Erscheinungsjahr: 1987 | Blu-ray / Streaming | Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Mit BÊTE NOIRE veröffentlichte Bryan Ferry am 2. November 1987 sein siebtes Soloalbum und knüpfte damit an den Erfolg von BOYS AND GIRLS aus dem Jahr 1985 an. Nachdem Ferry in den Jahren zuvor sowohl mit Soloprojekten als auch mit Roxy Music beschäftigt war, präsentierte er ein Album, das den Zeitgeist der späten 80er Jahre aufgriff, ohne dabei seine musikalische Identität aufzugeben. Das Ergebnis ist eine stilvolle Mischung aus Pop, Rock, Soul und Funk, verpackt in einer makellos produzierten Klangästhetik.

Für die Entstehung von BÊTE NOIRE arbeitete Ferry mit einer Reihe namhafter Musiker und Songwriter zusammen. So steuerte unter anderem Johnny Marr von The Smiths Gitarrenparts bei, Patrick Leonard war als Keyboarder und Co-Songwriter beteiligt und Guy Pratt übernahm auf einem Stück den Bass. Trotz dieser prominenten Unterstützung bleibt das Album unverkennbar ein Bryan-Ferry-Werk, dessen markante Stimme und elegante Ausstrahlung sämtliche Songs prägen.

Musikalisch zeigt sich BÊTE NOIRE rhythmischer und direkter als BOYS AND GIRLS. Klare Drum-Sounds, zahlreiche Synthesizer und ein insgesamt moderneres Klangbild bestimmen das Album, während Ferrys charakteristisch zurückhaltender Gesang für die gewohnt melancholische Note sorgt. Mit Songs wie Kiss and Tell, The Right Stuff oder dem Titelstück verbindet das Album eingängige Pop-Hooks mit einer für Ferry typischen Mischung aus Eleganz und kühler Distanz.

In UK erreichte das Album Platz 9 der Charts, während Kiss and Tell zu einem internationalen Hit avancierte. Für Surround-Fans ist BÊTE NOIRE inzwischen ebenfalls interessant geworden. Neben der Streaming-Veröffentlichung des Dolby-Atmos-Mixes erschien dieser auch physisch auf Blu-ray in der SDE Surround Series von SuperDeluxeEdition. Dort bildet BÊTE NOIRE die Ausgabe Nummer 63 und wurde gemeinsam mit Ferrys Nachfolgealbum TAXI (Nummer 64) veröffentlicht.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

 1 Limbo – 5:00
2 Kiss and Tell – 4:57
3 New Town – 4:50
4 Day for Night – 5:35
5 Zamba – 3:00
6 The Right Stuff – 4:25
7 Seven Deadly Sins – 5:10
8 The Name of the Game – 5:28
9 Bête Noire – 4:53

Gesamtdauer: 43:44

Der Dolby Atmos Mix:

Den Atmos Mix erstellte Bob Clearmountain, der neben Steven Wilson und Bruce Soord zu den bekannteren Namen gehört. Von ihm sind beispielsweise Mixe von Huey Lewis & The News oder The Band. Insgesamt lieferte er mit BÊTE NOIRE einen Dolby-Atmos-Mix ab, der zeigt, dass 80er-Jahre Alben sich für dieses Format hervorragend eignen.

Das Album lebt von seinen detailreichen Arrangements mit zahlreichen Keyboards, Gitarren, programmierten Rhythmen und viel zusätzlichem Gesang, Das sind ideale Voraussetzungen, um den Raum intensiv auszunutzen. Clearmountain macht davon reichlich Gebrauch.

Besonders auffällig ist die Vielzahl an Keyboardsounds, die praktisch während des gesamten Albums im Raum verteilt werden. Mal erklingen sie hinter dem Hörplatz, mal seitlich oder oberhalb der Hörposition und wechseln sich dabei immer wieder mit Gitarren und elektronischen Percussion-Elementen ab. Auch die programmierten Beats beschränken sich nicht ausschließlich auf den Frontbereich. Immer wieder werden Hallfahnen oder einzelne rhythmische Elemente bis in die hinteren oder oberen Lautsprecher gezogen, wodurch ein sehr luftiges und räumliches Klangbild entsteht. Bewegungen sind ebenfalls keine Seltenheit. Bereits im Intro des ersten Stückes wandern einzelne Sounds durch den Raum, später schweben immer wieder Effekte oder Stimmen über den Hörplatz oder ziehen von vorne nach hinten.

Bryan Ferrys Leadgesang bleibt erwartungsgemäß überwiegend im Frontbereich verankert, wirkt dabei aber immer wieder leicht angehoben. Backing Vocals dagegen nutzt Clearmountain sehr offensiv. Sie tauchen regelmäßig hinter dem Hörplatz oder oberhalb des Hörers auf und sorgen gerade in den Refrains für zusätzliche Räumlichkeit. Vereinzelt werden auch weibliche Gesangsstimmen oder verfremdete Vocal-Effekte als eigenständige Klangereignisse im Raum platziert, was den Mix zusätzlich belebt.

Auch instrumental gibt es einiges zu entdecken. Gitarren wechseln je nach Song zwischen Front-, Seiten- und Rückbereich, während Synthesizer und Pads praktisch überall auftauchen können. Besonders gelungen sind die vielen kleinen Details, die man im Stereomix kaum wahrnimmt. Mal erklingen elektronische Percussion-Instrumente oberhalb des Hörplatzes, mal tauchen Klavier, Akkordeon oder sogar Streicher an unerwarteten Positionen im Raum auf.

Anspieltipp:

Limbo, Zamba

Fazit:

Ein weiterer sehr guter Atmos-Mix von Bob.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 96 %

Verfügbarkeit:

SDE-Shop Blu-ray: Die Blu-ray wurde im Juli veröffentlicht und ist überraschenderweise noch immer im Shop erhältlich, TAXI übrigens auch. Kostenpunkt: 30 Pfund plus Versand, dürfte so um die 45-50 Euro sein.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von BÊTE NOIRE gibt es bei entsprechendem Abo bei Apple zu hören. Bei Tidal konnte ich das Album nicht finden. Ob es bei Amzon Music zu finden ist, kann ich nicht sagen.

Stand: 16.08.2026

Links:

Offizielle Webseite von Bryan Ferry

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Erscheinungsjahr 1969 | Streaming / Blu-Ray | Punk

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum legten The Stooges 1969 den Grundstein für eine Musikrichtung, die erst Jahre später ihren großen Durchbruch erleben sollte. Obwohl sich das Album bei seiner Veröffentlichung nur mäßig verkaufte und in den US-Charts lediglich Platz 106 erreichte, gilt es heute als eines der wichtigsten Proto-Punk-Alben überhaupt. Zahlreiche spätere Punk- und Alternative-Bands nennen THE STOOGES als entscheidenden Einfluss.

Die Band aus Ann Arbor im US-Bundesstaat Michigan bestand damals aus Sänger Iggy Pop, Gitarrist Ron Asheton, Bassist Dave Alexander und Schlagzeuger Scott Asheton. Für die Produktion konnte Elektra Records mit John Cale von The Velvet Underground einen ebenso ungewöhnlichen wie passenden Produzenten gewinnen. Die Aufnahmen verliefen dabei alles andere als klassisch. Die Band verfügte zu Beginn der Sessions nur über wenige fertige Songs, weitere Stücke entstanden oder entwickelten sich erst während der Studioarbeit.

Musikalisch lebt THE STOOGES von seiner radikalen Reduktion. Einfache, sich ständig wiederholende Gitarrenriffs, ein schnörkelloser Schlagzeugstil und Iggy Pops markanter Gesang zwischen gelangweilter Coolness, Sprechgesang und animalischem Ausbruch verleihen dem Album seinen unverwechselbaren Charakter. Songs wie 1969, I Wanna Be Your Dog oder No Fun wirken aus heutiger Sicht fast selbstverständlich, waren 1969 mit ihrer kompromisslosen Einfachheit jedoch ihrer Zeit weit voraus. Mit dem über zehnminütigen We Will Fall findet sich zugleich ein nahezu hypnotisches Drone-Stück auf dem Album, das eher an The Velvet Underground oder Minimal Music erinnert als an klassischen Rock.

Was bei seinem Erscheinen vielfach als zu primitiv oder eindimensional abgetan wurde, entwickelte sich im Laufe der Jahrzehnte zu einem echten Klassiker. Heute zählt THE STOOGES regelmäßig zu den bedeutendsten Rockalben aller Zeiten und wird oft als eine der Geburtsstunden des Punk bezeichnet. Gerade die rohe Direktheit und der ungeschönte Sound verleihen dem Album auch mehr als fünf Jahrzehnte später noch eine erstaunliche Frische. Auf Streaming-Portalen ist dieses Album und zwei weitere in Dolby Atmos vorhanden. Rhino veröffentlichte zudem vor kurzem eine Blu-ray auf der sich das Debüt und der Nachfolger FUN HOUSE in der immersiven Abmischung befinden.

Screenshot Apple Music App

Tracklist:

1 1969 – 4:05
2 I Wanna Be Your Dog – 3:10
3 We Will Fall – 10:15
4 No Fun – 5:15
5 Real Cool Time – 2:30
6 Ann – 3:00
7 Not Right – 2:45
8 Little Doll – 3:20

Gesamtdauer: 34:46

Der Dolby Atmos Mix:

Über diese Dolby-Atmos-Veröffentlichung könnte man vorschnell urteilen. Ein Album von 1969, noch dazu das Debüt der Stooges – ein Werk, das als eine der Geburtsstunden des Punk gilt und bewusst auf einen rohen, direkten Bandsound setzt. Kaum Overdubs, wenige Instrumente und vermeintlich wenig Material für eine räumliche Abmischung. Da könnte man schnell zu dem Schluss kommen, dass eine Stereo-Version völlig ausreicht. Der von Ed Stasium erstellte Atmos-Mix beweist jedoch eindrucksvoll das Gegenteil.

Sein Konzept ist ebenso einfach wie wirkungsvoll. Die Gitarren erklingen überwiegend aus den hinteren Lautsprechern, während Schlagzeug, Bass und Iggy Pops Gesang meist im Frontbereich angesiedelt sind. Dabei bleibt der Mix keineswegs statisch. Im abschließenden Little Doll wandert der Bass beispielsweise überraschend in den rechten hinteren Bereich. Gitarrensoli verbleiben zwar überwiegend vorne, werden dort aber häufig in die Höhenebene angehoben. Auch einzelne Schlagzeugbestandteile, Percussion und rhythmisches Klatschen tauchen immer wieder in den hinteren Kanälen auf und werden stellenweise ebenfalls über den Hörplatz positioniert. Trotz der vergleichsweise einfachen Instrumentierung entsteht so ein ausgesprochen räumlicher Gesamteindruck, dem man das Alter der Aufnahme kaum anhört.

Das Album besteht aus sieben vergleichsweise kurzen Songs und dem über zehn Minuten langen We Will Fall. Gerade dieses psychedelische, hypnotische Stück bildet sowohl musikalisch als auch klanglich den Höhepunkt der Veröffentlichung. Für mich zählt es sogar zu einem der beeindruckendsten Dolby-Atmos-Demostücken, die ich bislang gehört habe. Der mantraartig singende Chor erklingt eindrucksvoll aus dem hinteren Bereich, während über dem Hörplatz ein kaum definierbarer, rhythmischer Holzklang schwebt. Vorne entfalten sich sphärische Gitarrenflächen und Iggy Pops Gesang, der förmlich über dem gesamten Klangbild zu schweben scheint. Im weiteren Verlauf setzt schließlich noch die von John Cale gespielte Violine ein, die ebenfalls aus den Höhenkanälen erklingt und die ohnehin schon dichte Atmosphäre perfekt ergänzt. Ganz großes Kino.

