Erscheinungsjahr 1984 | Blu-ray | Art Pop

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Mit UNDER WRAPS schlugen Jethro Tull 1984 einen der ungewöhnlichsten Wege ihrer langen Karriere ein. Nachdem die Band über viele Jahre vor allem für die Verbindung aus Progressive Rock, Folk und Hard Rock bekannt war, orientierte sie sich nun deutlich stärker am Zeitgeist der 1980er-Jahre. Synthesizer, Drum-Machines und elektronische Klänge prägen das Album so stark wie auf keiner anderen Veröffentlichung der Band und machten UNDER WRAPS bei Erscheinen zu einem der umstrittensten Werke im Katalog von Jethro Tull.

Die Aufnahmen fanden größtenteils im Heimstudio von Ian Anderson statt. Bemerkenswert ist dabei vor allem, dass auf dem Album erstmals vollständig auf einen Schlagzeuger verzichtet wurde. Sämtliche Rhythmusparts entstanden mit programmierten Drum-Machines, wodurch sich der Sound deutlich von den organischeren Produktionen der 1970er-Jahre unterscheidet. Gemeinsam mit Martin Barre, Dave Pegg und Keyboarder Peter-John Vettese entstand so ein Album, das stilistisch zwischen Synthpop und New Wave statt zwischen Progressive Rock und Art Rock pendelt.

Die Neuausrichtung kommt nicht von ungefähr. Im Jahr zuvor veröffentlichte Ian Anderson sein erstes Soloalbum WALK INTO LIGHT, ebenfalls mit synthetischen Drums, welches wie ein Vorläufer von UNDER WRAPS wirkt. Gerade diese konsequente Hinwendung zu elektronischen Arrangements sorgte damals für geteilte Reaktionen. Während viele langjährige Fans den vertrauten Folk- und Prog-Sound vermissten, sehen andere in UNDER WRAPS heute einen mutigen Stilwechsel und eines der unterschätztesten Alben der Band. In Nuancen war diese Neuausrichtung auf dem letzten Tull-Album THE BROADSWORD AND THE BEAST in einigen Stücken bereits erahnbar.

Mit der aktuellen Mediabook-Ausgabe erhält UNDER WRAPS nun die nächste hochwertige Neuauflage im Rahmen der umfangreichen Reissue-Serie des Jethro-Tull-Backkatalogs. Erstmals stammt der neue Remix jedoch nicht von Steven Wilson, der die bisherigen Archivveröffentlichungen betreut hatte, sondern von Bruce Soord, Frontmann von The Pineapple Thief. Gleichzeitig wurde das Format überarbeitet: Anstelle der bislang beiliegenden DVDs enthält das Set nun eine Blu-ray, wodurch erstmals auch ein Dolby-Atmos-Mix eines klassischen Jethro-Tull-Albums möglich wurde.

Für Soord ist dies bereits die vierte Atmos-Produktion für Jethro Tull, nachdem er zuvor bereits die beiden jüngsten Studioalben sowie THE JETHRO TULL CHRISTMAS ALBUM in das immersive Klangformat überführt hatte. Auch Ian Andersons Soloalbum ist Bestandteil des Sets. Im Vorfeld gab es Gerüchte, dass der Drumcomputer für den Remix durch echtes Schlagzeug ersetzt wird. Das hat man in der Tat versucht, das Ergebnis wirkte aber nicht zufriedenstellend. Stattdessen ersetzte Bruce Soord die Drumparts mit besser klingenden Samples. So wirkt der neue Drumsound immer noch künstlich, ändert dafür die Grundstimmung der Songs nicht.

Tracklist:

1 Lap of Luxury – 3:35
2 Under Wraps No. 1 – 3:59
3 European Legacy – 3:23
4 Later, That Same Evening – 3:51
5 Saboteur – 3:31
6 Radio Free Moscow – 3:40
7 Nobody’s Car – 4:08
8 Heat – 5:37
9 Under Wraps No. 2 – 2:14
10 Paparazzi – 3:47
11 Apogee – 5:28

Gesamtdauer: 43:38

Die Musik:

Die erste Hälfte der 1980er-Jahre war musikalisch eine ausgesprochen spannende Zeit. Drum-Computer hielten Einzug in die Studios, die ersten digitalen Synthesizer und Sampler eröffneten völlig neue Möglichkeiten und sorgten für einen enormen kreativen Schub. Plötzlich klangen selbst Bands, die bereits seit einem Jahrzehnt oder länger erfolgreich waren, völlig anders als zuvor. Eine derart tiefgreifende Entwicklung kann man sich heute kaum noch vorstellen, wo viele Genres seit Jahren eher auf der Stelle zu treten scheinen und sich Bands oft nur noch in kleinen Nuancen weiterentwickeln.

Aus heutiger Sicht wirkt allerdings vieles aus dieser Zeit mittlerweile ziemlich altmodisch. Zahlreiche Produktionen klingen inzwischen deutlich nach ihrer Entstehungszeit und werden nur selten zu den großen Meisterwerken ihrer jeweiligen Künstler gezählt. Auch bei Jethro Tull sind es natürlich vor allem die Klassiker der 1970er-Jahre, die den Ruf der Band begründet haben.

Trotzdem kann ich UNDER WRAPS einiges abgewinnen. Gerade weil das Album so konsequent seinen eigenen Weg geht, besitzt es einen ganz besonderen Reiz. Die vielen synthetischen Klangfarben, der vergleichsweise sparsame Einsatz von Gitarre und Flöte und selbst die programmierten Schlagzeugrhythmen verleihen dem Album einen ganz eigenen Charakter. Erfreulicherweise hat Bruce Soord diesen Aspekt beim Remix respektiert. Trotz der Bearbeitung der Drum-Tracks bleibt der programmierte Charakter der Rhythmusspuren erhalten. Ein komplett neu eingespieltes Schlagzeug hätte aus meiner Sicht überhaupt nicht zu diesem Album gepasst.

So ist UNDER WRAPS für mich eines jener Alben, zu denen ich vermutlich häufiger greifen werde als zu manchem objektiv stärkeren Werk von Jethro Tull. Gerade weil es so ungewöhnlich, schräg und stellenweise überraschend klingt, übt es eine besondere Faszination aus. Ähnlich geht es mir mit Steve Hacketts CURED von 1981 oder Mike Rutherfords ACTING VERY STRANGE von 1982. Auch das sind Alben, die sicherlich nicht zu den unumstrittenen Höhepunkten ihrer Schöpfer zählen, deren eigenwilliger Charakter sie für mich aber umso interessanter macht.

Wertung: 75 %

Besetzung:

Ian Anderson – vocals, flute, acoustic guitar, programming, Fairlight CMI
Martin Barre – electric guitar
Dave Pegg – bass guitar, double bass
Peter-John Vettese – keyboards, programming 

Der Surroundmix:

Bruce Soord sagte in einem Interview, dass UNDER WRAPS das Album sei, bei dem er bislang am meisten im Raum verteilen konnte. Das überrascht nicht wirklich, denn kaum eine andere Produktion, an der er bisher gearbeitet hat, bietet eine derart große Fülle an synthetischen Klängen und elektronischen Details. Seine bisherigen Atmos-Mixe waren überwiegend von Gitarrenmusik geprägt, während hier Synthesizer und elektronische Klangfarben das Geschehen dominieren.

Entsprechend immersiv fällt auch der Atmos-Mix aus. Die zahlreichen Synthesizer-Sounds werden gekonnt im gesamten Raum verteilt und tauchen je nach Arrangement vorne, hinten, seitlich oder in den Höhenkanälen auf. Gerade elektronische Musik profitiert von einer offensiven Nutzung des Atmos-Formats, und Bruce Soord nutzt diese Möglichkeiten hier konsequent aus. Hinzu kommen zahlreiche Background-Vocals, die überwiegend in den hinteren Kanälen platziert wurden. Vereinzelt tauchen auch mit Effekten versehene Sprachfetzen aus dem Fairlight über den Hörplatz auf. Auffällig ist allerdings, dass Soord weitgehend auf spektakuläre Bewegungen einzelner Sounds verzichtet. Das dürfte auch daran liegen, dass bereits der ursprüngliche Stereomix kaum mit ausgeprägten Panoramaeffekten arbeitete.

Die Gitarren von Martin Barre treten auf UNDER WRAPS deutlich hinter den Synthesizern zurück und spielen entsprechend auch im Atmos-Mix eine eher untergeordnete Rolle. Meist bleiben sie im Frontbereich verankert, werden bei einigen Songs aber auch in die hinteren oder oberen Kanäle eingebunden – insbesondere dort, wo sie musikalisch etwas stärker in den Vordergrund rücken. Ähnliches gilt für Ian Andersons charakteristische Querflöte. Obwohl sie auf vielen Titeln zu hören ist, übernimmt sie auf diesem Album keine tragende Rolle. Anders als Steven Wilson, der die Flöten bei seinen Jethro-Tull-Abmischungen häufig sehr präsent im hinteren Raum positionierte, belässt Bruce Soord sie überwiegend im Frontbereich. Das wirkt stimmig, denn auf UNDER WRAPS gehören die große Bühne eindeutig den Synthesizern.

Für den neuen Mix wurden die programmierten Drumcomputer-Sounds zudem durch neue Samples ersetzt. Der Unterschied fällt allerdings kleiner aus, als man zunächst vermuten könnte. Die Rhythmen klingen weiterhin bewusst nach Drumcomputer und eben nicht nach einem echten Schlagzeug – genau so, wie es auch beabsichtigt war. Ein vollständig natürlich klingendes Drumset hätte den Charakter des Albums grundlegend verändert. Im Atmos-Mix werden die Sounds ähnlich wie ein akustisches Schlagzeug behandelt und überwiegend im Frontbereich mit einer leichten Anhebung in die Höhenebene positioniert.

