht wurde und Peter Gabriel zudem sehr darauf bedacht war, dass die Genesis-Alben, an denen er beteiligt war, ordentlich in Surround abgemischt werden, war es fast klar, dass es I/O auch in Mehrkanal geben würde. Es bleibt zu hoffen, dass die komplette Veröffentlichung von I/O auch mit einer Blu-ray erfolgt, denn aktuell kann man die neuen Songs natürlich nur im Streaming bei Amazon, Apple und Tidal in Dolby Atmos hören.

Für die immersiven Mixe ist der deutsche Hans-Martin Buff verantwortlich, der in diesem Bereich kein Unbekannter ist. Immerhin ist er schon als Buchautor in Sachen Dolby Atmos in Erscheinung getreten und hat das Nachschlagewerk mit dem Titel „Überall – Musikproduktion in 3D Audio für Kopfhörer“ herausgebracht. Aus dem Buchtitel kann man schon erahnen, dass Buff seine Mixe eher für Kopfhörer-Atmos optimiert, was auch okay ist, denn nicht viele haben eine entsprechende Anlage zu Hause. Die große Frage ist nun, ob denn über Lautsprecher ein immersives Sounderlebnis erlebt wird oder ob dies am Ende ähnlich flach bleibt wie die binaurale Wiedergabe über Kopfhörer.

Bisher sind sechs Stücke von I/O in Dolby Atmos erschienen. Ich werde in diesem Bericht keinen Vergleich anstellen zwischen den drei Mixen, denn dafür habe ich die Bright- und die Dark-Side-Mixe viel zu selten gehört, als dass ich da irgendwelche signifikanten Unterschiede ausmachen könnte. Stattdessen will ich etwas beschreiben, wie Hans-Martin Buff die Sounds und Instrumente im (echten) Raum verteilt hat.

Panopticom

Panopticom war der erste Song, den Peter Gabriel im Januar herausgebracht hat. Von den bisher veröffentlichten Stücken ist das vielleicht das Stück, welches man noch am ehesten mit Gabriels letztem Album UP vergleichen könnte. Zumindest gibt es hier ähnliche elektronische Effekte, wie es sie auch auf UP zuhauf gegeben hat. Es dürfte aber kein Überbleibsel aus dem 2004 geplanten Album sein. Panopticom ist deutlich neuer. Im Dolby Atmos Mix sind es vor allem diese Effekte, die die Aufmerksamkeit auf sich lenken. Diese werden immer wieder durch den Raum geschickt, es schwirrt also links und rechts und über dem Hörplatz ständig etwas vorbei. Das Drumprogramming kann man schön aus allen Richtungen heraushören. Vorne dürfte der Platz aber weitestgehend für Manu Katché reserviert sein.

Die Akustikgitarren, die man wohl zuletzt in den 70ern in einem Gabriel-Stück als Akustikgitarren ausmachen konnte, wurden on Top gesetzt, kommen also vornehmlich aus den Deckenlautsprechern, ab und zu aber auch seitlich. Von oben sind auch Gesangseffekte im Refrain zu hören. Kleines Manko am Dolby Atmos Mix: Mir ist da ein bisschen zu viel Hall im Spiel, sodass der Gesamtklang etwas matschig klingt, was auch das Schlagzeug etwas seltsam wirken lässt. Daher leichte Abzüge in der B-Note.

9/10 

The Court

Dieses Stück klingt sofort deutlich besser. Auch hier wird mit Hall gespielt, aber es klingt weitaus harmonischer. Der rückwärts gespielte Nachhall der tiefen Klaviertöne schwebt von hinten nach vorne, bevor vorne dann der eigentliche Klaviersound erklingt. Toller Effekt! In den Rearkanälen gibt es hin und wieder Gesang zu hören wie Chöre im Refrain. Buff hat hier wieder viele Sounds an die Decke gelegt, vor allem die Streicher können hier punkten, die sich oben sowie links und rechts im Raum verteilen. Auf diese Weise wirken sie wie massive Wände. Zudem kann man in den Streicherarrangements Bewegungen feststellen. Das simple Klavier-Solo gegen Ende kann man nach meinem Empfinden hinten oben ausmachen.

10/10

Playing for Time

Playing for Time hat zunächst ein eher reduziertes Arrangement und besteht aus Kontrabass, Klavier und Gesang. Ein wenig erinnert mich dieser angejazzte Stil an einige Filmsongs von Randy Newmann. Das Klavier ist auf der rechten Seite weit in den Raum geschoben und auch höher angesiedelt. Mit zunehmender Dauer des Stücks habe ich das Gefühl, dass es immer weiter in die Rears getragen wird. Der Kontrabass füllt ebenfalls die ganze Raumhöhe aus und ist vorne zu hören. Später kommen wieder die üppigen dichten Streicher hinzu, die wieder links und rechts den Raum ausfüllen, aber doch eher vorne auszumachen sind. Interessant: Beim später einsetzenden Schlagzeug merkt man, dass dieses an der Decke dezent seine Runden zieht. Es ist aber kein störender Effekt, da hier Klavier und Streicher eindeutig der Bezugspunkt sind und die Drums eine eher untergeordnete Rolle spielen.