Anspieltipp:

We Will Fall

Fazit:

Ein sehr schöner Mix in Dolby Atmos.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 92 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von THE STOOGES gibt es bei entsprechendem Abo bei Apple Music, Amazon Music Unlimited und Tidal zu hören.

Blu-ray: Die Blu-ray (enthält zwei Alben: The STOOGES und FUN HOUSE) wurde in diesem Jahr von Rhino aufgelegt. Knackpunkt: Sie ist ausschließlich im US-Store erhältlich und dort wohl auch schon ausverkauft. Auch eine SACD wurde in diesem Jahr veröffentlicht, aber: Kein Raumklang!

Stand: 03.08.2026

Links:

Offizielle Webseite der Stooges

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Erscheinungsjahr 1984 | Blu-ray | Art Pop

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Mit UNDER WRAPS schlugen Jethro Tull 1984 einen der ungewöhnlichsten Wege ihrer langen Karriere ein. Nachdem die Band über viele Jahre vor allem für die Verbindung aus Progressive Rock, Folk und Hard Rock bekannt war, orientierte sie sich nun deutlich stärker am Zeitgeist der 1980er-Jahre. Synthesizer, Drum-Machines und elektronische Klänge prägen das Album so stark wie auf keiner anderen Veröffentlichung der Band und machten UNDER WRAPS bei Erscheinen zu einem der umstrittensten Werke im Katalog von Jethro Tull.

Die Aufnahmen fanden größtenteils im Heimstudio von Ian Anderson statt. Bemerkenswert ist dabei vor allem, dass auf dem Album erstmals vollständig auf einen Schlagzeuger verzichtet wurde. Sämtliche Rhythmusparts entstanden mit programmierten Drum-Machines, wodurch sich der Sound deutlich von den organischeren Produktionen der 1970er-Jahre unterscheidet. Gemeinsam mit Martin Barre, Dave Pegg und Keyboarder Peter-John Vettese entstand so ein Album, das stilistisch zwischen Synthpop und New Wave statt zwischen Progressive Rock und Art Rock pendelt.

Die Neuausrichtung kommt nicht von ungefähr. Im Jahr zuvor veröffentlichte Ian Anderson sein erstes Soloalbum WALK INTO LIGHT, ebenfalls mit synthetischen Drums, welches wie ein Vorläufer von UNDER WRAPS wirkt. Gerade diese konsequente Hinwendung zu elektronischen Arrangements sorgte damals für geteilte Reaktionen. Während viele langjährige Fans den vertrauten Folk- und Prog-Sound vermissten, sehen andere in UNDER WRAPS heute einen mutigen Stilwechsel und eines der unterschätztesten Alben der Band. In Nuancen war diese Neuausrichtung auf dem letzten Tull-Album THE BROADSWORD AND THE BEAST in einigen Stücken bereits erahnbar.

Mit der aktuellen Mediabook-Ausgabe erhält UNDER WRAPS nun die nächste hochwertige Neuauflage im Rahmen der umfangreichen Reissue-Serie des Jethro-Tull-Backkatalogs. Erstmals stammt der neue Remix jedoch nicht von Steven Wilson, der die bisherigen Archivveröffentlichungen betreut hatte, sondern von Bruce Soord, Frontmann von The Pineapple Thief. Gleichzeitig wurde das Format überarbeitet: Anstelle der bislang beiliegenden DVDs enthält das Set nun eine Blu-ray, wodurch erstmals auch ein Dolby-Atmos-Mix eines klassischen Jethro-Tull-Albums möglich wurde.

Für Soord ist dies bereits die vierte Atmos-Produktion für Jethro Tull, nachdem er zuvor bereits die beiden jüngsten Studioalben sowie THE JETHRO TULL CHRISTMAS ALBUM in das immersive Klangformat überführt hatte. Auch Ian Andersons Soloalbum ist Bestandteil des Sets. Im Vorfeld gab es Gerüchte, dass der Drumcomputer für den Remix durch echtes Schlagzeug ersetzt wird. Das hat man in der Tat versucht, das Ergebnis wirkte aber nicht zufriedenstellend. Stattdessen ersetzte Bruce Soord die Drumparts mit besser klingenden Samples. So wirkt der neue Drumsound immer noch künstlich, ändert dafür die Grundstimmung der Songs nicht.

Tracklist:

1 Lap of Luxury – 3:35
2 Under Wraps No. 1 – 3:59
3 European Legacy – 3:23
4 Later, That Same Evening – 3:51
5 Saboteur – 3:31
6 Radio Free Moscow – 3:40
7 Nobody’s Car – 4:08
8 Heat – 5:37
9 Under Wraps No. 2 – 2:14
10 Paparazzi – 3:47
11 Apogee – 5:28

Gesamtdauer: 43:38

Die Musik:

Die erste Hälfte der 1980er-Jahre war musikalisch eine ausgesprochen spannende Zeit. Drum-Computer hielten Einzug in die Studios, die ersten digitalen Synthesizer und Sampler eröffneten völlig neue Möglichkeiten und sorgten für einen enormen kreativen Schub. Plötzlich klangen selbst Bands, die bereits seit einem Jahrzehnt oder länger erfolgreich waren, völlig anders als zuvor. Eine derart tiefgreifende Entwicklung kann man sich heute kaum noch vorstellen, wo viele Genres seit Jahren eher auf der Stelle zu treten scheinen und sich Bands oft nur noch in kleinen Nuancen weiterentwickeln.

Aus heutiger Sicht wirkt allerdings vieles aus dieser Zeit mittlerweile ziemlich altmodisch. Zahlreiche Produktionen klingen inzwischen deutlich nach ihrer Entstehungszeit und werden nur selten zu den großen Meisterwerken ihrer jeweiligen Künstler gezählt. Auch bei Jethro Tull sind es natürlich vor allem die Klassiker der 1970er-Jahre, die den Ruf der Band begründet haben.

Trotzdem kann ich UNDER WRAPS einiges abgewinnen. Gerade weil das Album so konsequent seinen eigenen Weg geht, besitzt es einen ganz besonderen Reiz. Die vielen synthetischen Klangfarben, der vergleichsweise sparsame Einsatz von Gitarre und Flöte und selbst die programmierten Schlagzeugrhythmen verleihen dem Album einen ganz eigenen Charakter. Erfreulicherweise hat Bruce Soord diesen Aspekt beim Remix respektiert. Trotz der Bearbeitung der Drum-Tracks bleibt der programmierte Charakter der Rhythmusspuren erhalten. Ein komplett neu eingespieltes Schlagzeug hätte aus meiner Sicht überhaupt nicht zu diesem Album gepasst.

So ist UNDER WRAPS für mich eines jener Alben, zu denen ich vermutlich häufiger greifen werde als zu manchem objektiv stärkeren Werk von Jethro Tull. Gerade weil es so ungewöhnlich, schräg und stellenweise überraschend klingt, übt es eine besondere Faszination aus. Ähnlich geht es mir mit Steve Hacketts CURED von 1981 oder Mike Rutherfords ACTING VERY STRANGE von 1982. Auch das sind Alben, die sicherlich nicht zu den unumstrittenen Höhepunkten ihrer Schöpfer zählen, deren eigenwilliger Charakter sie für mich aber umso interessanter macht.

Wertung: 75 %

Besetzung:

Ian Anderson – vocals, flute, acoustic guitar, programming, Fairlight CMI
Martin Barre – electric guitar
Dave Pegg – bass guitar, double bass
Peter-John Vettese – keyboards, programming 

Der Surroundmix:

Bruce Soord sagte in einem Interview, dass UNDER WRAPS das Album sei, bei dem er bislang am meisten im Raum verteilen konnte. Das überrascht nicht wirklich, denn kaum eine andere Produktion, an der er bisher gearbeitet hat, bietet eine derart große Fülle an synthetischen Klängen und elektronischen Details. Seine bisherigen Atmos-Mixe waren überwiegend von Gitarrenmusik geprägt, während hier Synthesizer und elektronische Klangfarben das Geschehen dominieren.

Entsprechend immersiv fällt auch der Atmos-Mix aus. Die zahlreichen Synthesizer-Sounds werden gekonnt im gesamten Raum verteilt und tauchen je nach Arrangement vorne, hinten, seitlich oder in den Höhenkanälen auf. Gerade elektronische Musik profitiert von einer offensiven Nutzung des Atmos-Formats, und Bruce Soord nutzt diese Möglichkeiten hier konsequent aus. Hinzu kommen zahlreiche Background-Vocals, die überwiegend in den hinteren Kanälen platziert wurden. Vereinzelt tauchen auch mit Effekten versehene Sprachfetzen aus dem Fairlight über den Hörplatz auf. Auffällig ist allerdings, dass Soord weitgehend auf spektakuläre Bewegungen einzelner Sounds verzichtet. Das dürfte auch daran liegen, dass bereits der ursprüngliche Stereomix kaum mit ausgeprägten Panoramaeffekten arbeitete.

Die Gitarren von Martin Barre treten auf UNDER WRAPS deutlich hinter den Synthesizern zurück und spielen entsprechend auch im Atmos-Mix eine eher untergeordnete Rolle. Meist bleiben sie im Frontbereich verankert, werden bei einigen Songs aber auch in die hinteren oder oberen Kanäle eingebunden – insbesondere dort, wo sie musikalisch etwas stärker in den Vordergrund rücken. Ähnliches gilt für Ian Andersons charakteristische Querflöte. Obwohl sie auf vielen Titeln zu hören ist, übernimmt sie auf diesem Album keine tragende Rolle. Anders als Steven Wilson, der die Flöten bei seinen Jethro-Tull-Abmischungen häufig sehr präsent im hinteren Raum positionierte, belässt Bruce Soord sie überwiegend im Frontbereich. Das wirkt stimmig, denn auf UNDER WRAPS gehören die große Bühne eindeutig den Synthesizern.

Für den neuen Mix wurden die programmierten Drumcomputer-Sounds zudem durch neue Samples ersetzt. Der Unterschied fällt allerdings kleiner aus, als man zunächst vermuten könnte. Die Rhythmen klingen weiterhin bewusst nach Drumcomputer und eben nicht nach einem echten Schlagzeug – genau so, wie es auch beabsichtigt war. Ein vollständig natürlich klingendes Drumset hätte den Charakter des Albums grundlegend verändert. Im Atmos-Mix werden die Sounds ähnlich wie ein akustisches Schlagzeug behandelt und überwiegend im Frontbereich mit einer leichten Anhebung in die Höhenebene positioniert.

Eine kleine Besonderheit stellt Under Wraps No. 2 dar. Der Titel kommt nahezu ohne Synthesizer aus, dennoch gönnt sich der Atmos-Mix hier keine Verschnaufpause. Stattdessen sorgen vor allem die Akustikgitarren, die hinter und oberhalb des Hörplatzes platziert wurden, weiterhin für ein angenehm räumliches Klangbild.

Wie bei den bisherigen Veröffentlichungen der Reihe liegt auch diesmal ein separater 5.1-Mix für klassisches Surround-Equipment bei. Dieser ist ebenfalls sehr diskret aufgebaut und weiß durchaus zu überzeugen. Persönlich gefällt mir der Atmos-Mix jedoch besser. Im 5.1-Mix tauchen in den Rear-Kanälen immer wieder einzelne Synthesizerklänge auf, die mir etwas zu stark vom übrigen Klangbild losgelöst erscheinen. Im Atmos-Mix wirken diese Elemente deutlich homogener in das Gesamtgeschehen eingebunden, wodurch das Klangbild insgesamt stimmiger und natürlicher wirkt.