Eine kleine Besonderheit stellt Under Wraps No. 2 dar. Der Titel kommt nahezu ohne Synthesizer aus, dennoch gönnt sich der Atmos-Mix hier keine Verschnaufpause. Stattdessen sorgen vor allem die Akustikgitarren, die hinter und oberhalb des Hörplatzes platziert wurden, weiterhin für ein angenehm räumliches Klangbild.

Wie bei den bisherigen Veröffentlichungen der Reihe liegt auch diesmal ein separater 5.1-Mix für klassisches Surround-Equipment bei. Dieser ist ebenfalls sehr diskret aufgebaut und weiß durchaus zu überzeugen. Persönlich gefällt mir der Atmos-Mix jedoch besser. Im 5.1-Mix tauchen in den Rear-Kanälen immer wieder einzelne Synthesizerklänge auf, die mir etwas zu stark vom übrigen Klangbild losgelöst erscheinen. Im Atmos-Mix wirken diese Elemente deutlich homogener in das Gesamtgeschehen eingebunden, wodurch das Klangbild insgesamt stimmiger und natürlicher wirkt.

Wertung: 97 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD MASTER AUDIO  5.1

PCM Stereo

Album starten:

Das ist wieder ein Mediabook, bei dem man sich auf der Blu-ray mühsam durchs Menü quälen muss, da UNDER WRAPS mit Drücken der Enter Taste nur in Stereo startet. Es lässt sich über die Audiotaste zumindest umstellen, wobei man diese für Dolby Atmos zweimal betätigen muss, da die zweite Spur die DTS-Spur ist.

Der Aufwand über das Menü ist groß:

ENTER

DOWN > DOWN > ENTER

2x DOWN > 2x ENTER > 2x UP > ENTER

UNDER WRAPS in Atmos: ENTER > 2x DOWN > ENTER > 2x DOWN > 2x ENTER > 2x UP > ENTER

WALK INTO LIGHT in Atmos: DOWN > ENTER > 2x DOWN > ENTER > 2x DOWN > 2x ENTER > 2x UP > ENTER

Abwertung: – 3 %

Bonusmaterial:

Traditionell sind die Reissues von Jethro Tull vollbepackt mit Bonuscontent. So ist dies auch bei dieser Ausgabe. Es gibt wie oben erwähnt nicht nur das Jethro Tull Album zu hören, sondern auch das Soloalbum WALK INTO LIGHT von Ian Anderson, welches im Jahr zuvor veröffentlicht wurde. Dazu gibt es noch etliche Bonustracks. Alles ist insgesamt in drei Mixen enthalten: Stereomixe beider Alben mit und ohne Drum-Bearbeitung und dazu der Atmos-Mix mit neuen Drumspuren. Schade, ein Atmos-Mix mit dem original Drum Computer wäre jeweils schön gewesen. Auf einer weiteren CD ist der obligatorische Live Mitschnitt enthalten. Auf der Blu-ray sind neben den Atmos, 5.1 und diversen Stereomixen auch noch zwei Promovideos zu finden.

Aufwertung: + 4 %

Anspieltipp:

Saboteur, Nobody’s Car

Fazit:

Wer die anderen Sets alle hat, wird hier natürlich auch zugreifen müssen.

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ Bonus-Material (+4 %)
+ High-Res (+1 %)
– Menü (-3%)

GESAMTWERTUNG: 93 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

MEDIABOOK: Obwohl UNDER WRAPS nicht gerade beliebt bei Fans ist, scheint das Mediabook gut zu laufen. Es ist mittlerweile nicht mehr überall erhältlich. Kostenpunkt: Um die 50 Euro.

Streaming: Bisher konnte ich weder UNDER WRAPS noch WALK INTO LIGHT bei Apple und Co. in Atmos finden.

Stand: 25.07.2026

Links:

Offizielle Webseite von Jethro Tull

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Erscheinungsjahr 1991 | STREAMING | Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Zuletzt wurden auf Streaming Portalen einige Alben von Michael Jackson hinzugefügt. THRILLER gab es zumindest bei Apple Music schon länger. Dieses hatte ich auch schon vor einiger Zeit besprochen. Neu hinzu kamen jetzt auch OFF THE WALL, BAD und DANGEROUS. Da aktuell die Biographie von Michael Jackson im Kino läuft, könnte dies die derzeitige Aktivität erklären. Übrigens tauchten bei Apple kurzzeitig auch zwei spätere Alben von ihm in der Rubrik „Jetzt in 3D-Audio“ auf, die aber weiterhin nur in Stereo vorlagen. Entweder war es einfach ein Fehler oder es könnte in nächster Zeit noch einen Nachschlag geben.

Als DANGEROUS Ende November 1991 erschien, stand Michael Jackson vor einer besonderen Herausforderung. Zuvor hatte er bereits drei der erfolgreichsten Pop-Alben aller Zeiten veröffentlicht und war zum größten Popstar seiner Generation aufgestiegen. Ursprünglich war für 1989 ein Best-Of-Album mit einigen neuen Tracks geplant. Da aber mehr und mehr neue Songideen hinzukamen, wurde schließlich ein neues Studioalbum angepeilt. Anstatt die bewährte Zusammenarbeit mit Quincy Jones fortzusetzen, entschied sich Jackson jedoch für einen Neuanfang. Er wollte mehr kreative Kontrolle über seine Musik und zugleich einen Sound, der stärker an den urbanen Strömungen der frühen 1990er-Jahre orientiert war.

Für DANGEROUS holte Jackson deshalb unter anderem Teddy Riley ins Boot, einen der wichtigsten Vertreter des damals modernen New Jack Swing. Die Aufnahmen erstreckten sich über mehr als zwei Jahre und fanden in mehreren Studios in Los Angeles statt. Mit geschätzten Produktionskosten von bis zu zehn Millionen US-Dollar gehörte das Album zu den aufwendigsten Produktionen seiner Zeit. Aus mehr als 50 aufgenommenen Songs wurden schließlich 14 Titel für das fertige Album ausgewählt.

Der kommerzielle Erfolg gab Jackson recht. DANGEROUS erreichte weltweit Spitzenpositionen in den Charts und verkaufte sich bis heute mehr als 40 Millionen Mal und damit häufiger als BAD. In Deutschland dauerte es mit der Spitzenposition dagegen fast ein Jahr, hier hatten Genesis über Monate Platz 1 mit dem fast zeitgleich erscheinenden Album WE CAN‘T DANCE blockiert.

Mit Singles wie Black or White, Remember the Time, In the Closet, Heal the World und Will You Be There brachte das Album zahlreiche internationale Hits hervor, befeuert durch aufwendige Musikvideos, in denen unter anderem Eddie Murphy und der Junge aus Kevin – Allein zu Haus (Macaulay Culkin) mitspielten.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

1 Jam – 5:39
2 Why You Wanna Trip on Me – 5:25
3 In the Closet – 6:32
4 She Drives Me Wild – 3:41
5 Remember the Time – 4:00
6 Can’t Let Her Get Away – 4:59
7 Heal the World – 6:25
8 Black or White – 4:16
9 Who Is It – 6:35
10 Give in to Me – 5:28
11 Will You Be There – 7:40
12 Keep the Faith – 5:57
13 Gone Too Soon – 3:23
14 Dangerous – 6:57

Gesamtdauer: 77:05

Der Dolby Atmos Mix:

Beim ersten Hören könnte man meinen, DANGEROUS sei vergleichsweise spartanisch arrangiert. Gerade die ersten Stücke bestehen scheinbar hauptsächlich aus elektronischen Beats, über die Michael Jackson singt, ergänzt durch vereinzelte Keyboard- oder Gitarreneinsätze sowie gelegentliche Rap- und Sprechpassagen. Erst in der zweiten Albumhälfte werden die Arrangements deutlich opulenter und abwechslungsreicher. Die anfängliche Zurückhaltung ist jedoch ein typisches Merkmal des damals modernen New Jack Swing. Hört man genauer hin, offenbart sich ein äußerst detailreiches Sounddesign. Genau diese Vielzahl an kleinen Beats, Samples, Geräuschen, Seufzern, Jauchzern und anderen für Michael Jackson so typischen stimmlichen Einwürfen macht der Atmos-Mix hervorragend hörbar. Die zahlreichen Details werden wirkungsvoll im gesamten Raum verteilt und gewinnen dadurch zusätzlich an Präsenz.

Der Leadgesang bleibt überwiegend erwartungsgemäß im Frontbereich verankert, wirkt bei einigen Titeln jedoch leicht angehoben und erhält dadurch zusätzliche Räumlichkeit. Backing Vocals sowie einzelne Gesangslinien oder Refrainpassagen werden dagegen häufig in die hinteren Kanäle verlagert. Besonders gelungen ist der Einsatz der Chöre. Will You Be There entwickelt sich hier zu einem der klanglichen Höhepunkte des Albums, wenn der Gospelchor majestätisch aus den hinteren Höhenkanälen über dem eigentlichen Song zu schweben scheint.

Keyboards, Synthesizer und die Anfang der 1990er-Jahre bereits etwas angestaubten Orchestra Hits aus der Keyboardkonserve werden je nach Song ebenfalls häufig in die Höhenebene gelegt. Besonders plastisch gelingt dies beim E-Piano in Gone Too Soon, das hinter dem Hörplatz positioniert wurde. Auffällig ist außerdem, dass selbst Bass-Synthesizer nicht ausschließlich im Frontbereich verbleiben, sondern teilweise ebenfalls nach hinten oder in die Höhenkanäle verlagert werden. Das sorgt für eine ungewöhnlich dreidimensionale Wiedergabe des gesamten Frequenzspektrums.

Gitarren erhalten im Atmos-Mix ebenfalls eine sehr präsente Rolle und werden häufig hinter dem Hörer positioniert. Das gilt sowohl für die rhythmischen Funk-Licks der New-Jack-Swing-Titel als auch für die rockigeren Songs, die auf Michael-Jackson-Alben traditionell ebenfalls ihren Platz fanden. Ein besonderes Highlight ist Black or White. Hier verteilen sich Rhythmus- und Leadgitarren eindrucksvoll über die Rear- und Höhenkanäle und sorgen für ein ausgesprochen immersives Hörerlebnis. Auch das hörspielartige Intro profitiert enorm von der räumlichen Abmischung und entfaltet im Atmos-Format eine beeindruckende Wirkung.