10/10

I/O

Kommen wir zum Titelstück, welches eine überaus positiv gestimmte Up-tempo-Nummer ist. Auch hier gibt es wieder umherkreisende Percussion- und Gitarrensounds. Die Doppelschläge der Snaredrum im Refrain kann man an der Decke ausmachen. Ein Highlight ist hier die Gitarre in der Bridge, die von vorne nach hinten und wieder zurück wandert. Das Solo am Ende ist auch recht weit oben im Raum platziert. Man sollte sich übrigens nicht davon irritieren lassen, dass das Atmos Symbol im Screenshot von Amazon Unlimited Music (siehe oben) fehlt. Das Lied wird in Dolby Atmos ausgegeben. Es ist eines der vielen Fehler, die mir bei meinem Amazon-Atmos-Test aufgefallen sind, von denen in meinem Erfahrungsbericht die Rede ist.

10/10

Four Kinds Of Horses

Zusammen mit Playing for Time in meinen Ohren das musikalische Highlight der bisherigen I/O-Veröffentlichungen von Peter Gabriel. Auch der Dolby Atmos Mix macht wieder eine außerordentlich gute Figur. Programming ist wieder in allen Ecken zu hören, Synthsounds fallen von oben herab, Echoeffekte fliegen von hinten nach vorne. Man hat das Gefühl, als wäre Four Kinds Of Horses eigens für eine Dolby Atmos Abmischung so geschrieben und arrangiert worden.

10/10

Road to Joy

Bei diesem Stück werden Erinnerungen an Kiss That Frog vom 1992 erschienen Album US wach. Der In-Side-Mix wurde am heutigen Sonntag veröffentlicht und bildete gerade sozusagen den Abschluss meines Frühstücks. Interessant ist, dass Hans-Martin Buff laut den Credits bei diesem Stück als Percussionist, Keyboarder und Programmer zu hören ist. Er scheint also am Entstehungsprozess von I/O mehr beteiligt gewesen zu sein, statt nur den Zuschlag erhalten zu haben, die immersiven Mixe zu erstellen.

Auch Road to Joy nutzt das Medium Dolby Atmos im vollen Umfang aus. Zu Beginn kann man Synth-Bass und den Chapman Stick von Tony Levin deutlich unterscheiden, da der Stick seitlich im Raum platziert wurde, während der Synth-Bass vorne bleibt. Bei Road to Joy gibt es zahlreichen Chorgesang, der überall im Raum verteilt wurde. Zudem wurde Peter Gabriels Gesang in den Strophen gedoppelt, sodass man ihn nicht nur vorne hört, sondern auch im weiten Panorama oben. In den Decken finden sich auch zahlreiche Farbtupfer von Streichern. Funky Gitarrenriffs gibt es zunächst hinten rechts oben zu hören, im späteren Verlauf variiert aber diese Position im Raum. Und wie schon bei den anderen Stücken gibt es auch hier wieder viele dezente Sounds, die durch den Raum geschickt werden. Highlight ist der Wasserplatscher ganz am Ende, der sozusagen von der Decke auf einen herabregnet, was bei diesen Temperaturen eine willkommene Abkühlung wäre.

10/10

Wie gehts weiter?

Peter Gabriel hat auf seiner aktuellen Tour bisher 13 neue Stücke gespielt. Es wird also noch einige Vollmondnächte mit neuer Musik geben. Ob er neue Songs auf seinen Konzerten ausgelassen hat, werden die nächsten Monate zeigen. Gut möglich, dass diese Veröffentlichungsprozedur auch noch im nächsten Jahr weitergeht. Mich beschleicht das Gefühl, dass Peter Gabriel aktuell alles Neue unter dem Deckmantel I/O veröffentlicht und irgendwann aus diesen Songs das Album I/O herausbringt, das wie eine Art Best-of dieser Phase angesehen wird. Wie dem auch sei, gegen Ende des Jahres plane ich, die nächsten neuen Stücke vorzustellen. Und wer weiß, vielleicht gibt es dann doch das gesamte Album zum Rezensieren. Inklusive Blu-ray! Bis dahin werde ich die Gelegenheit nutzen, mal die Multichannel SACD zu UP vorzustellen.

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