Wertung: 97 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD MASTER AUDIO  5.1

PCM Stereo

Album starten:

Das ist wieder ein Mediabook, bei dem man sich auf der Blu-ray mühsam durchs Menü quälen muss, da UNDER WRAPS mit Drücken der Enter Taste nur in Stereo startet. Es lässt sich über die Audiotaste zumindest umstellen, wobei man diese für Dolby Atmos zweimal betätigen muss, da die zweite Spur die DTS-Spur ist.

Der Aufwand über das Menü ist groß:

ENTER

DOWN > DOWN > ENTER

2x DOWN > 2x ENTER > 2x UP > ENTER

UNDER WRAPS in Atmos: ENTER > 2x DOWN > ENTER > 2x DOWN > 2x ENTER > 2x UP > ENTER

WALK INTO LIGHT in Atmos: DOWN > ENTER > 2x DOWN > ENTER > 2x DOWN > 2x ENTER > 2x UP > ENTER

Abwertung: – 3 %

Bonusmaterial:

Traditionell sind die Reissues von Jethro Tull vollbepackt mit Bonuscontent. So ist dies auch bei dieser Ausgabe. Es gibt wie oben erwähnt nicht nur das Jethro Tull Album zu hören, sondern auch das Soloalbum WALK INTO LIGHT von Ian Anderson, welches im Jahr zuvor veröffentlicht wurde. Dazu gibt es noch etliche Bonustracks. Alles ist insgesamt in drei Mixen enthalten: Stereomixe beider Alben mit und ohne Drum-Bearbeitung und dazu der Atmos-Mix mit neuen Drumspuren. Schade, ein Atmos-Mix mit dem original Drum Computer wäre jeweils schön gewesen. Auf einer weiteren CD ist der obligatorische Live Mitschnitt enthalten. Auf der Blu-ray sind neben den Atmos, 5.1 und diversen Stereomixen auch noch zwei Promovideos zu finden.

Aufwertung: + 4 %

Anspieltipp:

Saboteur, Nobody’s Car

Fazit:

Wer die anderen Sets alle hat, wird hier natürlich auch zugreifen müssen.

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ Bonus-Material (+4 %)
+ High-Res (+1 %)
– Menü (-3%)

GESAMTWERTUNG: 93 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

MEDIABOOK: Obwohl UNDER WRAPS nicht gerade beliebt bei Fans ist, scheint das Mediabook gut zu laufen. Es ist mittlerweile nicht mehr überall erhältlich. Kostenpunkt: Um die 50 Euro.

Streaming: Bisher konnte ich weder UNDER WRAPS noch WALK INTO LIGHT bei Apple und Co. in Atmos finden.

Stand: 25.07.2026

Links:

Offizielle Webseite von Jethro Tull

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Erscheinungsjahr 2026 | Blu-ray / DOWNLOAD | Alternative Rock

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Mit GHOSTS IN THE PARK veröffentlichte Bruce Soord im Mai 2026 sein bislang persönlichstes Soloalbum. Im Gegensatz zu seiner Hauptband The Pineapple Thief nutzt er seine Soloarbeiten regelmäßig für intimere und unmittelbarere musikalische Statements. Das neue Album führt diesen Ansatz konsequent fort und rückt persönliche Erfahrungen, Erinnerungen und Verluste in den Mittelpunkt.

Die Entstehung von GHOSTS IN THE PARK erstreckte sich über einen Zeitraum von rund zwei Jahren und fiel in eine Phase intensiver Touraktivitäten mit The Pineapple Thief. Viele der Songs entstanden unterwegs in Hotelzimmern, fremden Städten und in den stillen Stunden zwischen Konzerten und Reisen. Diese ungewöhnlichen Schreib- und Aufnahmebedingungen verleihen dem Album einen beinahe tagebuchartigen Charakter.

Den emotionalen Kern des Albums bilden jedoch persönliche Schicksalsschläge. Während der Arbeiten an GHOSTS IN THE PARK verarbeitete Soord den langen gesundheitlichen Verfall und schließlich den Tod seines Vaters sowie das Fortschreiten der Alzheimer-Erkrankung seiner Mutter. Die Songs beschäftigen sich mit Erinnerung, Vergänglichkeit und den oft unscheinbaren Momenten, in denen Vergangenheit und Gegenwart aufeinandertreffen. Dabei setzt Soord auf eine ruhige, nachdenkliche Erzählweise, die den Themen zusätzliche Glaubwürdigkeit verleiht.

Musikalisch präsentiert sich GHOSTS IN THE PARK deutlich zurückhaltender als viele Veröffentlichungen von The Pineapple Thief. Akustische Gitarren und dezente Arrangements prägen das Klangbild, während die progressive Seite von Soords Songwriting eher in den Details als in ausufernden Instrumentalpassagen zum Vorschein kommt. Die meisten Instrumente spielte Soord selbst ein. Das Ergebnis ist ein bewusst reduziertes Album, das seine Wirkung weniger aus technischer Virtuosität als aus Atmosphäre, Melodie und emotionaler Direktheit bezieht.

Ergänzt wird das Album durch zwei alternative Interpretationen der Songs, die der Deluxe Edition hinzugefügt wurden. Unter dem Titel SHIPWRECKS IN THE HARBOUR präsentiert Gleb Kolyadin Piano-Versionen der Stücke, während ACOUSTIC GHOSTS die Songs in noch stärker reduzierten Akustikfassungen zeigt. Beide Bonusalben eröffnen zusätzliche Perspektiven auf das Material und unterstreichen den introspektiven Charakter der Kompositionen. Darüber hinaus liegen sowohl das Hauptalbum als auch die beiden Alternativfassungen in Dolby Atmos vor.

Tracklist:

1 Concepcion – 1:25
2 Pillars – 3:10
3 Meet Me On The Downs – 3:05
4 Kept Me Thinking – 6:34
5 Day Of Wrath – 4:21
6 Our Predicament – 3:43
7 Stared Down – 4:33
8 You Made A Promise – 2:56
9 Ghosts In The Park – 12:52

Gesamtdauer: 42:26

Die Musik:

Bruce Soord veröffentlicht seit vielen Jahren regelmäßig Soloalben zwischen den Veröffentlichungen von The Pineapple Thief. Dabei muss ich sagen, dass mich seine Soloarbeiten mittlerweile oft sogar mehr ansprechen als die Alben seiner Hauptband. Während The Pineapple Thief in den letzten Jahren immer stärker zu einer vollwertigen Band geworden sind, wirken die Soloveröffentlichungen häufig unmittelbarer und persönlicher. Genau das trifft auch auf GHOSTS IN THE PARK zu.

Wenig überraschend ist das Album von einer durchgehenden Melancholie geprägt. Angesichts der persönlichen Hintergründe wäre alles andere auch kaum vorstellbar. Musikalisch setzt Soord dabei auf einen überwiegend akustischen Ansatz. Akustikgitarren bestimmen das Klangbild, ergänzt durch dezente Keyboardflächen und gelegentliche elektrische Gitarren. Schlagzeug und größere Arrangements treten dagegen meist in den Hintergrund. Das passt hervorragend zur Entstehungsgeschichte der Songs, von denen viele unterwegs in Hotelzimmern entstanden und zunächst nicht viel mehr als Stimme und Akustikgitarre waren.

Interessanterweise fühlte ich mich beim Hören immer wieder an die frühen Jahre von The Pineapple Thief erinnert. Die ersten Alben der Band waren im Grunde ein Soloprojekt von Bruce Soord und besaßen stellenweise eine Atmosphäre, die mich damals an frühe Radiohead erinnerte. Obwohl GHOSTS IN THE PARK stilistisch nur wenig mit diesem Frühwerk gemeinsam hat, blitzt dieses Gefühl hier und da wieder auf. Es sind weniger konkrete musikalische Parallelen als vielmehr eine ähnliche Stimmung und Herangehensweise, die gelegentlich Erinnerungen an diese Zeit wecken.

Insgesamt ist GHOSTS IN THE PARK kein Album für den schnellen Effekt. Die Songs erschließen sich nicht unbedingt beim ersten Hören und verlangen etwas Geduld. Mit jedem Durchlauf entfalten sie jedoch mehr Wirkung, sodass einen das Album nach und nach in seinen Bann zieht. Gerade die Kombination aus zurückhaltenden Arrangements und der sehr persönlichen Atmosphäre macht einen großen Teil seines Reizes aus.

Wertung: 82 %

Besetzung:

Bruce Soord – vocals, instruments
Jon Sykes – Additional Bass
Gleb Kolyadin – Piano SHIPWRECKS IN THE HARBOUR

Der Surroundmix:

Dass Bruce Soords Dolby-Atmos-Mixe auf konstant hohem Niveau liegen, ist inzwischen fast selbstverständlich. Auch GHOSTS IN THE PARK bildet hier keine Ausnahme. Der Mix nutzt den gesamten Raum sehr natürlich aus, ohne dabei aufdringlich oder effekthascherisch zu wirken. Gleichzeitig ist er klanglich ausgesprochen fein ausbalanciert und unterstützt die intime Stimmung des Albums hervorragend.

Besonders die vielen Akustikgitarren profitieren von der räumlichen Aufbereitung. Sie tauchen nicht nur vorne auf, sondern werden über Seiten-, Rear- und Höhenkanäle verteilt, sodass ein sehr umhüllendes Klangbild entsteht. Elektrische Gitarren bleiben meist im Frontbereich verankert, werden aber häufig leicht nach oben versetzt. Ähnlich verfährt der Mix mit Schlagzeug und den wenigen synthetischen Klangflächen. Dadurch entsteht eine klare, luftige Staffelung, die den reduzierten Arrangements zusätzliche Tiefe verleiht.

Typisch für Soords Surround-Produktionen ist auch die Platzierung von Background-Vocals und zusätzlichen Stimmen. Diese erscheinen oft aus den Höhenlautsprechern oder hinter dem Hörplatz und verstärken die schwebende, introspektive Atmosphäre der Musik. Vereinzelt setzt der Mix auch auf dezente Bewegungen im Raum: In Stared Down driftet eine E-Gitarre subtil von hinten nach vorne und wieder zurück, und im über zwölf Minuten langen Titelstück lassen sich ähnliche Bewegungen einzelner Gitarrenspuren wahrnehmen. Kurze kreisende Percussion-Effekte in der Höhenebene sorgen zusätzlich für Räumlichkeit, bleiben aber stets songdienlich und niemals spektakulär um ihrer selbst willen.

Es gibt auf dem Album einige Passagen, die naturgemäß etwas weniger immersiv wirken. Das liegt weniger am Mix als an den bewusst sehr sparsamen Arrangements, bei denen schlicht weniger Klangmaterial im Raum verteilt werden kann. Insgesamt gehört GHOSTS IN THE PARK dennoch erneut zu den überzeugenden Atmos-Veröffentlichungen aus Bruce Soords Umfeld. Der Mix funktioniert zudem auch auf einem klassischen 5.1-Setup ausgezeichnet. Wie üblich empfiehlt Soord selbst allerdings, auf herkömmlichen Surround-Anlagen eher den eigens dafür erstellten 5.1-Mix zu nutzen, der dem Album ebenfalls beiliegt.

Auch die beiden Alternativfassungen ACOUSTIC GHOSTS und SHIPWRECKS IN THE HARBOUR liegen in Dolby Atmos vor. Trotz der nochmals reduzierteren Arrangements überzeugen auch diese Mischungen durch ihre Räumlichkeit und Feinzeichnung und zeigen, wie gut Soords intime Songstrukturen mit einem immersiven Klangformat harmonieren.