Insgesamt ist der Dolby-Atmos-Mix von DANGEROUS hervorragend gelungen. Er überzeugt nicht nur durch seine räumliche Gestaltung, sondern auch klanglich auf ganzer Linie. Die vielen kleinen Details der aufwendig produzierten Arrangements treten deutlicher hervor als im Stereomix und machen das Album zu einer ausgesprochen abwechslungsreichen Atmos-Produktion. Selbst Hörer, die wie ich mit der Musik von Michael Jackson eher wenig anfangen können, dürften an dieser immersiven Umsetzung ihre Freude haben.

Anspieltipp:

Black or White, Will You Be There

Fazit:

Ein Atmos-Mix, der sehr viel Spaß bereitet.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 97 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von DANGEROUS gibt bei entsprechendem Abo bei Apple Music, Amazon Music Unlimited und Tidal zu hören.

Stand: 04.07.2026

Links:

Offizielle Webseite von Michael Jackson

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Erscheinungsjahr: 1984 | Blu-ray / Streaming | Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Als WELCOME TO THE PLEASUREDOME im Oktober 1984 erschien, hatten Frankie Goes to Hollywood bereits erreicht, wovon die meisten Bands nur träumen konnten. Mit Relax und Two Tribes standen bereits zwei Nummer-1-Hits zu Buche, begleitet von massiver Medienpräsenz, kontroversen Diskussionen und einer Marketingkampagne, die das von Trevor Horn und Paul Morley geführte Label ZTT meisterhaft orchestrierte. Das Debütalbum erschien daher nicht als unbekannter Erstling, sondern als eines der meist erwarteten Pop-Alben des Jahres.

Entdeckt worden war die Band um Sänger Holly Johnson ein Jahr zuvor von Trevor Horn, nachdem Frankie Goes to Hollywood ihren späteren Hit Relax in der Fernsehsendung The Tube präsentiert hatten. Horn nahm die Gruppe umgehend unter Vertrag und machte sie zum Aushängeschild seines Labels. Der Erfolg von Relax, das trotz eines BBC-Sendeverbots zum Millionenhit wurde, und der Nachfolgesingle Two Tribes sorgten dafür, dass WELCOME TO THE PLEASUREDOME bereits vor seiner Veröffentlichung mehr als eine Million Vorbestellungen verzeichnete und direkt Platz 1 der britischen Charts erreichte.

Gleichzeitig verkörpert das Album wie kaum ein anderes Werk seiner Zeit den Produktionsmaximalismus der 80er-Jahre. Trevor Horn investierte enorme Mengen an Zeit und Studioressourcen in die Aufnahmen und nutzte die damals modernste Technik, darunter den Fairlight, Sequencer und zahllose Overdubs. Besonders der über 13 Minuten lange Titeltrack entwickelte sich zu einer Mammutproduktion, an der über Monate gearbeitet wurde. Das Ergebnis ist ein opulent ausgestattetes Doppelalbum, das Synth-Pop, Rock, Disco, Soundeffekte, Spoken-Word-Passagen und aufwendige Studioproduktion zu einem ebenso ambitionierten wie kontrovers diskutierten Gesamtwerk verbindet.

Fast die Hälfte der Laufzeit besteht aus Übergängen, Soundcollagen, Intros, Outros und teils recht experimentellen Passagen. Dadurch erinnert die Struktur stellenweise fast eher an ein Konzeptalbum von Art-Pop- oder Prog-Bands als an ein typisches Mainstream-Popalbum der 1980er-Jahre. Es kommt daher nicht von ungefähr, dass kein Geringerer als Steven Wilson beim Erstellen des Atmos-Mixes seine Finger im Spiel hatte.

Screenshot Tidal Music App

Tracklist:

 1 Well… / The World Is My Oyster – 1:59
2 Snatch of Fury (Stay) / Welcome to the Pleasuredome – 13:41
3 Relax (Come Fighting) – 3:57
4 War (…and Hide) – 6:14
5 Two Tribes – 3:28
6 For the Victims of Ravishment (Tag) – 0:35
7 Ferry (Go) – 1:49
8 Born to Run – 3:59
9 San José (The Way) – 3:10
10 Wish (The Lads Were Here) – 2:49
11 The Ballad of 32 – 4:49
12 Krisco Kisses – 2:59
13 Black Night White Light – 4:09
14 The Only Star in Heaven – 4:16
15 The Power of Love – 5:32
16 Bang – 1:09

Gesamtdauer: 64:25

Der Dolby Atmos Mix:

Steven Wilson hat mit WELCOME TO THE PLEASUREDOME einmal mehr einen Dolby-Atmos-Mix abgeliefert, der eindrucksvoll demonstriert, was mit diesem Format möglich ist. Zugegeben: Das Ausgangsmaterial kommt ihm dabei auch entgegen. Bereits das Originalalbum war für seine aufwendigen Arrangements, zahllosen Overdubs und die damals hochmoderne Studioproduktion bekannt. Trevor Horn nutzte Mitte der 80er-Jahre nahezu alle technischen Möglichkeiten, die ihm zur Verfügung standen, um ein möglichst opulentes Klangbild zu erschaffen. Genau diese Detailfülle überträgt Wilson nun in die dritte Dimension.

Besonders eindrucksvoll gelingt dies bereits im über 13 Minuten langen Titelstück. Schon die eröffnende Klangkulisse mit Naturgeräuschen, Vogelstimmen und umherschwirrenden Effekten verteilt sich weit über den gesamten Hörraum. Sobald die eigentliche Band einsetzt, gibt es kaum einen Lautsprecher, der nicht beschäftigt wird. Keyboards, Gitarren, Percussion und Hintergrundgesänge erscheinen gleichzeitig aus unterschiedlichen Richtungen. Immer wieder erklingen Instrumente hinter dem Hörplatz oder aus den Höhenkanälen, während zahlreiche Effekte durch den Raum wandern. Das Resultat ist ein außergewöhnlich dichtes und lebendiges Klangbild, das den Hörer förmlich umschließt.

Nahtlos geht diese Klangfülle in Relax über, das ebenfalls zu den spektakulärsten Momenten des Albums zählt. Überhaupt profitiert die Musik enorm davon, dass die Arrangements bereits im Original so reichhaltig angelegt wurden. Die zahlreichen Synthesizer, Percussion-Spuren, Chöre und Gitarren liefern Wilson reichlich Material, um den Raum konsequent auszunutzen. Besonders die Höhenkanäle werden intensiv eingebunden, ohne dabei jemals aufgesetzt zu wirken. Hinzu kommen immer wieder dezente Bewegungen einzelner Klänge, die den Eindruck eines ständig in Bewegung befindlichen Klangfeldes erzeugen.

Allerdings setzt das Album die Messlatte mit seinen ersten Titeln auch außergewöhnlich hoch. Im weiteren Verlauf gibt es immer wieder Stücke, die etwas zurückhaltender gemischt wurden oder deren Arrangements weniger spektakuläre Möglichkeiten bieten. Das Springsteen-Cover Born to Run ist hierfür ein gutes Beispiel. Zwar werden auch hier sämtliche Lautsprecherebenen genutzt, nach den zuvor gehörten Klangfeuerwerken wirkt die Präsentation jedoch beinahe schon zurückgenommen. Tatsächlich dürfte dies aber eher eine bewusste, dem jeweiligen Song dienende Entscheidung sein als ein Mangel an Kreativität.

Insgesamt gehört WELCOME TO THE PLEASUREDOME ohne Frage zu den beeindruckendsten Atmos-Veröffentlichungen der letzten Jahre. Der Mix schöpft die Möglichkeiten des Formats konsequent aus, ohne dabei den musikalischen Zusammenhang aus den Augen zu verlieren. Es gibt zwar vereinzelte Momente, in denen Hörer und Lautsprecher etwas durchatmen dürfen, insgesamt befindet sich jedoch nahezu ständig etwas in Bewegung oder an ungewohnten Positionen im Raum. Interessanterweise schließt sich damit auch ein Kreis: Bereits 1984 galt das Album als Vorzeigeproduktion für die damals modernste Studiotechnik. Vier Jahrzehnte später erfüllt der Atmos-Mix eine ganz ähnliche Funktion und demonstriert eindrucksvoll, was mit den heutigen Möglichkeiten immersiver Audiotechnik machbar ist.

Anspieltipp:

Welcome To The Pleasuredome, Relax

Fazit:

Ein Atmos-Mix in Referenzqualität.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 98 %

Verfügbarkeit:

Deluxe Edition: Ende Oktober 2025 wurde eine Deluxe Edition mit 7 CDs und einer Blu-ray veröffentlicht. Diese sollte noch erhältlich sein. Kostenpunkt ca. 120 Euro. 

SDE-Shop Blu-ray: Ebenfalls veröffentlicht wurde eine Einzel-Blu-ray über Superdeluxeedition.com. Diese kann nur noch gebraucht erworben werden, in der Regel für weit über 50 Euro.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von WELCOME TO THE PLEASUREDOME gibt es bei entsprechendem Abo bei Tidal zu hören. Bei Apple Music konnte ich das Album nicht finden. Ob es bei Amzon Music zu finden ist, kann ich nicht sagen.

Stand: 29.06.2026

Links:

Offizielle Webseite von Frankie Goes To Hollywood

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Erscheinungsjahr 2026 | Blu-ray / Streaming | Alternative Rock

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Mit IN TIMES OF DRAGONS veröffentlichte Tori Amos gerade ihr 18. Studioalbum, welches zudem von SuperDeluxeEdition.com direkt Bestandteil der Surround Sound Series wurde und auf Blu-ray in Dolby Atmos erschienen ist. Es ist mittlerweile Teil 61 der Serie.