Wertung: 96 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS 96/24 5.1

LPCM 2.0

Album starten:

Auf der Blu-ray liegt das Album und die beiden Alternativfassungen in Dolby Atmos, DTS 5.1 und Stereo vor. Das Menü ist so konzipiert, dass durch Drücken der Entertaste das Hauptalbum in Dolby Atmos erklingt. Will man die beiden anderen Alben hören, muss entsprechend im Menü navigiert werden, was aber recht einfach ist:

SHIPWRECKS IN THE HARBOUR: DOWN > ENTER > ENTER

ACOUSTIC GHOSTS: DOWN > DOWN > ENTER > ENTER

Bonusmaterial:

Dieses Mal kein Bonusalbum mit komplett anderen Stücken, dafür aber gleich zwei alternative Versionen von GHOSTS IN THE PARK, die sich beträchtlich vom Original unterscheiden.

Aufwertung: + 2 %

Anspieltipp:

Ghosts In The Park, Kept Me Thinking

Fazit:

Eine weitere schöne Veröffentlichung aus dem Hause Soord.

Pros / Cons:
+ Sehr guter Atmos-Mix
+ zusätzliche Bonusalben (auch in Atmos) (+ 2 %)
+ High Res (+1)

GESAMTWERTUNG: 95 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Deluxe-Edition: Das LP große Buch mit drei CDs und einer Blu-ray gibt es für ca. 70-80 Euro.

Download: Den Dolby-Atmos-Mix von GHOSTS IN THE PARK gibt es im IAA-Shop für 25 Dollar. Für 30 Dollar gibt es noch ACOUSTIC GHOSTS dazu.

Streaming: Im Streaming gibt es davon bisher nichts in Dolby Atmos zu hören.

Stand: 07.07.2026

Links:

Offizielle Webseite von Bruce Soord

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Erscheinungsjahr: 1984 | Blu-ray / Streaming | Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Als WELCOME TO THE PLEASUREDOME im Oktober 1984 erschien, hatten Frankie Goes to Hollywood bereits erreicht, wovon die meisten Bands nur träumen konnten. Mit Relax und Two Tribes standen bereits zwei Nummer-1-Hits zu Buche, begleitet von massiver Medienpräsenz, kontroversen Diskussionen und einer Marketingkampagne, die das von Trevor Horn und Paul Morley geführte Label ZTT meisterhaft orchestrierte. Das Debütalbum erschien daher nicht als unbekannter Erstling, sondern als eines der meist erwarteten Pop-Alben des Jahres.

Entdeckt worden war die Band um Sänger Holly Johnson ein Jahr zuvor von Trevor Horn, nachdem Frankie Goes to Hollywood ihren späteren Hit Relax in der Fernsehsendung The Tube präsentiert hatten. Horn nahm die Gruppe umgehend unter Vertrag und machte sie zum Aushängeschild seines Labels. Der Erfolg von Relax, das trotz eines BBC-Sendeverbots zum Millionenhit wurde, und der Nachfolgesingle Two Tribes sorgten dafür, dass WELCOME TO THE PLEASUREDOME bereits vor seiner Veröffentlichung mehr als eine Million Vorbestellungen verzeichnete und direkt Platz 1 der britischen Charts erreichte.

Gleichzeitig verkörpert das Album wie kaum ein anderes Werk seiner Zeit den Produktionsmaximalismus der 80er-Jahre. Trevor Horn investierte enorme Mengen an Zeit und Studioressourcen in die Aufnahmen und nutzte die damals modernste Technik, darunter den Fairlight, Sequencer und zahllose Overdubs. Besonders der über 13 Minuten lange Titeltrack entwickelte sich zu einer Mammutproduktion, an der über Monate gearbeitet wurde. Das Ergebnis ist ein opulent ausgestattetes Doppelalbum, das Synth-Pop, Rock, Disco, Soundeffekte, Spoken-Word-Passagen und aufwendige Studioproduktion zu einem ebenso ambitionierten wie kontrovers diskutierten Gesamtwerk verbindet.

Fast die Hälfte der Laufzeit besteht aus Übergängen, Soundcollagen, Intros, Outros und teils recht experimentellen Passagen. Dadurch erinnert die Struktur stellenweise fast eher an ein Konzeptalbum von Art-Pop- oder Prog-Bands als an ein typisches Mainstream-Popalbum der 1980er-Jahre. Es kommt daher nicht von ungefähr, dass kein Geringerer als Steven Wilson beim Erstellen des Atmos-Mixes seine Finger im Spiel hatte.

Screenshot Tidal Music App

Tracklist:

 1 Well… / The World Is My Oyster – 1:59
2 Snatch of Fury (Stay) / Welcome to the Pleasuredome – 13:41
3 Relax (Come Fighting) – 3:57
4 War (…and Hide) – 6:14
5 Two Tribes – 3:28
6 For the Victims of Ravishment (Tag) – 0:35
7 Ferry (Go) – 1:49
8 Born to Run – 3:59
9 San José (The Way) – 3:10
10 Wish (The Lads Were Here) – 2:49
11 The Ballad of 32 – 4:49
12 Krisco Kisses – 2:59
13 Black Night White Light – 4:09
14 The Only Star in Heaven – 4:16
15 The Power of Love – 5:32
16 Bang – 1:09

Gesamtdauer: 64:25

Der Dolby Atmos Mix:

Steven Wilson hat mit WELCOME TO THE PLEASUREDOME einmal mehr einen Dolby-Atmos-Mix abgeliefert, der eindrucksvoll demonstriert, was mit diesem Format möglich ist. Zugegeben: Das Ausgangsmaterial kommt ihm dabei auch entgegen. Bereits das Originalalbum war für seine aufwendigen Arrangements, zahllosen Overdubs und die damals hochmoderne Studioproduktion bekannt. Trevor Horn nutzte Mitte der 80er-Jahre nahezu alle technischen Möglichkeiten, die ihm zur Verfügung standen, um ein möglichst opulentes Klangbild zu erschaffen. Genau diese Detailfülle überträgt Wilson nun in die dritte Dimension.

Besonders eindrucksvoll gelingt dies bereits im über 13 Minuten langen Titelstück. Schon die eröffnende Klangkulisse mit Naturgeräuschen, Vogelstimmen und umherschwirrenden Effekten verteilt sich weit über den gesamten Hörraum. Sobald die eigentliche Band einsetzt, gibt es kaum einen Lautsprecher, der nicht beschäftigt wird. Keyboards, Gitarren, Percussion und Hintergrundgesänge erscheinen gleichzeitig aus unterschiedlichen Richtungen. Immer wieder erklingen Instrumente hinter dem Hörplatz oder aus den Höhenkanälen, während zahlreiche Effekte durch den Raum wandern. Das Resultat ist ein außergewöhnlich dichtes und lebendiges Klangbild, das den Hörer förmlich umschließt.

Nahtlos geht diese Klangfülle in Relax über, das ebenfalls zu den spektakulärsten Momenten des Albums zählt. Überhaupt profitiert die Musik enorm davon, dass die Arrangements bereits im Original so reichhaltig angelegt wurden. Die zahlreichen Synthesizer, Percussion-Spuren, Chöre und Gitarren liefern Wilson reichlich Material, um den Raum konsequent auszunutzen. Besonders die Höhenkanäle werden intensiv eingebunden, ohne dabei jemals aufgesetzt zu wirken. Hinzu kommen immer wieder dezente Bewegungen einzelner Klänge, die den Eindruck eines ständig in Bewegung befindlichen Klangfeldes erzeugen.

Allerdings setzt das Album die Messlatte mit seinen ersten Titeln auch außergewöhnlich hoch. Im weiteren Verlauf gibt es immer wieder Stücke, die etwas zurückhaltender gemischt wurden oder deren Arrangements weniger spektakuläre Möglichkeiten bieten. Das Springsteen-Cover Born to Run ist hierfür ein gutes Beispiel. Zwar werden auch hier sämtliche Lautsprecherebenen genutzt, nach den zuvor gehörten Klangfeuerwerken wirkt die Präsentation jedoch beinahe schon zurückgenommen. Tatsächlich dürfte dies aber eher eine bewusste, dem jeweiligen Song dienende Entscheidung sein als ein Mangel an Kreativität.

Insgesamt gehört WELCOME TO THE PLEASUREDOME ohne Frage zu den beeindruckendsten Atmos-Veröffentlichungen der letzten Jahre. Der Mix schöpft die Möglichkeiten des Formats konsequent aus, ohne dabei den musikalischen Zusammenhang aus den Augen zu verlieren. Es gibt zwar vereinzelte Momente, in denen Hörer und Lautsprecher etwas durchatmen dürfen, insgesamt befindet sich jedoch nahezu ständig etwas in Bewegung oder an ungewohnten Positionen im Raum. Interessanterweise schließt sich damit auch ein Kreis: Bereits 1984 galt das Album als Vorzeigeproduktion für die damals modernste Studiotechnik. Vier Jahrzehnte später erfüllt der Atmos-Mix eine ganz ähnliche Funktion und demonstriert eindrucksvoll, was mit den heutigen Möglichkeiten immersiver Audiotechnik machbar ist.

Anspieltipp:

Welcome To The Pleasuredome, Relax

Fazit:

Ein Atmos-Mix in Referenzqualität.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 98 %

Verfügbarkeit:

Deluxe Edition: Ende Oktober 2025 wurde eine Deluxe Edition mit 7 CDs und einer Blu-ray veröffentlicht. Diese sollte noch erhältlich sein. Kostenpunkt ca. 120 Euro. 

SDE-Shop Blu-ray: Ebenfalls veröffentlicht wurde eine Einzel-Blu-ray über Superdeluxeedition.com. Diese kann nur noch gebraucht erworben werden, in der Regel für weit über 50 Euro.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von WELCOME TO THE PLEASUREDOME gibt es bei entsprechendem Abo bei Tidal zu hören. Bei Apple Music konnte ich das Album nicht finden. Ob es bei Amzon Music zu finden ist, kann ich nicht sagen.

Stand: 29.06.2026

Links:

Offizielle Webseite von Frankie Goes To Hollywood

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Erscheinungsjahr 1975 | Blu-ray Disc / Streaming | Electronic

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Nach dem internationalen Erfolg von AUTOBAHN stand Kraftwerk 1975 vor der Aufgabe, den überraschenden Durchbruch zu bestätigen. Anstatt jedoch einfach an die Formel des Vorgängers anzuknüpfen, entwickelten Ralf Hütter und Florian Schneider mit RADIO-ACTIVITY ein deutlich konsequenteres Konzept. Das fünfte Studioalbum der Düsseldorfer gilt heute als das erste komplett elektronische Werk der Band.

Im Mittelpunkt steht dabei die doppelte Bedeutung des Titels: Einerseits die Radioaktivität als physikalisches Phänomen, andererseits die Aktivität im Äther, also die Welt des Rundfunks und der Funkübertragung.

Mit RADIO-ACTIVITY festigte sich zugleich die klassische Kraftwerk-Besetzung aus Ralf Hütter, Florian Schneider, Karl Bartos und Wolfgang Flür. Das Album entstand vollständig im eigenen Kling-Klang-Studio in Düsseldorf, das der Band erstmals die vollständige Kontrolle über Produktion, Gestaltung und Vermarktung ihrer Musik ermöglichte. Parallel gründeten Kraftwerk ihren eigenen Musikverlag und legten damit den Grundstein für die weitgehende Unabhängigkeit, die ihre weitere Karriere prägen sollte.

Rückblickend gilt RADIO-ACTIVITY als Übergangswerk zwischen dem eher offenen, experimentellen Charakter von AUTOBBAHN und den späteren, streng konzipierten Alben TRANS-EUROPA EXPRESS und DIE MENSCH-MASCHINE. Obwohl das Werk bei seiner Veröffentlichung teilweise als kühl und minimalistisch wahrgenommen wurde, entwickelte es sich zu einem wichtigen Einfluss auf New Wave, Synth-Pop und die spätere elektronische Tanzmusik. Besonders die Titelsingle Radioactivity gewann über die Jahrzehnte zusätzliche Bedeutung und wurde durch spätere Überarbeitungen der Band zu einer internationalen Anti-Atom-Hymne.

Zum 50. Geburtstag des Albums wurde nun ein neuer Mix in Dolby Atmos vorgestellt, der nicht nur auf Streamingportalen gehört werden kann, sondern auch wie AUTOBAHN im letzten Jahr als Blu-ray veröffentlicht wurde. Erstellt wurde er wieder von Fritz Hilpert mit Ralf Hütter.

Tracklist:

 1 Geiger Counter – 1:07
2 Radioactivity – 6:42
3 Radioland – 5:51
4 Airwaves – 4:40
5 Intermission – 0:39
6 News – 1:17
7 The Voice of Energy – 0:55
8 Antenna – 3:43
9 Radio Stars – 3:35
10 Uranium – 1:27
11 Transistor – 2:15
12 Ohm Sweet Ohm – 5:39

Gesamtdauer: 37:51

Die Musik:

Musikalisch verfolgt RADIO-ACTIVITY einen deutlich reduzierteren Ansatz als sein Vorgänger. Während AUTOBBAHN noch auf eine Mischung aus elektronischen Klängen und traditionellen Instrumenten setzte, dominiert hier erstmals eine vollständig synthetische Klangwelt. Synthesizer, Vocoder, elektronische Percussion und Radiogeräusche bilden das Fundament der Kompositionen. Geigerzähler, Morsezeichen, Rauschen und Nachrichtenschnipsel werden nicht nur als Effekte eingesetzt, sondern sind integraler Bestandteil der musikalischen Struktur. Dadurch entsteht eine Atmosphäre, die gleichermaßen technisch, futuristisch und erstaunlich intim wirkt.

Gleichzeitig zeigt das Album eine stärkere Konzentration auf kurze, prägnante Themen und wiederkehrende Motive. Die langen, organisch entwickelten Strukturen von AUTOBAHN weichen einer strengeren Formensprache, die bereits die späteren Meisterwerke der Band vorwegnimmt. Stücke wie Radioland, Antenna oder Ohm Sweet Ohm verbinden minimalistische Melodien mit präzise konstruierten elektronischen Arrangements und verdeutlichen, wie Kraftwerk ihren charakteristischen Stil weiter verfeinerten. Neben diesen Stücken, die noch deutlichen Songcharakter aufweisen, enthält das Album aber auch eine Reihe an avandgardistischen Klangcollagen, wodurch es auch als das sperrigste Werk ihrer Hauptphase angesehen werden könnte.

Auch sprachlich nimmt RADIO-ACTIVITY innerhalb der Kraftwerk-Diskografie eine Sonderstellung ein. Zwar erschien das Album sowohl als RADIO-ACTIVITY als auch als RADIO-AKTIVITÄT, die Unterschiede beschränken sich jedoch auf Titel, Covergestaltung und Beschriftungen. Die Musik selbst ist identisch. Auf mehreren Stücken wechseln deutsche und englische Textpassagen innerhalb derselben Aufnahme. Andererseits sind Stücke wie News (Nachrichten) und The Voice of Energy (Die Stimme der Energie) weiterhin komplett auf deutsch. Nach dem internationalen Erfolg von AUTOBAHN, das überwiegend in deutscher Sprache gehalten war, öffnete sich die Band damit bewusst einem breiteren Publikum. Erst mit dem Nachfolger TRANS-EUROPA EXPRESS begann Kraftwerk, eigenständige deutsche und englische Sprachversionen ihrer Alben zu produzieren.

Wertung: 76 %

Besetzung:

 Ralf Hütter – vocals, synthesizers, Orchestron, electronic piano, drum machine, electronics
Florian Schneider – vocals, vocoder, votrax, synthesizers, electronics
Karl Bartos – electronic percussion
Wolfgang Flür – electronic percussion

Der Surroundmix:

Der Dolby-Atmos-Mix von RADIO-ACTIVITY demonstriert einmal mehr eindrucksvoll, welches Potenzial in einer offensiven Verteilung elektronischer Klänge innerhalb eines dreidimensionalen Klangfeldes steckt. Besonders deutlich wird dies bei den Stücken mit klassischer Songstruktur. Synthesizer-Melodien, Sequenzen und elektronische Rhythmusmuster werden konsequent über alle Lautsprecherebenen verteilt. Rhythmische Elemente verbleiben dabei nicht ausschließlich auf der Front, sondern erscheinen ebenso aus den Rear-Lautsprechern oder den Höhenkanälen. Flächige Klänge und Orchestron-Sounds schweben teilweise förmlich über dem Hörplatz und verleihen Titeln wie Radioland, Airwaves oder Ohm Sweet Ohm eine beeindruckende räumliche Tiefe. Auffällig ist dabei, wie intensiv die vertikale Ebene genutzt wird. Dennoch funktioniert die Abmischung auch auf einem klassischen 5.1-System hervorragend und verliert dort nur wenig von ihrer Wirkung.

Das Konzept des Albums kommt dem Atmos-Format zusätzlich entgegen. Da sich RADIO-ACTIVITY inhaltlich mit Radiowellen, Frequenzen, elektromagnetischen Signalen und radioaktiven Prozessen beschäftigt, finden sich zahlreiche bewegte Klangeffekte im Mix. Signale wandern durch den Raum, kreisen um den Hörer oder bewegen sich von vorne nach hinten und zurück. Gerade diese Bewegungen wirken nie wie ein Selbstzweck, sondern unterstützen die technische und futuristische Atmosphäre des Albums. Immer wieder entstehen Momente, die selbst erfahrene Surround-Hörer überraschen können.

Gleichzeitig unterscheidet sich RADIO-ACTIVITY deutlich von den späteren Kraftwerk-Alben. Ein großer Teil der Laufzeit besteht aus kurzen Klangstudien, Soundcollagen und experimentellen Zwischenspielen, die oft nur aus wenigen Klangquellen aufgebaut sind. Auch diese profitieren grundsätzlich von der räumlichen Aufbereitung. Besonders gelungen ist etwa News, bei dem Nachrichtenschnipsel aus unterschiedlichen Richtungen des Raumes erklingen und der Eindruck mehrerer gleichzeitig laufender Radiogeräte entsteht. In The Voice of Energy wird die einzelne Vocoder-Stimme dagegen wirkungsvoll in die Höhenebene verlagert, wodurch sie wie eine über dem Hörer schwebende Ansage eines elektrischen Gottes erscheint.

Naturgemäß wirken diese minimalistischen Klangcollagen jedoch weniger spektakulär als die eigentlichen Songs des Albums. Wo lediglich ein oder zwei Klangelemente vorhanden sind, gibt es weniger Möglichkeiten für komplexe Rauminszenierungen als bei den reich instrumentierten Stücken. Dennoch gelingt es dem Atmos-Mix, selbst den experimentelleren Passagen zusätzliche Tiefe und Präsenz zu verleihen. Seine größten Stärken spielt er jedoch dort aus, wo Kraftwerks elektronische Arrangements in voller Ausprägung zu hören sind und sich die zahlreichen Klangschichten frei im Raum entfalten können.

Wertung: 95 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master Audio 5.1

LPCM 2.0

Album starten:

Das Album kann ohne Zuschalten des Fernsehers per Enter-Taste in Dolby Atmos gestartet werden.

Bonusmaterial:

Auf der Blu-ray befindet sich kein weiteres Bonusmaterial.

Anspieltipp:

Radioactivity, Radioland

Fazit:

Ein weiterer sehr schöner Mix von Kraftwerk in Dolby Atmos.

Pros / Cons:
+ sehr guter Mix in Dolby Atmos
+ High Resolution (+1 %)
 

GESAMTWERTUNG: 90 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Die Ausgabe ist frisch auf dem Markt und für ca. 20-25 Euro zu bekommen.

Streaming: RADIO-ACTIVITY kann auch im Streaming bei Apple Music, Amazon Music und Tidal in Dolby Atmos gehört werden.

Stand: 23.06.2026

Links:

Offizielle Seite von Kraftwerk

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Erscheinungsjahr 2026 | Blu-ray / Streaming | Alternative Rock

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Mit IN TIMES OF DRAGONS veröffentlichte Tori Amos gerade ihr 18. Studioalbum, welches zudem von SuperDeluxeEdition.com direkt Bestandteil der Surround Sound Series wurde und auf Blu-ray in Dolby Atmos erschienen ist. Es ist mittlerweile Teil 61 der Serie.

Nach mehreren eher persönlichen und introspektiven Werken richtet Tori Amos den Blick diesmal wieder stärker nach außen und verbindet gesellschaftspolitische Themen mit einer metaphorischen Fantasy-Erzählung. Das Album entstand in ihrer Wahlheimat Cornwall. Unterstützt wurde sie erneut von langjährigen Weggefährten wie Matt Chamberlain, Jon Evans und ihrem Lebensgefährten Mark Hawley.

Inhaltlich erzählt IN TIMES OF DRAGONS eine moderne Fabel über Demokratie, Tyrannei und gesellschaftliche Spaltung. Im Mittelpunkt steht eine wohlhabende Frau, die vor ihrem autoritären Ehemann flieht und auf ihrer Reise durch die USA unterschiedlichsten Figuren begegnet. Amos arbeitet dabei mit einer Vielzahl symbolischer Bilder, insbesondere mit Drachen und sogenannten „Lizard Demons“, die für autoritäre und demokratiefeindliche Kräfte stehen. Die Geschichte wirkt wie ein düsteres Roadmovie voller politischer und persönlicher Traumata, gleichzeitig aber auch wie eine Suche nach Hoffnung und Veränderung.

Dabei bleibt vieles bewusst metaphorisch und offen formuliert. Mehrere Songs entstanden gemeinsam mit ihrer Tochter Natashya Hawley, die auf dem Album auch verschiedene Rollen innerhalb der Geschichte verkörpert. Gerade dadurch wirkt das Werk trotz seiner politischen Ebene oft erstaunlich persönlich und intim. Bereits auf ihrem 2014 erschienenen Album UNREPENTANT GERALDINES konnte man ihre Tochter bei einem Duett hören, die damals noch hörbar im Teenager-Alter steckte. Ihre heutige Stimme dagegen erinnert stark an die junge Tori Amos.

Tracklist:

1 Shush – 6:15
2 In Times of Dragons – 4:50
3 Provincetown – 5:06
4 St. Teresa – 6:19
5 Gasoline Girls – 2:56
6 Ode to Minnesota – 1:34
7 Fanny Faudrey – 1:47
8 Veins – 3:59
9 Strawberry Moon – 4:10
10 Song of Sorrow – 6:19
11 Flood – 4:03
12 Pyrite – 3:34
13 Tempest – 5:18
14 Angelshark – 3:47
15 Blue Lotus – 6:03
16 Stronger Together – 3:14
17 23 Peaks – 6:42

Gesamtdauer: 76:02

Die Musik:

Düster ist die Geschichte, die das Konzeptalbum zusammenhält, und überraschend düster ist auch das Album selbst geworden. An den wohlklingenden Piano-Pop der früheren Werke von Tori Amos erinnert nur noch wenig. Ihre Stimme ist altersbedingt mittlerweile deutlich dunkler und rauer geworden, was mir bereits beim Konzert vor einigen Wochen aufgefallen ist, das ich noch vor der Albumveröffentlichung besucht habe.