Nach mehreren eher persönlichen und introspektiven Werken richtet Tori Amos den Blick diesmal wieder stärker nach außen und verbindet gesellschaftspolitische Themen mit einer metaphorischen Fantasy-Erzählung. Das Album entstand in ihrer Wahlheimat Cornwall. Unterstützt wurde sie erneut von langjährigen Weggefährten wie Matt Chamberlain, Jon Evans und ihrem Lebensgefährten Mark Hawley.

Inhaltlich erzählt IN TIMES OF DRAGONS eine moderne Fabel über Demokratie, Tyrannei und gesellschaftliche Spaltung. Im Mittelpunkt steht eine wohlhabende Frau, die vor ihrem autoritären Ehemann flieht und auf ihrer Reise durch die USA unterschiedlichsten Figuren begegnet. Amos arbeitet dabei mit einer Vielzahl symbolischer Bilder, insbesondere mit Drachen und sogenannten „Lizard Demons“, die für autoritäre und demokratiefeindliche Kräfte stehen. Die Geschichte wirkt wie ein düsteres Roadmovie voller politischer und persönlicher Traumata, gleichzeitig aber auch wie eine Suche nach Hoffnung und Veränderung.

Dabei bleibt vieles bewusst metaphorisch und offen formuliert. Mehrere Songs entstanden gemeinsam mit ihrer Tochter Natashya Hawley, die auf dem Album auch verschiedene Rollen innerhalb der Geschichte verkörpert. Gerade dadurch wirkt das Werk trotz seiner politischen Ebene oft erstaunlich persönlich und intim. Bereits auf ihrem 2014 erschienenen Album UNREPENTANT GERALDINES konnte man ihre Tochter bei einem Duett hören, die damals noch hörbar im Teenager-Alter steckte. Ihre heutige Stimme dagegen erinnert stark an die junge Tori Amos.

Tracklist:

1 Shush – 6:15
2 In Times of Dragons – 4:50
3 Provincetown – 5:06
4 St. Teresa – 6:19
5 Gasoline Girls – 2:56
6 Ode to Minnesota – 1:34
7 Fanny Faudrey – 1:47
8 Veins – 3:59
9 Strawberry Moon – 4:10
10 Song of Sorrow – 6:19
11 Flood – 4:03
12 Pyrite – 3:34
13 Tempest – 5:18
14 Angelshark – 3:47
15 Blue Lotus – 6:03
16 Stronger Together – 3:14
17 23 Peaks – 6:42

Gesamtdauer: 76:02

Die Musik:

Düster ist die Geschichte, die das Konzeptalbum zusammenhält, und überraschend düster ist auch das Album selbst geworden. An den wohlklingenden Piano-Pop der früheren Werke von Tori Amos erinnert nur noch wenig. Ihre Stimme ist altersbedingt mittlerweile deutlich dunkler und rauer geworden, was mir bereits beim Konzert vor einigen Wochen aufgefallen ist, das ich noch vor der Albumveröffentlichung besucht habe.

Klar ist ihr Bösendorfer-Flügel in den meisten Stücken wieder das Hauptinstrument, wobei sie bewusst häufiger in tieferen Lagen spielt. Zudem gibt es auf IN TIMES OF DRAGONS einen größeren Einsatz von Synthesizern. Das letzte Stück 23 Peaks kommt sogar gänzlich ohne Klavier aus und ist stark von Ambient-Klängen geprägt. Beim Sounddesign musste ich bei einigen Songs immer wieder an Peter Gabriel denken. St. Teresa klingt mit dem afrikanisch anmutenden Gitarrenpicking fast wie eine kleine Schwester von Secret World.

Aufgrund der bedrückenden Stimmung ist dies ein eher untypisches Album von Tori Amos, das unbedingt mehrere Hördurchläufe benötigt. Schon allein wegen der Laufzeit von 76 Minuten kann es sich beim ersten Hören kaum vollständig erschließen.

Wertung: 84 %

Besetzung:

  Tori Amos – piano, synthesizers, keyboards, harpsichord, vocals
Matt Chamberlain – drums, percussion, drum programming, electronics
Jon Evans – basses
Mark Hawley – guitars
John Philip Shenale – synthesizers, samplers, orchestral arrangements
Natashya Hawley – additional vocals

Der Surroundmix:

Der Atmos-Mix hinterlässt beim ersten Hördurchlauf zunächst einen eher unscheinbaren Eindruck. Genau wie die Musik selbst braucht allerdings auch die Abmischung mehrere Durchläufe, um sich vollständig zu entfalten. Mit der Zeit wird deutlich, wie viele kleine Details hier im Raum versteckt wurden. Immer wieder entdeckt man Sounds, die beim ersten oder zweiten Hören kaum auffielen und sich erst später dezent irgendwo im Raum bemerkbar machen.

Toris Bösendorfer-Flügel ist meist vorne positioniert und wirkt im Vergleich zu ihrer Stimme, die ebenfalls frontal ortbar bleibt, etwas weiter in den Raum geschoben. Bei einigen Stücken scheint das Klavier zudem sehr breit im Panorama abgemischt zu sein, gelegentlich lässt es sich auch leicht erhöht wahrnehmen.

Wie eigentlich immer bei Alben von Tori Amos gibt es auch hier zahlreiche zusätzliche Stimmen, Chöre und Backing Vocals, die wie erwähnt teilweise von ihrer Tochter Natashya gesungen werden und die stellenweise auch als Duettpartnerin fungiert. Diese zusätzlichen Stimmen erklingen häufig hinten oder oben im Raum. Teilweise sind sie auch seitlich verteilt, was einen sehr schönen räumlichen Effekt erzeugt. Die wenigen Gitarren, die auf dem Album zu hören sind, werden meist im hinteren Bereich positioniert, wo sie einen gelungenen Kontrast zu den tiefen und schweren Klavierklängen bilden. Dort wirken sie sehr passend eingesetzt.

Für ein Tori-Amos-Album vergleichsweise ungewohnt ist der recht hohe Anteil an Keyboards, Synthesizern und weiteren dezenten elektronischen Effekten. Auch gesampelte Orchesterklänge tauchen immer wieder auf. Diese Elemente werden im gesamten Raum verteilt und bilden das eigentliche Fundament des räumlichen Mixes. Synthesizerflächen schweben häufig etwas höher positioniert durch den Raum, während andere Keyboard- und E-Piano-Klänge eher hinten erklingen. Insgesamt sind diese Sounds allerdings meist sehr dezent eingebunden und fallen beim oberflächlichen Hören zunächst kaum auf. Bei einigen Songs spielt Tori Amos statt ihres Flügels auch E-Piano oder Cembalo, wobei diese Instrumente dann wieder eher frontal im Mix platziert sind.

Die Rhythmussektion bleibt dagegen vergleichsweise klassisch. Das akustische Schlagzeug kommt überwiegend von vorne, während Drum-Programming und zusätzliche Percussion-Elemente immer wieder über den gesamten Raum verteilt werden, meist hinten, gelegentlich aber auch oben. Der Bass ist in vielen Stücken angenehm kraftvoll und nicht einfach starr vorne positioniert, sondern häufig eher mittig im Raum verankert. Auch er wagt gelegentlich kleinere Ausflüge in die hinteren Bereiche.

Es gibt durchaus Alben, die noch deutlich immersiver abgemischt wurden. Insgesamt macht der Atmos-Mix von IN TIMES OF DRAGONS aber eine sehr gute Figur, weil er ausgesprochen geschmackvoll umgesetzt wurde. Die Räumlichkeit drängt sich nie unnötig in den Vordergrund, sondern unterstützt die Musik und lässt sie auf natürliche Weise lebendiger wirken.

Wertung: 92 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master 5.1

PCM Stereo

Album starten:

Das Album startet in Dolby Atmos, wenn man im Menü die Enter Taste drückt. Perfekt.

Bonusmaterial:

Wie meistens bei einer SDE-Veröffentlichung gibt es auch hier Bonusmaterial, bei dem man sich fragen könnte, ob es das gebraucht hätte. So gibt es auch bei diesem Konzeptalbum, bei dem die Texte keine unwesentliche Rolle spielen, das Album im Instrumentalmix (in Atmos und Stereo). Der Karaoke-Abend kann kommen!

Aufwertung: + 0,5 %

Anspieltipp:

St. Teresa, Stronger Together, 23 Peaks

Fazit:

Ein weiteres schönes Album von Tori Amos mit überwiegend sehr gutem Atmos-Mix.

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ etwas Bonusmaterial für den Karaoke-Abend (+ 0,5 %)
+ High-Res (+1%)

GESAMTWERTUNG: 91 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Diese Ausgabe ist Bestandteil der SDE-Series und war nur im Shop von Superdeluxeeditions.com für etwa 40 Euro inkl. Versand vorzubestellen. Restbestände dürften aber noch verfügbar sein.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix gibt es auch bei entsprechendem Abo bei Apple Music und wahrscheinlich auch bei Amazon und Tidal zu hören.

Stand: 11.06.2026

Links:

Offizielle Webseite von Tori Amos

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Erscheinungsjahr 1976 | Blu-ray Disc | Jazzrock

Springen zu:  Musik  |  Surroundmix  |  Albumstart  |  Bonusmaterial  |  Fazit  |  Verfügbarkeit

Bevor in den nächsten Wochen in erster Linie aktuelle Veröffentlichungen besprochen werden, soll es hier nochmal um einen Klassiker gehen, der vor fast zehn Jahren auf Blu-ray erschienen ist. Damals brachte Rhino die Blu-ray-Box QUADIO von Chicago heraus, die alle quadrofonischen Veröffentlichungen der amerikanischen Band beinhaltete. Ich habe seitdem fast alle Alben immer wieder mal besprochen, aber CHICAGO X fehlte bisher. Da es in diesem Jahr seinen 50. Geburtstag feiert, will ich das noch schnell nachholen. (Auch CHICAGO IX hatte ich noch nicht besprochen, dieses lasse ich aber außen vor, da es sich um eine Greatest-Hits-Zusammenstellung handelt.)