Klar ist ihr Bösendorfer-Flügel in den meisten Stücken wieder das Hauptinstrument, wobei sie bewusst häufiger in tieferen Lagen spielt. Zudem gibt es auf IN TIMES OF DRAGONS einen größeren Einsatz von Synthesizern. Das letzte Stück 23 Peaks kommt sogar gänzlich ohne Klavier aus und ist stark von Ambient-Klängen geprägt. Beim Sounddesign musste ich bei einigen Songs immer wieder an Peter Gabriel denken. St. Teresa klingt mit dem afrikanisch anmutenden Gitarrenpicking fast wie eine kleine Schwester von Secret World.

Aufgrund der bedrückenden Stimmung ist dies ein eher untypisches Album von Tori Amos, das unbedingt mehrere Hördurchläufe benötigt. Schon allein wegen der Laufzeit von 76 Minuten kann es sich beim ersten Hören kaum vollständig erschließen.

Wertung: 84 %

Besetzung:

  Tori Amos – piano, synthesizers, keyboards, harpsichord, vocals
Matt Chamberlain – drums, percussion, drum programming, electronics
Jon Evans – basses
Mark Hawley – guitars
John Philip Shenale – synthesizers, samplers, orchestral arrangements
Natashya Hawley – additional vocals

Der Surroundmix:

Der Atmos-Mix hinterlässt beim ersten Hördurchlauf zunächst einen eher unscheinbaren Eindruck. Genau wie die Musik selbst braucht allerdings auch die Abmischung mehrere Durchläufe, um sich vollständig zu entfalten. Mit der Zeit wird deutlich, wie viele kleine Details hier im Raum versteckt wurden. Immer wieder entdeckt man Sounds, die beim ersten oder zweiten Hören kaum auffielen und sich erst später dezent irgendwo im Raum bemerkbar machen.

Toris Bösendorfer-Flügel ist meist vorne positioniert und wirkt im Vergleich zu ihrer Stimme, die ebenfalls frontal ortbar bleibt, etwas weiter in den Raum geschoben. Bei einigen Stücken scheint das Klavier zudem sehr breit im Panorama abgemischt zu sein, gelegentlich lässt es sich auch leicht erhöht wahrnehmen.

Wie eigentlich immer bei Alben von Tori Amos gibt es auch hier zahlreiche zusätzliche Stimmen, Chöre und Backing Vocals, die wie erwähnt teilweise von ihrer Tochter Natashya gesungen werden und die stellenweise auch als Duettpartnerin fungiert. Diese zusätzlichen Stimmen erklingen häufig hinten oder oben im Raum. Teilweise sind sie auch seitlich verteilt, was einen sehr schönen räumlichen Effekt erzeugt. Die wenigen Gitarren, die auf dem Album zu hören sind, werden meist im hinteren Bereich positioniert, wo sie einen gelungenen Kontrast zu den tiefen und schweren Klavierklängen bilden. Dort wirken sie sehr passend eingesetzt.

Für ein Tori-Amos-Album vergleichsweise ungewohnt ist der recht hohe Anteil an Keyboards, Synthesizern und weiteren dezenten elektronischen Effekten. Auch gesampelte Orchesterklänge tauchen immer wieder auf. Diese Elemente werden im gesamten Raum verteilt und bilden das eigentliche Fundament des räumlichen Mixes. Synthesizerflächen schweben häufig etwas höher positioniert durch den Raum, während andere Keyboard- und E-Piano-Klänge eher hinten erklingen. Insgesamt sind diese Sounds allerdings meist sehr dezent eingebunden und fallen beim oberflächlichen Hören zunächst kaum auf. Bei einigen Songs spielt Tori Amos statt ihres Flügels auch E-Piano oder Cembalo, wobei diese Instrumente dann wieder eher frontal im Mix platziert sind.

Die Rhythmussektion bleibt dagegen vergleichsweise klassisch. Das akustische Schlagzeug kommt überwiegend von vorne, während Drum-Programming und zusätzliche Percussion-Elemente immer wieder über den gesamten Raum verteilt werden, meist hinten, gelegentlich aber auch oben. Der Bass ist in vielen Stücken angenehm kraftvoll und nicht einfach starr vorne positioniert, sondern häufig eher mittig im Raum verankert. Auch er wagt gelegentlich kleinere Ausflüge in die hinteren Bereiche.

Es gibt durchaus Alben, die noch deutlich immersiver abgemischt wurden. Insgesamt macht der Atmos-Mix von IN TIMES OF DRAGONS aber eine sehr gute Figur, weil er ausgesprochen geschmackvoll umgesetzt wurde. Die Räumlichkeit drängt sich nie unnötig in den Vordergrund, sondern unterstützt die Musik und lässt sie auf natürliche Weise lebendiger wirken.

Wertung: 92 %

Vorhandene Tonformate:

Dolby Atmos

DTS HD Master 5.1

PCM Stereo

Album starten:

Das Album startet in Dolby Atmos, wenn man im Menü die Enter Taste drückt. Perfekt.

Bonusmaterial:

Wie meistens bei einer SDE-Veröffentlichung gibt es auch hier Bonusmaterial, bei dem man sich fragen könnte, ob es das gebraucht hätte. So gibt es auch bei diesem Konzeptalbum, bei dem die Texte keine unwesentliche Rolle spielen, das Album im Instrumentalmix (in Atmos und Stereo). Der Karaoke-Abend kann kommen!

Aufwertung: + 0,5 %

Anspieltipp:

St. Teresa, Stronger Together, 23 Peaks

Fazit:

Ein weiteres schönes Album von Tori Amos mit überwiegend sehr gutem Atmos-Mix.

Pros / Cons:
+ sehr guter Dolby Atmos Mix
+ etwas Bonusmaterial für den Karaoke-Abend (+ 0,5 %)
+ High-Res (+1%)

GESAMTWERTUNG: 91 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Diese Ausgabe ist Bestandteil der SDE-Series und war nur im Shop von Superdeluxeeditions.com für etwa 40 Euro inkl. Versand vorzubestellen. Restbestände dürften aber noch verfügbar sein.

Streaming: Den Dolby Atmos Mix gibt es auch bei entsprechendem Abo bei Apple Music und wahrscheinlich auch bei Amazon und Tidal zu hören.

Stand: 11.06.2026

Links:

Offizielle Webseite von Tori Amos

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Erscheinungsjahr 1976 | Blu-ray Disc | Jazzrock

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Bevor in den nächsten Wochen in erster Linie aktuelle Veröffentlichungen besprochen werden, soll es hier nochmal um einen Klassiker gehen, der vor fast zehn Jahren auf Blu-ray erschienen ist. Damals brachte Rhino die Blu-ray-Box QUADIO von Chicago heraus, die alle quadrofonischen Veröffentlichungen der amerikanischen Band beinhaltete. Ich habe seitdem fast alle Alben immer wieder mal besprochen, aber CHICAGO X fehlte bisher. Da es in diesem Jahr seinen 50. Geburtstag feiert, will ich das noch schnell nachholen. (Auch CHICAGO IX hatte ich noch nicht besprochen, dieses lasse ich aber außen vor, da es sich um eine Greatest-Hits-Zusammenstellung handelt.)

Mitte der 70er gehörten Chicago längst zu den erfolgreichsten Bands der USA. Die Gruppe hatte eine beeindruckende Serie erfolgreicher Alben veröffentlicht und verband Rock, Jazz, Soul und aufwendige Bläserarrangements zu einem damals unverwechselbaren Sound. Nach den intensiven Jahren zuvor machte die Band jedoch erstmals eine etwas längere Pause, nachdem das letzte Studioalbum CHICAGO VIII unter recht erschöpften Bedingungen entstanden war. Als die Musiker 1976 wieder ins Studio gingen, wirkte die Band deutlich konzentrierter und frischer.

Tracklist:

1 Once or Twice – 3:03
2 You Are on My Mind – 3:24
3 Skin Tight – 3:20
4 If You Leave Me Now – 3:58
5 Together Again – 3:53
6 Another Rainy Day in New York City – 3:01
7 Mama Mama – 3:31
8 Scrapbook – 3:28
9 Gently I’ll Wake You – 3:36
10 You Get It Up – 3:34
11 Hope for Love – 3:03

Gesamtdauer: 37:51

Die Musik:

Musikalisch zeigt sich CHICAGO X deutlich kompakter und radiofreundlicher als viele der früheren Werke der Band. Während ältere Alben oft ausgedehnte Songs, komplexe Arrangements und lange Suiten enthielten, konzentriert man sich hier fast ausschließlich auf relativ kurze, eingängige Stücke mit klaren Hooklines. Besonders erfolgreich wurde dabei If You Leave Me Now, die von Peter Cetera geschriebene Ballade, die Chicagos erster Nummer-1-Hit wurde und das öffentliche Bild der Band nachhaltig verändern sollte.

Trotz der stärkeren Pop-Ausrichtung bleibt der typische Chicago-Sound weiterhin erkennbar. Die markanten Bläsersätze sind weiterhin präsent, wirken jedoch meist gezielter und weniger ausufernd eingesetzt als auf den frühen Alben. Dazu kommen funkige Grooves, Soul-Einflüsse und Balladen, die den Sound insgesamt glatter und zugänglicher erscheinen lassen. Stücke wie Skin Tight oder Once or Twice zeigen noch deutlich die rhythmische und jazzige Seite der Band, während Songs wie Mama Mama oder der Schmachtfetzen If You Leave Me Now bereits die spätere, stärker balladenorientierte Entwicklung andeuten. Gerade dieses Album zeigt meiner Meinung nach ganz gut, dass 20 Jahre später eine Band wie Jamiroquai von Chicago stark beeinflusst war.

Wertung: 72 %

Besetzung:

   Peter Cetera – bass, lead and backing vocals
Terry Kath – electric guitars and acoustic guitar, lead and backing vocals
Robert Lamm – keyboards, lead and backing vocals
Lee Loughnane – trumpet, backing vocals, lead vocals
James Pankow – trombone, lead vocals, backing vocals
Walter Parazaider – woodwinds, backing vocals
Danny Seraphine – drums, backing vocals
Laudir de Oliveira – percussion, backing vocals

David J. Wolinski – keyboards
James William Guercio – lead and rhythm acoustic guitars, lead acoustic guitars
Vince DeRosa – French horns
David Duke – French horns
Othello Molineaux – steel drums
Leroy Williams – steel drums
Jimmie Haskell – string and brass orchestration, conductor

Der Surroundmix:

Ab 1974 begann Chicago damit, ihre Studioalben auch in Quadrophonie zu veröffentlichen, was angesichts des enormen Erfolgs der Band in den USA ein logischer Schritt war. CHICAGO X erschien wohl nahezu zeitgleich sowohl in der regulären Stereo- als auch in der Quad-Version. Für den Quadmix war erneut Wayne Tarnowski verantwortlich, der bereits die beiden vorherigen Chicago-Alben in Quadrophonie abgemischt hatte.

Auch bei diesem Mix zeigt sich sofort das typische Prinzip der damaligen Chicago-Quadmixe. Der Hörer wird regelrecht vom charakteristischen Bandsound umgeben. Im hinteren Bereich des Raumes befinden sich vor allem Keyboards, die Bläser und immer wieder Gitarrenparts. Dazu kommen Percussion-Elemente sowie Chorstimmen, die ebenfalls häufig aus den Rear-Lautsprechern erklingen. Vorne verbleiben überwiegend Leadgesang, Bass und Schlagzeug, wobei einzelne Gitarren auch frontal gemischt wurden. Auffällig bleibt allerdings erneut, dass der Leadgesang für heutige Hörgewohnheiten vergleichsweise leise ausgefallen ist und sich gegen die dichten Arrangements nur schwer behaupten kann. Das zieht sich im Grunde durch nahezu alle klassischen Chicago-Quadmixe.