Mitte der 70er gehörten Chicago längst zu den erfolgreichsten Bands der USA. Die Gruppe hatte eine beeindruckende Serie erfolgreicher Alben veröffentlicht und verband Rock, Jazz, Soul und aufwendige Bläserarrangements zu einem damals unverwechselbaren Sound. Nach den intensiven Jahren zuvor machte die Band jedoch erstmals eine etwas längere Pause, nachdem das letzte Studioalbum CHICAGO VIII unter recht erschöpften Bedingungen entstanden war. Als die Musiker 1976 wieder ins Studio gingen, wirkte die Band deutlich konzentrierter und frischer.

Tracklist:

1 Once or Twice – 3:03
2 You Are on My Mind – 3:24
3 Skin Tight – 3:20
4 If You Leave Me Now – 3:58
5 Together Again – 3:53
6 Another Rainy Day in New York City – 3:01
7 Mama Mama – 3:31
8 Scrapbook – 3:28
9 Gently I’ll Wake You – 3:36
10 You Get It Up – 3:34
11 Hope for Love – 3:03

Gesamtdauer: 37:51

Die Musik:

Musikalisch zeigt sich CHICAGO X deutlich kompakter und radiofreundlicher als viele der früheren Werke der Band. Während ältere Alben oft ausgedehnte Songs, komplexe Arrangements und lange Suiten enthielten, konzentriert man sich hier fast ausschließlich auf relativ kurze, eingängige Stücke mit klaren Hooklines. Besonders erfolgreich wurde dabei If You Leave Me Now, die von Peter Cetera geschriebene Ballade, die Chicagos erster Nummer-1-Hit wurde und das öffentliche Bild der Band nachhaltig verändern sollte.

Trotz der stärkeren Pop-Ausrichtung bleibt der typische Chicago-Sound weiterhin erkennbar. Die markanten Bläsersätze sind weiterhin präsent, wirken jedoch meist gezielter und weniger ausufernd eingesetzt als auf den frühen Alben. Dazu kommen funkige Grooves, Soul-Einflüsse und Balladen, die den Sound insgesamt glatter und zugänglicher erscheinen lassen. Stücke wie Skin Tight oder Once or Twice zeigen noch deutlich die rhythmische und jazzige Seite der Band, während Songs wie Mama Mama oder der Schmachtfetzen If You Leave Me Now bereits die spätere, stärker balladenorientierte Entwicklung andeuten. Gerade dieses Album zeigt meiner Meinung nach ganz gut, dass 20 Jahre später eine Band wie Jamiroquai von Chicago stark beeinflusst war.

Wertung: 72 %

Besetzung:

   Peter Cetera – bass, lead and backing vocals
Terry Kath – electric guitars and acoustic guitar, lead and backing vocals
Robert Lamm – keyboards, lead and backing vocals
Lee Loughnane – trumpet, backing vocals, lead vocals
James Pankow – trombone, lead vocals, backing vocals
Walter Parazaider – woodwinds, backing vocals
Danny Seraphine – drums, backing vocals
Laudir de Oliveira – percussion, backing vocals

David J. Wolinski – keyboards
James William Guercio – lead and rhythm acoustic guitars, lead acoustic guitars
Vince DeRosa – French horns
David Duke – French horns
Othello Molineaux – steel drums
Leroy Williams – steel drums
Jimmie Haskell – string and brass orchestration, conductor

Der Surroundmix:

Ab 1974 begann Chicago damit, ihre Studioalben auch in Quadrophonie zu veröffentlichen, was angesichts des enormen Erfolgs der Band in den USA ein logischer Schritt war. CHICAGO X erschien wohl nahezu zeitgleich sowohl in der regulären Stereo- als auch in der Quad-Version. Für den Quadmix war erneut Wayne Tarnowski verantwortlich, der bereits die beiden vorherigen Chicago-Alben in Quadrophonie abgemischt hatte.

Auch bei diesem Mix zeigt sich sofort das typische Prinzip der damaligen Chicago-Quadmixe. Der Hörer wird regelrecht vom charakteristischen Bandsound umgeben. Im hinteren Bereich des Raumes befinden sich vor allem Keyboards, die Bläser und immer wieder Gitarrenparts. Dazu kommen Percussion-Elemente sowie Chorstimmen, die ebenfalls häufig aus den Rear-Lautsprechern erklingen. Vorne verbleiben überwiegend Leadgesang, Bass und Schlagzeug, wobei einzelne Gitarren auch frontal gemischt wurden. Auffällig bleibt allerdings erneut, dass der Leadgesang für heutige Hörgewohnheiten vergleichsweise leise ausgefallen ist und sich gegen die dichten Arrangements nur schwer behaupten kann. Das zieht sich im Grunde durch nahezu alle klassischen Chicago-Quadmixe.

Natürlich gibt es auch hier einige Ausnahmen in der Verteilung im Raum, besonders bei solierenden Instrumenten. Gitarren- oder Bläsersoli werden fast immer prominent vorne platziert. Im sechsten Stück Another Rainy Day in New York City fällt zudem ein Solo auf der Steel Drum auf, das ebenfalls klar frontal abgemischt wurde. Gleichzeitig finden sich immer wieder interessante Variationen in der Instrumentenverteilung. Besonders gelungen wirkt dabei If You Leave Me Now. Hier erklingen die akustischen Gitarren überwiegend aus dem hinteren Bereich, während die Keyboards eher vorne wahrnehmbar sind. Gemeinsam mit den ebenfalls hinten positionierten Streichern entsteht dadurch eine sehr atmosphärische und eindrucksvolle Raumwirkung. Die Hörner bleiben dagegen weiter vorne und leicht zur Raummitte versetzt. Gerade bei diesem Stück fällt zudem auf, wie viele akustische Gitarren überhaupt im Arrangement enthalten sind, die im weiteren Verlauf teilweise auch frontal hervortreten.

Ein weiteres Highlight des Quadmixes ist für mich Scrapbook. Hier kommen vor allem die Percussion-Elemente im hinteren Bereich hervorragend zur Geltung. Besonders gut gefällt mir dabei die Staffelung des Klangbildes. Es wird eben nicht einfach alles pauschal nach hinten gelegt, sondern die Bläser befinden sich eher vorne beziehungsweise leicht seitlich in Richtung Raummitte. Genau dadurch wirkt der Mix immersiver als manche anderen Stücke des Albums.

Wertung: 91 %

Vorhandene Tonformate:

DTS HD Master 4.0

DTS HD Master Stereo

Album starten:

Der Quad-Mix startet sofort, nachdem die Blu-ray geladen wurde. Perfekt.

Bonusmaterial:

Auf diesem Album, wie auch auf den anderen Alben der Quadio-Box gibt es keine Extras. Was aber unbedingt erwähnt werden muss, ist die Art der Verpackung des Albums. Es kommt in einem Mini-Vinyl-Cover wie es auch in den 70ern veröffentlicht wurde. Sogar eine Minischutzhülle hat man der Blu-ray spendiert. Zudem beinhalten die Alben noch die Beigaben, die auch die Erstveröffentlichungen damals hatten, wie Textbeilagen, Poster, Bügelbilder und so weiter. Das macht die gesamte Box auch von außen sehr hochwertig. CHICAGO X enthält ein Miniposter.

Anspieltipp:

Scrapbook, If You Leave Me Now

Fazit:

Die gesamte Quadio-Box ist ein Muss für jeden Surround- und Chicago-Fan. Dies gilt auch für CHICAGO X.

Pros / Cons:
+ Gute quadrophonische Abmischung
+ High Resolution (+1 %)
+ Album startet automatisch
– leider keine Downloadcodes enthalten, um das Album auch unterwegs zu hören.

GESAMTWERTUNG: 86 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Das Album gibt es nur in der Gesamt Quadio-Box, die schon damals schwer zu bekommen war und heute noch schwieriger zu bekommen ist. Die Gebrauchtpreise gingen zuletzt etwas runter (ca. 350 Euro), was daran liegen könnte, dass einiges bereits in Atmos verfügbar ist. Ich könnte mir vorstellen, dass in diesem Jahr auch noch CHICAGO X in Atmos erscheint, immerhin ist da ihr größter Hit drauf.

Stand: 29.05.2026

Links:

Offizielle Seite von Chicago

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Erscheinungsjahr: 1981 | STREAMING / Blu-ray | Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Das Album DARE von The Human League ist ein weiterer Klassiker der 80er-Jahre, der vor einiger Zeit von Superdeluxeedition.com auf Blu-ray in Dolby Atmos veröffentlicht wurde. Bereits seit einiger Zeit war der Mix auch auf den Streaming Portalen in Atmos erhältlich. Das Album wurde im Oktober 1981 erstmals veröffentlicht und ist das dritte Studioalbum der Band.

Nach internen Spannungen verließen die Gründungsmitglieder Martyn Ware und Ian Craig Marsh die Band (und gründeten Heaven 17), wodurch Sänger Philip Oakey praktisch vor einem Neuanfang stand. Gemeinsam mit Philip Adrian Wright stellte er kurzfristig eine neue Besetzung zusammen, darunter Joanne Catherall und Susan Ann Sulley, die zunächst eher als visuelle Ergänzung gedacht waren und später zu prägenden Stimmen des Albums wurden.

Die Band stand finanziell unter Druck und musste schnell neues Material liefern, um ihren Vertrag zu rechtfertigen. Erste Demoaufnahmen entstanden in Sheffield, während die Single The Sound of the Crowd bereits andeutete, dass der neue, zugänglichere Ansatz funktionieren könnte. Der Fokus verschob sich weg von experimenteller Elektronik hin zu strukturierten Songs mit stärkerem Pop-Appeal.

Die eigentlichen Aufnahmen fanden zwischen März und September 1981 unter der Leitung von Martin Rushent statt. In seinem Genetic Sound Studio entstand ein Album, das auf den Einsatz von Drum-Machines und Sequencern setzte. Besonders die damals neue Linn LM-1 prägte den Rhythmus vieler Stücke. Gleichzeitig wurde großer Wert auf Details gelegt, etwa durch aufwendige Overdubs oder ungewöhnliche Methoden zur Klangerzeugung, bei denen auch reale Räume für Hall-Effekte genutzt wurden.