Natürlich gibt es auch hier einige Ausnahmen in der Verteilung im Raum, besonders bei solierenden Instrumenten. Gitarren- oder Bläsersoli werden fast immer prominent vorne platziert. Im sechsten Stück Another Rainy Day in New York City fällt zudem ein Solo auf der Steel Drum auf, das ebenfalls klar frontal abgemischt wurde. Gleichzeitig finden sich immer wieder interessante Variationen in der Instrumentenverteilung. Besonders gelungen wirkt dabei If You Leave Me Now. Hier erklingen die akustischen Gitarren überwiegend aus dem hinteren Bereich, während die Keyboards eher vorne wahrnehmbar sind. Gemeinsam mit den ebenfalls hinten positionierten Streichern entsteht dadurch eine sehr atmosphärische und eindrucksvolle Raumwirkung. Die Hörner bleiben dagegen weiter vorne und leicht zur Raummitte versetzt. Gerade bei diesem Stück fällt zudem auf, wie viele akustische Gitarren überhaupt im Arrangement enthalten sind, die im weiteren Verlauf teilweise auch frontal hervortreten.

Ein weiteres Highlight des Quadmixes ist für mich Scrapbook. Hier kommen vor allem die Percussion-Elemente im hinteren Bereich hervorragend zur Geltung. Besonders gut gefällt mir dabei die Staffelung des Klangbildes. Es wird eben nicht einfach alles pauschal nach hinten gelegt, sondern die Bläser befinden sich eher vorne beziehungsweise leicht seitlich in Richtung Raummitte. Genau dadurch wirkt der Mix immersiver als manche anderen Stücke des Albums.

Wertung: 91 %

Vorhandene Tonformate:

DTS HD Master 4.0

DTS HD Master Stereo

Album starten:

Der Quad-Mix startet sofort, nachdem die Blu-ray geladen wurde. Perfekt.

Bonusmaterial:

Auf diesem Album, wie auch auf den anderen Alben der Quadio-Box gibt es keine Extras. Was aber unbedingt erwähnt werden muss, ist die Art der Verpackung des Albums. Es kommt in einem Mini-Vinyl-Cover wie es auch in den 70ern veröffentlicht wurde. Sogar eine Minischutzhülle hat man der Blu-ray spendiert. Zudem beinhalten die Alben noch die Beigaben, die auch die Erstveröffentlichungen damals hatten, wie Textbeilagen, Poster, Bügelbilder und so weiter. Das macht die gesamte Box auch von außen sehr hochwertig. CHICAGO X enthält ein Miniposter.

Anspieltipp:

Scrapbook, If You Leave Me Now

Fazit:

Die gesamte Quadio-Box ist ein Muss für jeden Surround- und Chicago-Fan. Dies gilt auch für CHICAGO X.

Pros / Cons:
+ Gute quadrophonische Abmischung
+ High Resolution (+1 %)
+ Album startet automatisch
– leider keine Downloadcodes enthalten, um das Album auch unterwegs zu hören.

GESAMTWERTUNG: 86 %

Erläuterungen zur Bewertung

Verfügbarkeit:

Blu-ray: Das Album gibt es nur in der Gesamt Quadio-Box, die schon damals schwer zu bekommen war und heute noch schwieriger zu bekommen ist. Die Gebrauchtpreise gingen zuletzt etwas runter (ca. 350 Euro), was daran liegen könnte, dass einiges bereits in Atmos verfügbar ist. Ich könnte mir vorstellen, dass in diesem Jahr auch noch CHICAGO X in Atmos erscheint, immerhin ist da ihr größter Hit drauf.

Stand: 29.05.2026

Links:

Offizielle Seite von Chicago

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Erscheinungsjahr: 1981 | STREAMING / Blu-ray | Pop

Eine Dolby Atmos Streaming Review

Das Album DARE von The Human League ist ein weiterer Klassiker der 80er-Jahre, der vor einiger Zeit von Superdeluxeedition.com auf Blu-ray in Dolby Atmos veröffentlicht wurde. Bereits seit einiger Zeit war der Mix auch auf den Streaming Portalen in Atmos erhältlich. Das Album wurde im Oktober 1981 erstmals veröffentlicht und ist das dritte Studioalbum der Band.

Nach internen Spannungen verließen die Gründungsmitglieder Martyn Ware und Ian Craig Marsh die Band (und gründeten Heaven 17), wodurch Sänger Philip Oakey praktisch vor einem Neuanfang stand. Gemeinsam mit Philip Adrian Wright stellte er kurzfristig eine neue Besetzung zusammen, darunter Joanne Catherall und Susan Ann Sulley, die zunächst eher als visuelle Ergänzung gedacht waren und später zu prägenden Stimmen des Albums wurden.

Die Band stand finanziell unter Druck und musste schnell neues Material liefern, um ihren Vertrag zu rechtfertigen. Erste Demoaufnahmen entstanden in Sheffield, während die Single The Sound of the Crowd bereits andeutete, dass der neue, zugänglichere Ansatz funktionieren könnte. Der Fokus verschob sich weg von experimenteller Elektronik hin zu strukturierten Songs mit stärkerem Pop-Appeal.

Die eigentlichen Aufnahmen fanden zwischen März und September 1981 unter der Leitung von Martin Rushent statt. In seinem Genetic Sound Studio entstand ein Album, das auf den Einsatz von Drum-Machines und Sequencern setzte. Besonders die damals neue Linn LM-1 prägte den Rhythmus vieler Stücke. Gleichzeitig wurde großer Wert auf Details gelegt, etwa durch aufwendige Overdubs oder ungewöhnliche Methoden zur Klangerzeugung, bei denen auch reale Räume für Hall-Effekte genutzt wurden.

Mit der Veröffentlichung entwickelte sich DARE schnell zum kommerziellen Durchbruch. Die Single Don’t You Want Me wurde zum internationalen Hit und trug maßgeblich dazu bei, dass sich das Album millionenfach verkaufte und die Band schlagartig in die erste Reihe des Pop katapultierte.

Screenshot Tidal App

Tracklist:

1 The Things That Dreams Are Made Of – 4:14
2 Open Your Heart – 3:53
3 The Sound of the Crowd – 3:56
4 Darkness – 3:56
5 Do or Die – 5:25
6 Get Carter – 1:02
7 I Am the Law – 4:09
8 Seconds – 4:58
9 Love Action (I Believe in Love) – 4:58
10 Don’t You Want Me – 3:56

Gesamtdauer: 40:53

Der Dolby Atmos Mix:

Der Atmos-Mix von DARE kommt im Internet nicht besonders gut weg. Vor allem im Quadforum wird er stellenweise regelrecht zerrissen. Ich hatte das Album deshalb schon länger auf meiner Rezensionsliste stehen, es aber immer wieder vor mir hergeschoben. Vor kurzem schrieb mir Mike, dass er sich den Mix angehört habe und ihn gar nicht so schlecht finde. Also habe ich nun selbst einmal genauer hingehört.

Und tatsächlich frage auch ich mich, woher die teils harsche Kritik kommt. Möglicherweise liegt es an einer gewissen Erwartungshaltung. In den vergangenen Jahren gab es einige Atmos-Abmischungen von 80er-Synthpop-Alben, die eindrucksvoll gezeigt haben, was mit diesem Format möglich ist. An diese Referenzklasse reicht DARE zwar nicht heran, doch gleichzeitig handelt es sich keineswegs um einen rein frontlastigen Mix, bei dem praktisch alles nur vorne stattfindet.

Es stimmt allerdings, dass sich direkt hinter dem Hörplatz vergleichsweise wenig abspielt. Vereinzelte Sounds tauchen dort zwar immer wieder auf, über die gesamte Albumlänge betrachtet bleibt der Rear-Bereich jedoch eher zurückhaltend genutzt. Dafür passiert seitlich und insbesondere in den Höhenkanälen umso mehr. Zahlreiche Synthesizerklänge wurden dort positioniert. Dabei hatte ich den Eindruck, dass bassbetonte Sequencer eher bodennah bleiben, während höhere Synthsounds bewusst weiter oben angesiedelt wurden, was einen durchaus interessanten Effekt erzeugt. Auch einzelne Beats tauchen immer wieder in den Heights auf, während Fills gelegentlich seitlich oder leicht hinter dem Hörplatz erscheinen. Zudem wurden die weiblichen Backing Vocals häufig erhöht positioniert. Teilweise schweben einzelne Klänge sogar direkt über dem Kopf umher.

Gerade im hinteren Bereich des Raumes hatte ich dabei oft das Gefühl, dass die hinteren Height-Speaker mehr beschäftigt werden als die klassischen Rear-Lautsprecher am Boden oder teilweise sogar die vorderen Höhenkanäle. Dadurch werden die kritischen Stimmen zumindest etwas nachvollziehbarer. Auf Setups mit lediglich zwei vorderen Höhenlautsprechern dürfte der Mix deutlich frontlastiger wirken. Gleiches gilt vermutlich auch für einen Downmix auf herkömmliches 5.1.

Insgesamt bleibt es ein Mix, bei dem durchaus noch mehr möglich gewesen wäre. Gleichzeitig ist er aber auch deutlich besser als sein Ruf. Ich empfand die Abmischung insgesamt als recht stimmig und atmosphärisch passend zur Musik.

Anspieltipp:

The Sound of The Crowd, Open Your Heart

Fazit:

Guter Atmos Mix, dem aber noch einiges zum sehr gut fehlt.

WERTUNG DOLBY ATMOS MIX: 83 %

Verfügbarkeit:

Streaming: Den Dolby Atmos Mix von DARE gibt es bei entsprechendem Abo bei Tidal zu hören. Bei Apple Music konnte ich ihn nicht finden, Amazon Music Unlimited konnte ich nicht überprüfen.

Blu-Ray: Die Blu-ray wurde von Superdeluxeedition aufgelegt, Restbestände gibt es immer noch im Shop für 25 Pfund. Inklusive Versand kommt man da auf etwa 40 Euro.

Stand: 17.05.2026

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Neue Veröffentlichungen in Surround Sound und Dolby Atmos 2026 – TEIL 1

Auch 2026 geht der Strom an neuen Surround- und Dolby-Atmos-Veröffentlichungen weiter. Neben einigen lang erwarteten Neuauflagen klassischer Progressive-Rock- und Artrock-Alben erscheinen auch neue Studioalben und weitere exklusive Blu-ray-Audio-Titel aus dem Umfeld von SuperDeluxeEdition.

Wie gewohnt gibt es hier einen Überblick über die wichtigsten physischen Veröffentlichungen im Bereich 5.1 und Dolby Atmos. Die Preise dienen lediglich als grobe Orientierung und können je nach Händler variieren. In den nächsten Wochen und Monaten werde ich auf die eine oder andere Veröffentlichung detailliert eingehen.

Bereits veröffentlicht:

Yes – TALES FROM TOPOGRAPHIC OCEANS

Rhino veröffentlichte Anfang Februar eine neue Super Deluxe Edition des Progressive-Rock-Klassikers TALES FROM TOPOGRAPHIC OCEANS von Yes. Die umfangreiche Box enthält 12 CDs, 2 LPs sowie eine Blu-ray mit neuen Dolby-Atmos- und 5.1-Mixen von Steven Wilson. Zusätzlich sind zahlreiche Raritäten und Liveaufnahmen enthalten.

Format: 12CD + 2LP + Blu-ray Audio
EAN: 0603497811458
Preis: ca. 150 €

Big Big Train – WOODCUT

Die Progressive-Rock-Band Big Big Train veröffentlichte mit WOODCUT ein neues Album inklusive Blu-ray Audio mit Dolby-Atmos-Mix von Shawn Dealey.