Mit der Veröffentlichung entwickelte sich DARE schnell zum kommerziellen Durchbruch. Die Single Don’t You Want Me wurde zum internationalen Hit und trug maßgeblich dazu bei, dass sich das Album millionenfach verkaufte und die Band schlagartig in die erste Reihe des Pop katapultierte.

Screenshot Tidal App

Tracklist:

1 The Things That Dreams Are Made Of – 4:14
2 Open Your Heart – 3:53
3 The Sound of the Crowd – 3:56
4 Darkness – 3:56
5 Do or Die – 5:25
6 Get Carter – 1:02
7 I Am the Law – 4:09
8 Seconds – 4:58
9 Love Action (I Believe in Love) – 4:58
10 Don’t You Want Me – 3:56

Gesamtdauer: 40:53

Der Dolby Atmos Mix:

Der Atmos-Mix von DARE kommt im Internet nicht besonders gut weg. Vor allem im Quadforum wird er stellenweise regelrecht zerrissen. Ich hatte das Album deshalb schon länger auf meiner Rezensionsliste stehen, es aber immer wieder vor mir hergeschoben. Vor kurzem schrieb mir Mike, dass er sich den Mix angehört habe und ihn gar nicht so schlecht finde. Also habe ich nun selbst einmal genauer hingehört.

Und tatsächlich frage auch ich mich, woher die teils harsche Kritik kommt. Möglicherweise liegt es an einer gewissen Erwartungshaltung. In den vergangenen Jahren gab es einige Atmos-Abmischungen von 80er-Synthpop-Alben, die eindrucksvoll gezeigt haben, was mit diesem Format möglich ist. An diese Referenzklasse reicht DARE zwar nicht heran, doch gleichzeitig handelt es sich keineswegs um einen rein frontlastigen Mix, bei dem praktisch alles nur vorne stattfindet.

Es stimmt allerdings, dass sich direkt hinter dem Hörplatz vergleichsweise wenig abspielt. Vereinzelte Sounds tauchen dort zwar immer wieder auf, über die gesamte Albumlänge betrachtet bleibt der Rear-Bereich jedoch eher zurückhaltend genutzt. Dafür passiert seitlich und insbesondere in den Höhenkanälen umso mehr. Zahlreiche Synthesizerklänge wurden dort positioniert. Dabei hatte ich den Eindruck, dass bassbetonte Sequencer eher bodennah bleiben, während höhere Synthsounds bewusst weiter oben angesiedelt wurden, was einen durchaus interessanten Effekt erzeugt. Auch einzelne Beats tauchen immer wieder in den Heights auf, während Fills gelegentlich seitlich oder leicht hinter dem Hörplatz erscheinen. Zudem wurden die weiblichen Backing Vocals häufig erhöht positioniert. Teilweise schweben einzelne Klänge sogar direkt über dem Kopf umher.

Gerade im hinteren Bereich des Raumes hatte ich dabei oft das Gefühl, dass die hinteren Height-Speaker mehr beschäftigt werden als die klassischen Rear-Lautsprecher am Boden oder teilweise sogar die vorderen Höhenkanäle. Dadurch werden die kritischen Stimmen zumindest etwas nachvollziehbarer. Auf Setups mit lediglich zwei vorderen Höhenlautsprechern dürfte der Mix deutlich frontlastiger wirken. Gleiches gilt vermutlich auch für einen Downmix auf herkömmliches 5.1.

Insgesamt bleibt es ein Mix, bei dem durchaus noch mehr möglich gewesen wäre. Gleichzeitig ist er aber auch deutlich besser als sein Ruf. Ich empfand die Abmischung insgesamt als recht stimmig und atmosphärisch passend zur Musik.

Anspieltipp:

The Sound of The Crowd, Open Your Heart

Fazit:

Guter Atmos Mix, dem aber noch einiges zum sehr gut fehlt.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 83 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von DARE gibt es bei entsprechendem Abo bei Tidal zu hören. Bei Apple Music konnte ich ihn nicht finden, Amazon Music Unlimited konnte ich nicht überprüfen.

Blu-Ray: Die Blu-ray wurde von Superdeluxeedition aufgelegt, Restbestände gibt es immer noch im Shop für 25 Pfund. Inklusive Versand kommt man da auf etwa 40 Euro.

Stand: 17.05.2026

Links:

Webseite von The Human League

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Erscheinungsjahr 1977 | Blu-ray | Pop Rock

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I ROBOT erschien 1977 als zweites Album des The Alan Parsons Project und wurde in den Abbey Road Studios in London aufgenommen. Ursprünglich sollte das Album deutlich enger an die Robotergeschichten von Isaac Asimov angelehnt sein. Da die Rechte an der konkreten Vorlage jedoch bereits vergeben waren, wurde das Konzept thematisch offener gestaltet.

Im Zentrum steht nun allgemeiner das Verhältnis von Mensch und Maschine, verbunden mit Fragen nach Kontrolle, Technologie und Identität. In den 70er-Jahren war dies eines der großen Themen und Science Fiction sehr angesagt. Einige Monate zuvor kam Star Wars in die Kinos. Diese inhaltliche Ausrichtung prägt das Album über die gesamte Laufzeit hinweg und gibt den einzelnen Stücken einen gemeinsamen Rahmen.

Wie bei diesem Projekt üblich, arbeiteten Parsons und Woolfson mit einer Vielzahl von Gastmusikern und Sängern. Es gab kein festes Bandgefüge, sondern eine gezielte Auswahl an Stimmen und Instrumentalisten für die jeweiligen Songs. Unter anderem wirkte Steve Harley bei einem Song mit. Ergänzt wurde das durch orchestrale Arrangements von Andrew Powell. Die Kombination aus Studiotechnik, wechselnden Stimmen und klarer Produktion trägt wesentlich zum charakteristischen Gesamtbild bei.

I ROBOT erreichte seinerzeit Platz 9 in den US-Charts. In Deutschland kletterte das Album im September 1977 bis auf Platz 2. Das klappte auch noch ein zweites Mal im Jahr 2025, als es in seiner Deluxe Edition veröffentlicht wurde. Diese enthält das Album auch in Dolby Atmos. Den Mix erstellte Alan Parsons persönlich. Einige Monate später wurde der Mix aber auch auf Einzel-Blu-ray veröffentlicht. Auf den Streaming Portalen habe ich den Dolby Atmos Mix nicht gefunden.

Tracklist:

 1 I Robot – 6:02
2 I Wouldn’t Want to Be Like You – 3:19
3 Some Other Time – 4:05
4 Breakdown – 3:50
5 Don’t Let It Show – 4:21
6 The Voice – 5:21
7 Nucleus – 3:35
8 Day After Day (The Show Must Go On) – 3:43
9 Total Eclipse – 3:05
10 Genesis Ch. 1 V. 32 – 3:37

Gesamtdauer: 41:05

Die Musik:

Musikalisch bewegt sich I ROBOT zwischen Pop, Progressive Rock und orchestraler Studioproduktion. Viele Stücke basieren auf eingängigen Songstrukturen, werden aber durch aufwendige Arrangements erweitert. Synthesizer spielen eine zentrale Rolle und erzeugen zusammen mit Chören und orchestralen Elementen eine (für die damalige Zeit) futuristische Klangästhetik, die gut zum inhaltlichen Konzept passt.

Auffällig ist die sehr präzise, fast schon klinische Produktion. Jedes Instrument ist klar definiert im Mix platziert, nichts wirkt zufällig oder roh. Gleichzeitig bleibt die Musik zugänglich, da Melodien und Refrains bewusst im Vordergrund stehen. Diese Verbindung aus technischer Perfektion, konzeptionellem Ansatz und eingängigen Strukturen macht den besonderen Reiz des Albums aus. Mir persönlich ist es an einigen Stellen aber doch etwas zu glatt produziert.

Wertung: 79 %

Besetzung:

Eric Woolfson – clavinet, Fender Rhodes, Wurlitzer, piano, organ, keyboards, backing vocals
Alan Parsons – Projectron, Synthi-A Sequencer Programming, acoustic guitar, vocoder, tape loops and effects, backing vocals
David Paton – bass, acoustic guitar, backing vocals
Stuart Tosh – drums, percussion, water gongs
Ian Bairnson – electric and acoustic guitars, backing vocals
Duncan Mackay – keyboards
John Wallace – piccolo trumpet
B.J. Cole – steel guitar
Andrew Powell – Hammond B-3 organ
John Leach – cimbalom, kantele
Lenny Zakatek – vocals
Allan Clarke – vocals
Steve Harley – vocals
Jack Harris – vocals
Peter Straker – vocals
Jaki Whitren – vocals
Dave Townsend – vocals
Hilary Western – soprano vocals
Tony Rivers – backing vocals
John Perry – backing vocals
Stu Calver – backing vocals
The English Chorale – choir
The New Philharmonia Chorus – choir

Der Surroundmix:

Bereits im Opener I Robot wird deutlich, dass man es hier mit einem äußerst immersiven Mix zu tun hat. Synthetische Sounds bewegen sich frei im Raum und ziehen den Hörer sofort ins Geschehen. Nach und nach kommen aus dem hinteren Bereich weitere Keyboards und Gitarren hinzu, während sich später in den Höhen ein sehr präsenter, teils leicht harsch wirkender Glockensound entfaltet. Insgesamt fällt auf, dass der Mix stellenweise recht höhenbetont ist. Das wurde bereits von Mike in einer früheren Abmischung von Alan Parsons kritisiert und zeigt sich auch hier immer wieder, hält sich jedoch insgesamt noch im Rahmen.