Format: CD + Blu-ray Audio
EAN: 0198029779127
Preis: ca. 22 €

Paul Draper – MANSUN RETOLD

Mit MANSUN RETOLD veröffentlichte der ehemalige Mansun-Frontmann Paul Draper neue Interpretationen von Material seiner früheren Band. Die Veröffentlichung erschien als Mediabook mit zwei CDs und Blu-ray inklusive Dolby-Atmos- und 5.1-Mixen von Paul PDub Walton.

Format: 2CD + Blu-ray im Mediabook
EAN: 0802644805955
Preis: ca. 100 €

Hawkwind – HAWKWIND

Das selbstbetitelte Debütalbum von Hawkwind erhielt Ende Februar eine neue Mehrkanal-Neuauflage. Enthalten ist ein neuer 5.1-Mix von Stephen W Tayler.

Format: 3CD + Blu-ray Audio
EAN: 5013929635821
Preis: ca.50 €

Squeeze – TRIXIES

Mit TRIXIES erschien Anfang März ein neues Album von Squeeze, das Songmaterial enthält, welches bereits vor rund 50 Jahren geschrieben, aber nie veröffentlicht wurde. Das neue alte Album liegt auch in einem Dolby-Atmos-Mix von Bob Clearmountain vor.

Format: 2CD + Blu-ray
EAN: 4099964202939
Preis: ca. 25 €

Rush – GRACE UNDER PRESSURE

Rush setzten ihre Archivserie mit einer umfangreichen Deluxe-Ausgabe von GRACE UNDER PRESSURE fort. Die Blu-ray enthält neue 5.1- und Dolby-Atmos-Abmischungen von Richard Chycki. Neben der CD/Blu-ray-Version erschien auch eine große Vinylbox. Eine Besprechung des Atmos-Mixes gibt es hier.

Format: 4CD + Blu-ray Video
EAN: 0602478262173
Preis: ca. 270 € (Vinylversion: ca. 350 €)

Frank Zappa & Captain Beefheart – BONGO FURY

Das gemeinsame Album BONGO FURY von Frank Zappa und Captain Beefheart aus dem Jahr 1975 erschien als umfangreiche Archivbox inklusive neuer Dolby-Atmos-Mixe von Karma Auger und Erich Gobel.

Format: 5CD + Blu-ray Audio
EAN: 0602488048170
Preis: ca. 60 €

Magenta – TAROT

Die Progressive-Rock-Band Magenta um Robert Reed veröffentlichte mit TAROT ein neues Studioalbum inklusive DVD mit DTS-5.1-Mix, den Reed wie gewohnt selbst erstellte.

Format: CD + DVD-Video
EAN: 5060153431712
Preis: ca. 23 €

Motörhead – ON PAROLE

Das frühe Motörhead-Album ON PAROLE erhielt im April eine neue Deluxe-Edition inklusive Dolby-Atmos-Mix von Steven Wilson.

Format: 3CD + Blu-ray im Mediabook
EAN: 5021732623461
Preis: ca. 45 €

Richard Barbieri – HAUNTINGS

Porcupine-Tree-Keyboarder Richard Barbieri veröffentlichte mit HAUNTINGS ein neues Soloalbum inklusive Blu-ray Audio. Den Dolby-Atmos- und 5.1-Mix erstellte jedoch nicht Steven Wilson, sondern Steve D’Agostino.

Format: CD + Blu-ray Audio
EAN: 0802644806921
Preis: ca. 25 €

Jeff Buckley – GRACE

Das einzige Studioalbum von Jeff Buckley erschien Ende April nun doch als Blu-ray-Audio-Neuauflage mit Dolby-Atmos-Mix von Steven Wilson. Dazu gibt es hier bereits eine Rezension.

Format: Blu-ray Audio
EAN: 0199584332895
Preis: ca. 28 €

Grateful Dead – WORKINGMAN’S DEAD

Auch WORKINGMAN’S DEAD von Grateful Dead erhielt eine neue Blu-ray-Audio-Veröffentlichung mit Dolby-Atmos-Mix von Mickey Hart.

Format: Blu-ray Audio
EAN: 0603497808045
Preis: ca. 23 €

Eagles – ONE OF THESE NIGHTS

Mit ONE OF THESE NIGHTS gibt es nun auch ein Eagles-Album im Dolby-Atmos-Mix. Diesen erstellte Ron Jacobs. Die Edition enthält drei CDs und eine Blu-ray. Eine Rezension folgt.

Format: 3CD + Blu-ray
EAN: 0603497820320
Preis: ca. 38 €

Demnächst erhältlich:

Bruce Soord – GHOST IN THE PARK

The Pineapple Thief Mastermind Bruce Soord veröffentlicht in wenigen Tagen sein neues Soloalbum GHOST IN THE PARK. Natürlich gibt es davon auch eine nicht ganz günstige Deluxe-Ausgabe mit Dolby-Atmos-Mix von ihm selbst.

Format: 3CD + Blu-ray
Erscheinungstermin: 15.05.2026
EAN: 0802644806853
Preis: ca. 80 €

Kraftwerk – RADIO-ACTIVITY

Kraftwerk setzen ihre Reihe von Dolby-Atmos-Neuauflagen fort. RADIO-ACTIVITY erscheint am Freitag auf Blu-ray Audio. Wie es aussieht, allerdings wohl nur in der internationalen Version. Der Mix stammt von Ralf Hütter und Fritz Hilpert.

Format: Blu-ray Audio
Erscheinungstermin: 15.05.2026
EAN: 5021732774750
Preis: ca. 25 €

Jethro Tull – UNDER WRAPS / WALK INTO LIGHT

Das nächste Mediabook aus dem Umfeld von Jethro Tull kombiniert UNDER WRAPS mit Ian Andersons Soloalbum WALK INTO LIGHT. Bruce Soord übernahm hier die Regler am Mischpult. Anders als bei früheren Veröffentlichungen gibt es nun eine Blu-ray und die Musik dementsprechend auch in Dolby Atmos zu hören.

Format: 5CD + Blu-ray
Erscheinungstermin: 15.05.2026
EAN: 5021732955098
Preis: ca. 50 €

The Alan Parsons Project – EYE IN THE SKY

EYE IN THE SKY erscheint als eigenständige Blu-ray-Audio-Ausgabe mit neuem Dolby-Atmos-Mix von Alan Parsons. Vor knapp zehn Jahren erschien das Album bereits auf Blu-ray, damals allerdings noch ausschließlich im 5.1-Mix.

Format: Blu-ray Audio
Erscheinungstermin: 15.05.2026
EAN: 0711297534559
Preis: ca. 25 €

Jeff Goldblum & The Mildred Snitzer Orchestra – NIGHT BLOOMS

Schauspieler und Jazzpianist Jeff Goldblum veröffentlicht mit NIGHT BLOOMS ein neues Album inklusive Dolby-Atmos-Mix. Auf den Streaming-Portalen finden sich bereits frühere Alben von ihm in Dolby Atmos. Der Mix stammt von Ben Burget.

Format: Blu-ray Audio
Erscheinungstermin: 05.06.2026
EAN: 0602488206310
Preis: ca. 23 €

Yes – AURORA

Sie können es nicht sein lassen: Yes veröffentlichen im Juni mit AURORA ein neues Studioalbum inklusive Dolby-Atmos-Mix von Curtis Schwartz.

Format: 2CD + Blu-ray Audio
Erscheinungstermin: 12.06.2026
EAN: 0199584183121
Preis: ca. 55 € (Vinylversion: ca. 100 €)

Marillion – MARILLION.COM

Marillion setzen ihre Reissue-Reihe fort und überspringen zunächst RADIATION, von dem bereits ein Surroundmix existiert. MARILLION.COM erscheint im Juni als neue Mehrkanal-Ausgabe im Mix von Michael Hunter.

Format: 3CD + Blu-ray Video
Erscheinungstermin: 19.06.2026
EAN: 4029759213086
Preis: ca. 40 €

Chris Squire – FISH OUT OF WATER

Und nochmal Yes: Das Soloalbum des Yes-Bassisten Chris Squire wurde bereits vor einigen Jahren auf Blu-ray mit 5.1-Mix veröffentlicht. Nun erscheint zum 50. Geburtstag eine neue Ausgabe, dieses Mal zusätzlich in Dolby Atmos. Für Stephen W Tayler ist es der erste veröffentlichte Atmos-Mix.

Format: CD + Blu-ray Audio
Erscheinungstermin: 26.06.2026
EAN: 5013929474260
Preis: ca. 32 €

Rolling Stones – FOREIGN TONGUES

Sie rollen und rollen und rollen: Mit FOREIGN TONGUES erscheint im Juli ein neues Album der Rolling Stones inklusive Dolby-Atmos-Mix. Wer diesen erstellt hat, wurde bislang allerdings noch nicht bekanntgegeben.

Format: CD + Blu-ray Audio
Erscheinungstermin: 10.07.2026
EAN: 0602488213448
Preis: ca. 42 €

Sigur Rós – TAKK…

Von Sigur Rós habe ich bereits einige Alben besprochen, die bisher ausschließlich im Streaming in Dolby Atmos verfügbar waren. Im September erscheint nun auch TAKK… auf Blu-ray. Danke!

Format: Blu-ray
Erscheinungstermin: 25.09.2026
EAN: 5021732777317
Preis: ca. 27 €

SDE-Exclusives  (Bestellfenster teils noch offen):

Wie bereits in den vergangenen Jahren erscheinen auch 2026 zahlreiche exklusive Blu-ray-Audio-Titel über den Shop von SuperDeluxeEdition. Die Discs sind jeweils nur in begrenzter Stückzahl erhältlich und sind ausschließlich über den SDE-Shop beziehbar. Manches davon ist nicht mehr erhältlich, es kann aber immer wieder durch Rückläufer zu Restmengen im Shop kommen:

• George Michael – FAITH (Atmos-Mix von Chris Porter)

• The Who – QUADROPHENIA (Atmos-Mix von Richard Whittaker)

• Mark Knopfler & Emmylou Harris – ALL THE ROADRUNNING (Atmos-Mix von Chuck Ainlay (5.1) & Guy Fletcher (Atmos))

• Heaven 17 – PENTHOUSE AND PAVEMENT (Atmos-Mix von David Kosten)

• Heaven 17 – THE LUXURY GAP (Atmos-Mix von David Kosten)

• Tori Amos – IN TIME OF DRAGONS (Atmos-Mix von Adrian Hall)

• Roxy Music – FLESH + BLOOD (Atmos-Mix von Bob Clearmountain)

• Bryan Ferry – BÊTE NOIRE (Atmos-Mix von Bob Clearmountain)

• Bryan Ferry – TAXI (Atmos-Mix von Bob Clearmountain)

• Thin Lizzy – THIN LIZZY (Atmos-Mix von Richard Whittaker)

Weitere Alben in Atmos und Surround deren Veröffentlichung im späteren Verlauf des Jahres geplant ist:

Queen – Queen 2

Marillion – neues Album

Steven Wilson – neues Album

The Pineapple Thief – neues Album

Pink Floyd – The Wall

Gentle Giant – in A Glass House

Tears for Fears – The Seeds Of Love (in Dolby Atmos neu abgemischt, einen 5.1-Mix gibt es bereits)

Björk – Discography (Alle Alben in Dolby Atmos, acht Alben gab es bereits in 5.1)

David Bowie – Let’s Dance

Bruce Springsteen – Born in The USA

Prince – Around The World in A Day

Mehr Veröffentlichungen in Surroundsound können auf der Webseite des QuadraphonicQuad-Forums gefunden werden. Zudem gibt es viele Alben, die es in Atmos zur im Streaming bei Apple Music, Amazon oder Tidal zu hören gibt.

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