Was die Verteilung im Dolby-Atmos-Raum betrifft, werden sowohl die Höhenkanäle als auch die hinteren Lautsprecher intensiv genutzt. Vor allem Gitarren und Keyboards tauchen regelmäßig im Rear-Bereich auf, während solierende Passagen häufig nach oben verlagert werden, um sich klar vom restlichen Geschehen abzuheben. Auch Chöre spielen eine wichtige Rolle und profitieren stark von der räumlichen Platzierung. Besonders auffällig ist das bei Total Eclipse, das nahezu vollständig aus vielschichtigen Chorarrangements besteht, die sich über den gesamten Raum erstrecken. Dabei entsteht eine fast schon cineastische Wirkung, die unweigerlich Assoziationen zum Film 2001 und seinem schwarzen Monolithen hervorruft.

Vor allem die instrumentalen Stücke profitieren von dieser Herangehensweise, da Alan Parsons hier deutlich freier mit der räumlichen Verteilung umgeht. Die Gesangstitel sind zwar ebenfalls über weite Strecken sehr sauber umgesetzt, wirken im Vergleich jedoch etwas konservativer. Schlagzeug, Bass und Leadgesang bleiben meist klassisch in der Front verankert, wodurch nicht immer das volle Potenzial der Raumabbildung ausgeschöpft wird.

Der 5.1-Mix unterscheidet sich dabei leicht vom Downmix des Atmos-Mixes. Letzterer wirkt insgesamt etwas weiter, halliger und tendenziell auch höhenlastiger, im Vergleich dazu erschien mir der 5.1-Mix dann etwas zu dumpf und ja auch irgendwie etwas leblos.

Wertung: 92 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master 5.1

PCM 96/24 5.1

Album starten:

I ROBOT startet auf der Blu-ray per Entertaste aus dem Menü heraus direkt in Dolby Atmos, ohne dass man sich vorher durchs Menü quälen muss. Ebenfalls enthalten ist der Original-Stereomix

Bonusmaterial:

Auf der Blu-ray gibt es als Bonus ein Musikvideo (nicht in HD) und ein Interview mit Eric Woolfson (19 Min).

Aufwertung: +1 %

Anspieltipp:

The Voice, Total Eclipse

Fazit:

Insgesamt ein größtenteils sehr guter Atmos Mix.

Pros / Cons:
+ sehr guter Surroundmix
+ Bonus (+ 1 %)
+ High Res (+1%)

GESAMTWERTUNG: 90 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Deluxe Ausgabe: Die Deluxe Ausgabe ist 2025 erschienen, enthält 4 CDs, 2LPs und eine Blu-ray und kostet knapp 200 Euro. EAN: 0711297534108

Blu-ray-Einzelausgabe: Wer es günstig mag, kommt mit der Blu-ray klar. 26 Euro! EAN: 0711297534160

Ältere SACD-Ausgabe: Kleiner Hinweis: Es gibt auch eine SACD von I ROBOT. Diese ist aber nur in Stereo. Kein Surroundmix drauf!

Stand: 07.05.2026

Links:

Offizielle Webseite von The Alan Parsons Project

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Erscheinungsjahr: 1995 | STREAMING | Britpop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Seit letztem Jahr gibt es bei Apple Music sämtliche Alben von Oasis in Dolby Atmos zu hören. Es darf gemutmaßt werden, dass dies in Verbindung mit der durchaus überraschenden Reunion und anschließenden Tour im letzten Jahr passiert ist. Stellvertretend möchte ich daher eines ihrer Alben besprechen, das zudem ihr mit Abstand erfolgreichstes wurde.

(WHAT’S THE STORY) MORNING GLORY? erschien 1995 und verkaufte sich über 22 Millionen Mal, was vor allem auch an den beiden Hits Wonderwall und Don’t Look Back in Anger liegen dürfte, denen man sich damals kaum entziehen konnte, genauso wenig wie den ständigen Streitereien der Gallagher-Brüder, die schon damals in den Medien zum Dauerthema wurden.

Nach dem Erfolg des Debüts DEFINITELY MAYBE ging die Band im Frühjahr 1995 mit entsprechend gesteigerten Erwartungen ins Studio. Die Aufnahmen fanden in den Rockfield Studios in Wales statt, wo Noel Gallagher gemeinsam mit Owen Morris nicht nur die Produktion übernahm, sondern den Sound von Oasis auch entscheidend weiterentwickelte. Im Vergleich zum raueren, deutlich livehafteren Vorgänger setzte man nun stärker auf verdichtete Arrangements, mehrschichtige Gitarren und eingängigere, hymnische Strukturen. Dieser Ansatz verlieh den Songs eine neue Größe, die klar auf maximale Wirkung im Radio und auf großen Bühnen abzielte.

Auch innerhalb der Band kam es während der Entstehung zu Veränderungen. Schlagzeuger Tony McCarroll wurde noch während der Arbeiten ersetzt, sodass der Großteil des Albums bereits mit seinem Nachfolger Alan White eingespielt wurde. Inhaltlich stammen sämtliche Songs aus der Feder von Noel Gallagher, während sein Bruder Liam Gallagher mit seinem prägnanten Gesang den charakteristischen Klang der Platte prägte. Heute gilt (WHAT’S THE STORY) MORNING GLORY? als vermutlich das zentrale Britpop-Album der 90er.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

 1 Hello – 3:21
2 Roll With It – 3:59
3 Wonderwall – 4:18
4 Don’t Look Back in Anger – 4:48
5 Hey Now! – 5:41
6 Untitled (The Swamp Song – Excerpt 1) – 0:44
7 Some Might Say – 5:29
8 Cast No Shadow – 4:51
9 She’s Electric – 3:40
10 Morning Glory – 5:03
11 Untitled (The Swamp Song – Excerpt 2) – 0:39
12 Champagne Supernova – 7:27

Gesamtdauer: 50:00

Der Dolby Atmos Mix:

Der Dolby-Atmos-Mix haut einen nicht wirklich von den Socken. Das liegt zum einen am Gesamtsound, der recht hallig, verwaschen und zudem eher dünn wirkt. Dadurch fällt es schwer, einzelne Instrumente gezielt herauszuhören. Stattdessen baut sich eine klassische Wall of Sound vor dem Hörer auf, bei der sich vieles direkt in der Front abspielt. Einige Elemente werden zwar in die Höhe gezogen und dort positioniert, darunter Gitarren, gelegentlich auch der Gesang sowie das Schlagzeug, doch über die Raummitte hinaus wagt sich das Geschehen nur selten.

Ganz vereinzelt gibt es auch diskretere Signale aus den Rears. Mitunter tauchen dort Hintergrundgesang oder zusätzliche Gitarren auf. Diese sind jedoch meist so zurückhaltend abgemischt, dass sie sich kaum vom ohnehin verwaschenen Gesamtklang abheben und eher im Hintergrund bleiben.

Es gibt allerdings auch Ausnahmen, die vor allem in der zweiten Hälfte des Albums auftreten, fast so, als wäre hier eine andere Herangehensweise gewählt worden. Bereits das kurze, experimentelle Stück The Swamp Song wirkt deutlich räumlicher, mit Sounds, die sich freier im Raum bewegen. Auch im darauffolgenden Song Some Might Say sind Effekte zu hören, die sich über die Höhenkanäle entfalten. Cast No Shadow kommt schließlich dem am nächsten, was man von einem Atmos-Mix erwartet, mit seitlich und oben platzierten Streicherflächen sowie deutlich präsenterem Hintergrundgesang im Rear-Bereich. Auch klanglich wirkt dieser Abschnitt klarer und differenzierter.

Insgesamt ergibt sich ein durchwachsener Dolby-Atmos-Mix, der zwischen eher unspektakulären und gelungenen Momenten schwankt. Man könnte fast zynisch behaupten, dass sich die Gallagher-Brüder auch hier nicht ganz einig waren, wie das Album in Atmos klingen soll, eher wie ein erweitertes Stereo oder mit mehr Mut zur Räumlichkeit.

Anspieltipp:

Cast No Shadow

Fazit:

Weder Fisch noch Fleisch in der Oase.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 69 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von (WHAT’S THE STORY) MORNING GLORY? gibt es bei entsprechendem Abo bei Apple Music zu hören. Bei Tidal gibt es die Mixe von Oasis bisher nicht. Ob sie bei Amazon Music Unlimited zu finden sind, entzieht sich meiner Kenntnis. 

Stand: 19.04.2026

Links:

Offizielle Webseite von Oasis

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Erscheinungsjahr 2023 | STREAMING | Indie-Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

AnnenMayKantereit wurde 2011 in Köln gegründet und entwickelte sich innerhalb weniger Jahre von einer lokalen Straßenmusikformation zu einer der erfolgreichsten deutschsprachigen Bands ihrer Generation. Die Gründungsmitglieder Christopher Annen, Henning May und Severin Kantereit lernten sich während ihrer Schulzeit am Schiller-Gymnasium in Köln kennen. Schon früh entschieden sie sich für einen unkonventionellen Einstieg ins Musikgeschäft und spielten zunächst als Straßenmusiker im öffentlichen Raum, was maßgeblich zur Ausbildung ihres direkten, publikumsnahen Stils beitrug.

Ein wesentlicher Bestandteil dieser frühen Phase war die Präsenz auf YouTube, wo Mitschnitte der Straßenauftritte veröffentlicht wurden und rasch eine stetig wachsende Fangemeinde fanden. Parallel dazu arbeitete die Band an ersten eigenen Aufnahmen, die noch unabhängig und mit vergleichsweise einfachen Mitteln entstanden.

Der kommerzielle Durchbruch gelang ab 2014, zunächst über Festivalauftritte und Support-Touren, später verstärkt durch Fernsehauftritte und die Zusammenarbeit mit etablierten Künstlern. Mit dem Wechsel zu einem Major-Label und der Veröffentlichung von ALLES NIX KONKRETES im Jahr 2016 erreichte die Band erstmals Platz eins der deutschen Albumcharts. In den folgenden Jahren festigte sich ihre Stellung im deutschsprachigen Raum.

Nach mehreren erfolgreichen Veröffentlichungen und dem bewussten Schritt zurück in die Unabhängigkeit erschien 2023 das Album ES IST ABEND UND WIR SITZEN BEI MIR auf dem bandeigenen Label. Die Produktion entstand erneut in Zusammenarbeit mit Markus Ganter und wurde im Sommer 2022 in mehreren Proberaum-Sessions aufgenommen.

Im Kölner Umland ist vor allem der letzte Song Tommi, der teilweise auf Kölsch gesungen wird, ziemlich bekannt. Mittlerweile hat er fast den Status einer Stadthymne erlangt, da ihn die Spieler des 1. FC Köln seit einiger Zeit nach mehr oder weniger erfolgreichen Spielen gemeinsam singen.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

1 Lass es kreisen – 3:34
2 3 Tage am Meer – 3:16
3 Es ist Abend – 2:48
4 Lottoscheine – 3:34
5 Katharina – 3:55
6 Verliebt sein – 2:15
7 Ausgehen – 3:31
8 Erdbeerkuchen – 3:16
9 Heute Abend wird es regnen – 3:11
10 Weißhausstraße – 3:18
11 Kein Stern – 4:42
12 Als ich ein Kind war – 3:47
13 Du tust mir nie mehr weh – 3:36
14 Orangenlied – 3:42
15 Tommi – 4:50

Gesamtdauer: 49:57

Der Dolby Atmos Mix:

Der Dolby Atmos Mix von ES IST ABEND UND WIR SITZEN BEI MIR fällt überwiegend sehr räumlich aus, was bereits in den ersten Stücken deutlich wird. Rhythmische Elemente wie Schlagzeug und Percussions sind im gesamten Raum verteilt, und auch in den Höhenkanälen lassen sich immer wieder Sounds entdecken. Besonders im ersten Stück, wenn passend zum Titel ein elektronischer Klang seine Runden zieht, wird dies hörbar.

Gitarren und Keyboards sind ebenfalls im Raum verteilt und werden immer wieder in den Höhenkanälen eingesetzt. Vor allem das Klavier in den Balladen wird gekonnt im Raum verteilt, sodass sich ein sehr plastischer Klang ergibt. Hintergrundgesang ist meist hinten positioniert und verleiht den Stücken Tiefe und Weite.

Viele Songs beginnen eher spärlich instrumentiert, wobei sich die Musik zunächst vor allem vorne im Raum abspielt. In diesen Momenten wirkt der Mix gelegentlich etwas frontlastig, bis weitere Instrumente hinzukommen, die die Räumlichkeit deutlich erhöhen. Eine noch abwechslungsreichere Positionierung, zum Beispiel von Sologitarren in Relation zum Gesang, hätte hier zusätzlich für ein dynamischeres Raumgefühl sorgen können. Das spärlichste Arrangement findet sich im Stück Weißhausstraße, das dennoch in Dolby Atmos sehr schön zur Geltung kommt.

Besonders hervorzuheben ist Als ich ein Kind war. Hier passiert durchgehend viel im Raum, vor allem durch die verteilten Percussions. Das einsetzende Trompetensolo wird zudem überzeugend hoch im Raum positioniert, was dem Stück eine beeindruckende Plastizität verleiht.

Insgesamt ist der Mix sehr gelungen. Nur zwei bis drei Stücke wirken etwas zu frontlastig und trüben leicht das Gesamtbild. Generell legt der Mix jedoch mehr Wert auf die Höhenkanäle als auf eine konsequente Nutzung der hinteren Kanäle, was dem Album einen klaren, räumlichen Charakter verleiht und die Intimität der Bandaufnahmen betont.

Anspieltipp:

Als ich ein Kind war

Fazit:

Schönes Album, schöner Atmos-Mix.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 88 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von ES IST ABEND UND WIR SITZEN BEI MIR gibt es bei entsprechendem Abo bei Apple Music, Amazon Music Unlimited und Tidal zu hören.

Stand: 11.02.2026

Links:

Offizielle Webseite von AnnenMayKantereit

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Erscheinungsjahr 1987 | STREAMING | Rock

Eine Dolby Atmos Streaming Review

…NOTHING LIKE THE SUN erschien 1987 als zweites Soloalbum von Sting und war ein weiterer Schritt in seiner Entwicklung zum Solokünstler nach dem Ende von The Police. Stings zweites Album wirkt deutlich geschlossener, ernster und thematisch fokussierter. Es ist ein Werk, das weniger auf unmittelbare Eingängigkeit setzt, sondern auf langfristige Wirkung.

Die Entstehung fiel in eine persönlich schwierige Phase für Sting. Der Tod seiner Mutter prägten den emotionalen Grundton vieler Stücke. Themen wie Vergänglichkeit, Verlust, politische Verantwortung und innere Zerrissenheit ziehen sich durch das gesamte Album.

Musikalisch erweitert Sting hier den Ansatz seines Debüts konsequent. Jazz-Elemente, Pop, Rock, Reggae und Weltmusik werden nicht nebeneinandergestellt, sondern eng miteinander verwoben. Unterstützt wird er dabei von einer hochkarätigen Besetzung, darunter Branford Marsalis, Kenny Kirkland und Manu Katché. Hinzu kommen prominente Gastmusiker wie Eric Clapton, Mark Knopfler und Andy Summers, deren Beiträge sich unaufdringlich in das Gesamtbild einfügen.

Produziert wurde das Album überwiegend von Neil Dorfsman, der gemeinsam mit Sting eine stark studiogeprägte, vollständig digitale Produktion umsetzte. …NOTHING LIKE THE SUN gehörte zu den ersten komplett digital aufgenommenen Alben, die kommerziell erfolgreich waren. Die detailreichen Arrangements und die kontrollierte Dynamik machten das Album schon in der Stereo-Fassung zu einer audiophilen Referenz. Daher entschied man sich wohl seinerzeit auch, das Album auf Vinyl direkt als Doppelalbum zu veröffentlichen, statt die 55 Minuten Spielzeit mehr schlecht als recht auf eine Platte zu pressen.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

1 The Lazarus Heart – 4:34
2 Be Still My Beating Heart – 5:32
3 Englishman in New York – 4:25
4 History Will Teach Us Nothing – 4:58
5 They Dance Alone (Cueca Solo) – 7:16
6 Fragile – 3:54
7 We’ll Be Together – 4:52
8 Straight to My Heart – 3:55
9 Rock Steady – 4:27
10 Sister Moon – 3:46
11 Little Wing – 5:04
12 The Secret Marriage – 2:03

Gesamtdauer: 54:53

Der Dolby Atmos Mix:

Die bisherigen Atmos-Mixe von Sting gehörten für mich nur selten zu den wirklichen Sternstunden. Umso überraschender und erfreulicher ist es, dass …NOTHING LIKE THE SUN einen durchgehend sehr gelungenen und räumlich überzeugenden Mix erhalten hat.

Auffällig ist vor allem die konsequente Einbindung der Höhenkanäle. In vielen Stücken ist das Saxophon deutlich vorne oben positioniert. Auch Chorgesang kommt in der Regel aus der Decke. Typisch für Produktionen der 1980er-Jahre ist die Vielzahl an Keyboardspuren, die auch auf diesem Album eine zentrale Rolle spielen. Diese werden meist hinten oben platziert, gelegentlich auch hinten auf Bodenhöhe. Das Klavier hingegen befindet sich häufig im vorderen Raum, wird aber immer wieder auch vertikal angehoben. Lediglich im letzten Stück The Secret Marriage ist das Klavier klar im hinteren Raum positioniert.

Gitarren spielen auf Stings zweitem Soloalbum insgesamt eine eher untergeordnete Rolle. Wenn sie auftauchen, sind sie meist im hinteren Bereich des Raumes angesiedelt. Eine Ausnahme bildet They Dance Alone, in dem sich mehrere Gitarristen wie Mark Knopfler und Eric Clapton die zurückhaltenden Akustikgitarrenparts teilen. Hier werden die Gitarren breit im Raum verteilt und sind hinten, seitlich und auch vorne wahrnehmbar.

Besonders beeindruckend ist für mich History Will Teach Us Nothing, ein Stück, das mir seit jeher eher wenig zugesagt hat. Im Atmos-Mix macht der Song jedoch eine ausgesprochen gute Figur, da hier sehr viel Aktivität im Raum stattfindet. Etwas enttäuschend wirkt dagegen das Hendrix-Cover Little Wing, das für mich eher wie ein Upmix klingt. Möglicherweise konnten hier nicht alle Originalbänder herangezogen werden, denn abgesehen von einigen atmosphärischen Keyboardflächen verbleibt das meiste Klanggeschehen deutlich im Frontbereich.

Auch klanglich hinterlässt das Album in der Atmos-Fassung einen insgesamt positiven Eindruck. Die für 1980er-Jahre-Produktionen typischen Hallanteile sind weiterhin präsent und sorgen stellenweise für einen leicht verwaschenen Charakter. Gelegentlich hatte ich den Eindruck, dass die Höhen etwas zu stark betont sind. Insgesamt klingt das Album jedoch so, wie man es über Jahre hinweg aus der Stereo-Version zu schätzen gelernt hat, nur erweitert um eine überzeugende räumliche Dimension.

Von …NOTHING LIKE THE SUN gab es bereits einen Surroundmix, der vor über 20 Jahren erschienen ist und natürlich mittlerweile nur zu fragwürdigen Preises zu bekommen ist. Vor längerer Zeit konnte ich mal in ihn reinhören. Das Ergebnis war zwar auch ziemlich räumlich, allerdings ist bei mir hängen geblieben, dass mir der Gesamtsound damals nicht so sehr gefallen hatte.

Anspieltipp:

History Will Teach Us Nothing

Fazit:

Definitiv einer der besseren Atmos-Mixe von Sting.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 91 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von …NOTHING LIKE THE SUN gibt bei entsprechendem Abo bei Apple Music und wahrscheinlich auch bei Amazon Music Unlimited und Tidal zu hören.

Stand: 23.01.2026

Links:

Offizielle Webseite von Sting

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